殷巴尔与广交：死的默念与生的沉思

海顿与布鲁克纳风格迥异，前者优雅极简，后者朴实繁复，但偏偏在3月4日广州交响乐团乐季音乐会上相遇。对于参与者来说，这场音乐会应不仅是一次茶余饭后的文化活动，而是一次深刻的思想共振，它关于生死，关于人与自然。指挥大师伊里亚胡·殷巴尔、大提琴家秦立巍、广州交响乐团正是触发这次体验的三个要素。

率真而不“本真”的海顿大协

当不少人认为海顿《D大调大提琴协奏曲》是本场音乐会的“餐前小酌”之际，秦立巍用独特的音乐见解打破这种成见：“这是大提琴家最难驾驭的作品之一，技术是难点，做到优雅更难，听得出技巧的优雅也是徒劳。”说到底，海顿这首作品考验的是境界，是领悟。

秦立巍的领悟说不上特立独行，却是带有浓厚个人印记的率真演绎。第一乐章优雅而富于力量感，高把位的演奏充满张力；第二乐章是海顿写过最宽缓的慢板乐章之一，独奏家在左手揉弦技巧的处理着意带入更丰富的表情，乐队在极弱处的烘托宛若仙境，美妙无比；第三乐章回旋曲，音乐线条硬朗，独奏触弦力度加强，个人色彩更浓郁，仿似带有浅浅鼻息，紧凑处密不插针。

大提琴家秦立巍

听惯古乐版本或有“本真”倾向演绎的人，可能会觉得这种演奏方式过于“浓油赤酱”，但秦立巍却并不认为“为本真而本真”是正确的演绎方式：“现代音乐厅更大，乐器用钢弦而非羊肠弦，过分刻意追求复古，反而会使聆听效果大打折扣，可能五排之外的观众都听不清楚”。音乐演奏的“本真”之辩，由来已久，谁更正确，没有定论，秦立巍的率真而知性的演绎同样很有价值。

“高速”更高效的布七

在乐团最后一次彩排结束后，笔者有幸采访指挥大师伊里亚胡·殷巴尔，问道：“您在广交身上是否找到您想要的‘布鲁克纳之声’？”“找到了。”大师的回答十分坚定。“我指挥过几乎所有世上最好的乐团，在它们身上我总能找到‘殷巴尔’的布鲁克纳，而我只会指挥最好的乐团！”3月4日音乐会的布鲁克纳《第七交响曲》演出，证明这不是殷巴尔的客套话。当作品最后一个音符结束后，经久不息的掌声就是最好的证明。

这部作品是布鲁克纳最受欢迎的作品无疑，录音版本汗牛充栋，紧凑者如罗杰·诺灵顿只需55分钟演完，宽缓者如切利比达克与柏林爱乐的录音要86分钟。殷巴尔与广交的演出连乐章间停顿一共耗时56分20秒左右，比殷巴尔的师尊切利比达克要短近30分钟。紧凑如此，但聆听过程却丝毫不觉得草率，反而充满戏剧性张力，音乐信息高度饱和。

慢，或者有更多人倾向用“深度冥想的气质”来形容，这不是演奏布鲁克纳作品唯一的标准，然而有一些音乐家却将冗长拖沓的节奏和冷漠的表情等同于所谓“宗教般的宁谧”。事实上，殷巴尔在过往每次布鲁克纳《第七交响曲》录音录像以及这次演出当中，都不曾有这种刻意拔高的“神化”倾向，他的表达总是充满能量，但绝无侵略性的语调；庄严而不道貌岸然，以至于他甚至认为如果切利比达克不是因为肩部的伤患，他晚年的布鲁克纳也不会缓慢沉重至此。

他在这场音乐会的演绎，更多地是让人感受到一种自然的伟力。在采访过程中，殷巴尔大师翻开乐谱，指出第一乐章的某处说：“这四个小节，是布鲁克纳用音符描绘的宇宙黑洞，暗淡无光，但紧接着大提琴、中提琴奏出的旋律却将人带回到人类的世界”。在大师心目中，这部作品，其实是关于人与自然，是关于短促人生与无限时空交错的探讨，而不仅仅是对瓦格纳逝世的哀悼。他认为理性主义哲学家巴鲁赫·德·斯宾诺莎“神即自然”论断也是布鲁克纳作品中探讨自然与神性的思想根基。当然，用音符描画的哲学概念多少带有忧患与哀愁的气息，也因此显得更富美感。

瓦格纳大号与圆号声部

 一场好的布鲁克纳《第七交响曲》现场演出如同神迹降临，感动无处不在，任何录音都无法企及。这场音乐会，广州交响乐团几乎每个声部都有绝佳的表现，对于这样一场完成度异乎寻常的演出，哪个乐段演得如何优美的讨论显得不那么重要，笔者只是记得“瓦格纳悼歌”第二乐章小提琴、大提琴、瓦格纳大号奏出第一主题的时候，感动的泪水莫名落下，借用斯宾诺莎的话语，这种感动“并非关于死的默念，而是关于生的沉思”。能亲身经历这样难忘的演出，应该感谢殷巴尔大师，感谢广交。

撰文：翟佳 | 乐评人，FM102.7广州汽车音乐电台《古典星空》节目主持。

图片：梁智辉、许韬

时间：2018年3月11日 20:00

地点：星海音乐厅 交响乐厅

票价：￥380/280/180/120/80

演奏：广州交响乐团

指挥/钢琴：马里奥斯·帕帕佐普洛斯 

曲目：

莫扎特        A大调第十二号钢琴协奏曲，K.414

                  降B大调第十八号钢琴协奏曲，K.456

                  C大调第二十一号钢琴协奏曲，K.467

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