网红展：“出片率” 才是唯一诉求
也许很多年后我们会发现，朋友圈的 “晒照史”，很有可能就是一部当代年轻人 “大型流行文化发展史”。
在经历了网红奶茶、网红餐厅、网红书店的几番风雨后，“网红展” 成为了最新占据朋友圈打卡的新高地。
2011 年，Random International 研发创造的互动装置“雨屋（Rain Room）” 一直是参观者热爱的打卡作品
巨大的高科技装置、反复使用的霓虹灯、镜面，甚至全息投影、VR、3D 技术，梦幻虚拟的花海森林，五颜六色的感官刺激，观众光鲜亮丽地穿梭其中，举着手机不停对焦，抑或对着镜头变换姿势。
上：上海油罐艺术中心“teamLab: 油罐中的水粒子世界” 展（2019.8）
下：东京 The Broad Museum 草间弥生展
看展的人们往往不必取阅展览手册，也不必理会展品说明，“出片率” 是唯一诉求，艺术之名只是为了衬托自己。
看展的各位，小心，不要影响到拍照的人。
一个标准的“网红展”
是什么样的？
第一波“网红展”诞生于美国，在这一批展览中，冰淇淋博物馆（Museum of Ice Cream）被认为是这一风靡理念最初的实践者。
2016 年，冰淇淋博物馆首次在纽约推出，引发了“快闪博物馆”（pop-up Museum）风潮。
纽约“冰激凌博物馆”主题展览展区
这个展览内，没有任何历史和产品的介绍，只有大量可供自拍的大型甜品装置，如彩虹糖泳池、漂浮的甜点桌、巨型棒冰等，一切是为了年轻人的文化观念和即时记录。
这就形成了一个 “网红展” 最显著的特点：各式高科技装置和沉浸式娱乐体验，通过形形色色的马卡龙色装置及镜面、气球等道具，结合 VR、投影、3D 新媒体手段，共同组成了声、光、电的幻想世界。
譬如最近几年刷爆朋友圈的 TeamLab “花舞森林”，偌大的展厅里没有任何真实的展品，你的一举一动就是艺术品。每走一步，就有花朵从脚下绽放，花会随着你的动作，瞬间绽放、凋谢。在这里，展览鼓励观众与艺术品互动，观众甚至融入光影，成为展览的一部分。 TeamLab “花舞森林”展
阿根廷 “错觉” 艺术家雷安·莱安德罗·埃利希（Leandro Erlich）也是 “网红展” 领域的 “红人”。2018 年 6 月，他在国内的大型个展“虚·构”（CONSTRUCTION OF REALITY）在上海昊美术馆开幕；今年 7、8 月间，艺术家目前为止最大型的个展 “雷安德罗·埃利希：太虚之境” 再次登陆中央美术学院美术馆，成为大家暑期假日 “打卡胜地”。
上海昊美术馆莱安德罗 · 埃利希个展“虚.构” 2018.6-2018.10 （图片来源：昊美术馆官微）
这些能够展现 “错觉艺术” 的经典的照片，在过去的几个月，一定至少一次在帝都朋友的朋友圈中出现过。中央美术学院美术馆《雷安德罗·埃利希：太虚之境》展（2019.7-2019.8）
而另一类展览严格来说并不属于 “网红展”，它有着严肃的主题和珍贵的展品，但也依然没有逃过沦为朋友圈打卡的重灾地。
理由再简单不过了——它的创作者真的非常非常有名，用来给自己的朋友圈 “镀金” 再合适不过。
在刚刚过去的八月里，如果有哪个展览统一了朋友圈的审美，毫无疑问就是位于帝都的 “毕加索展——一位天才的诞生”。这是关于此次展览的官方介绍，看不懂？没关系，鹅娘也是在朋友圈复制粘贴来的，去看就可以了。就连整个夏天最火的 “现男友” 也去 “打卡” 了。
李现在微博晒出参观“毕加索展”图片
同样在中国陷入 “网红处境” 的艺术大师，还有草间弥生、达芬奇、梵高等人。
草间弥生上海展（2019.3-2019.6）
中央美术学院美术馆达芬奇逝世 500 周年
“达·芬奇的艺术：不可能的相遇”（2019.4-2019.5）
《梵高在世：多感官体验展览》香港展（2019.4-2019.7）
他们的共同点是名气足够震慑，属于 “入门级” 别的世界大师，让大家一眼就能看出自己身上的 “艺术细胞” ，发在朋友圈可以收集到足够的点赞数。
这一点香奈儿可以，但荒木经惟不行。
就连奢侈大牌近几年也来分一杯羹。GUCCI 品牌创意总监 Alessandro Michele 2015 年就与英国时尚杂志《LOVE》共同策划了 “No Longer / Not Yet：已然 / 未然” 跨界艺术展。还来到中国上海，创意总监 Alessandro Michele 亲自飞来宣传，还请来了刘雯、窦靖童等明星站台。Louis Vuitton 去年 11 月在上海举行了大型 “飞行、航行、旅行” 品牌展览，请来吴亦凡、张曼玉、朱一龙、孙俪、唐嫣、辛芷蕾等十多位明星 “打卡站台”。
Prada荣宅“What Was I?：我曾为何物？”展览（2019.3-2019.6）
紧接着在 4 月份，CHANEL《走进香奈儿》主题展览也在上海西岸艺术中心盛大开幕。
大牌们深耕品牌的艺术氛围和文化价值，同时俯下身来，面对 90 后、千禧一代露出和善可亲的脸庞。这是它们最新的目标客户群，而这群新人类更喜欢的是新鲜、刺激的购物体验，例如快闪店形式、沉浸式体验。当然，明星、KOL、网红等意见领袖也发挥了一定的作用。如果哪一个明星或网红推荐了一个展览，亦或是发布了一组在展览里拍了大片，粉丝们便会蜂拥而至打卡，这也是另外一种意义上的 “网红展”。毕竟当下最流行的形式就是——利用明星和网红的知名度来打卡造势。曾经的 “豆瓣女神” 晚晚更是和老公林瀚一起创办了木木美术馆，不遗余力地为自己的展览造势和引流。木木美术馆也凭借晚晚之名，成为了帝都著名的网红展览馆。刚刚结束的周末，木木美术馆揭幕了 82 岁英国画家 David Hockney 大卫·霍克尼的中国首次大展：“大水花”。
木木美术馆大卫·霍克尼中国首次大展“大水花”（2019.8-2020.1）
还 “很懂行” 的在顶楼的留了给观众专门的拍照空间。
这个夏天最具人气的 “中年练习生” 彭磊前两天刚刚在自己的微博上发布了去木木美术馆看 David Hockney 大卫·霍克尼展的照片，还晒出了与策展人晚晚的合影。
新裤子乐队彭磊微博 “打卡” 木木美术馆大卫·霍克尼展
鹅娘预计，接下来的几周，木木美术馆的大卫·霍克尼展，将会接替刚刚结束的 “毕加索展”，成为帝都新的打卡胜地。毕竟在中国网友的定义里，但凡适合拍照的都被统称为“网红展”。
朋友圈里的 “网红展”
借助科技的发展，现在的网红展，哪怕你没有亲临现场，一定也在社交媒体上完成了 “在线看展”。
在线下展厅里，每个人都打扮得衣冠楚楚，举着相机不停地对焦，镜头代替了眼睛，出片率代替了对艺术的吸收率。
展览的主题是什么？作者想通过这个作品传递什么讯息？这些都不重要，大家关注的是站在这些艺术“背景墙”里的自己是否好看。
甚至还有专门的网红展拍照教程。
在社交平台搜索“网红展拍照攻略”，不仅有展览值得拍照的打卡点一览，还有详细的妆容、穿搭建议:
TeamLab 这种光影酷炫的展就尽量穿纯色，让花朵的图案包围整个身体；
光线昏暗的展览，要穿着反光材质的衣服，妆容以 drama 的欧美妆为佳；
拍照的姿势以 “认真看展” 状为佳，关键就在体现一个 “沉浸式”；
不要游客剪刀手，可以酷一点，这样的场景很容易拍出大片质感。
社交平台上的 “网红展” 拍照大赛
无论是国内外，谈到网红展的发展，一定绕不开社交媒体。
任何一个有潜力成为网红的展都是 Instagrammable 的，或许在国内的语境下，这个词应该换成 WechatLineable（朋友圈）——即能够为用户提供能轻易获得点赞的图片。
上海当代艺术博物馆 4 月开展的“挑战的灵魂：伊夫·克莱因、李禹焕、丁乙”，为了让观众有拍照空间，传播 Yves Klein 展览信息，专门铺了蓝白石子甬道并安排上玻璃镜面以供拍照用。
上海当代艺术博物馆《挑战的灵魂：伊夫·克莱因、李禹焕、丁乙》展（2-19.4-2019.7）
北京松美术馆的“路易斯·布尔乔亚：永恒的丝线”展览中，把最著名的作品《妈妈》这个巨型蜘蛛雕塑放在室外供人拍照。
松美术馆《路易斯·布尔乔亚：永恒的丝线》展览（2019.3-2019.6）
摩登天空今年 5 月至 8 月期间在 798 艺术工厂举办的 Bowie by Mick Rock 摄影展，供拍照的装置比摄影作品更多。
摩登天空《Bowie by Mick Rock》摄影展（2019.5-2019.8）
刚刚在 Dior Men 2020 春夏男装秀进行跨界合作的美国色弱艺术家丹尼尔·阿尔轩 Daniel Arsham 在亚洲首次美术馆个展《现在·在现》，正在上海昊美术馆进行展出，进门就放置了几个可供摆拍的作品，吸引打卡。
昊美术馆丹尼尔·阿尔轩个展《现在·在现》（2019.6-2019.10）
日本的 “濑户内海艺术祭” 最近几年也成为打卡爱好者的新胜地，图为游客在港口体验藤本壮介设计的作品 “直岛Pavilion”。
“濑户内海艺术祭”藤本壮介作品 “直岛Pavilion”
如今数字媒体盛行的年代，人们看到任何夺人眼球的场景都想要奋力“挤进去”，社交媒体被各种当红展览霸屏着，大家都深怕在这个信息爆炸的年代里，慢下一秒就无法融入 “潮流” 的尖端。
这一现象反映了韩国哲学家 Byung-Chul Han 的那句：“促进交流的不再是免疫学意义上的抵抗力，而是点赞。这样的信息快速流动的时代，毫无疑问也加速了资本的循环。”简单地说，意义的传播变成了朋友圈个人形象的传播，拍照的人一边展现自我形象，一边沦为了商业逻辑的工具。
如果以前在社交平台晒自拍、晒下午茶追逐的是小资、情调和中产阶级生活方式，这一轮的风向标则是高级感，是睥睨整个社交圈的文化品位。
我们与艺术的距离
参观 “网红展” 的观众不需做任何功课，却能够轻易获得 “我懂这种艺术” 的满足感。这种轻松感或许让人感受到《娱乐至死》中 “赫胥黎式” 的文化滑稽戏。
从另一方面讲，这种易于复制的展览套路已经逐渐脱离了创办者们最初想法，那些巨大的装置、反复使用的霓虹灯、镜面，甚至投影、VR，似乎也在固化着年轻人的 “套路式思维”，使这种刚刚兴起的亚文展化坠入到一种 “奥威尔式” 的体验里。
这类适合拍照的 “网红展” 与所谓的 “沉浸式” 艺术展览有着本质的区别，虽然它的内容也是以雕塑和互动装置为主，却并非展览的主体，或者说，缺乏支撑内容的艺术概念。
而 “打卡” 背后，关于对艺术的解读，除去艺术领域从业者以及“艺毒患者”来说，在普通人眼里依然是 “看不懂” “难以捉摸” “格外高冷”。
TeamLab Kids 主席松本明耐先生说，自己的孩子虽然很小，却对手机屏幕产生了极大的兴趣，他觉得年轻一代对于视频和影像有着天生的敏感。他认为TeamLab 本身没有过于高超的科技含量，只是把一个梦幻的主题搬到了现实。
这一自然的主题，很容易让人联想起多年前法国乐队 Mickey 3D 的作品《呼吸》（Respire），音乐录音由法国工作室 Amazing Digital Studio 制作，讲述的是未来世界自然植物渐渐消失，儿童只能在模拟的游乐园中体验伪造的森林场景。
Mickey 3D 作品《呼吸》（Respire）
松本明耐说：“展览中的花瓣会消散，它象征着人类介入自然生态导致动物灭绝。然而在这个大型的自拍现场，多数人只顾着惊叹它的美，却完全感受不到这层含义。”
如今，越来越多的人正在走入美术馆和艺术展，无论此前他们有没有接受过系统的艺术教育，增长的流量为美术馆或策展方提供了 “社交媒体笼罩下的新一代年轻群体样本” ，并或多或少影响到了他们的抉择。
从此前的不允许在场馆内拍照，到如今的欢迎拍照，并鼓励发布社交媒体，可以看作是艺术场馆向利益和减轻运营压力而作出的让步策略。
《KAWS：ALONG THE WAY》香港展（2019.3-2019.4）
这种现象也向策展人和艺术家提出了新的命题：要不要在创作时，纳入一些更容易传播的视觉元素？要不要在策展时，设置一两个适合拍照的打卡点？要不要在考虑艺术性的同时，也平衡一下大众的接受程度？
这样的问题，每个搞艺术的心里都有自己的答案。
想听你说
你在朋友圈里看过哪些“网红展”？
（欢迎在评论区留言，将有机会获本鹅香吻一枚）
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