对话丨美术指导韩忠：从业30年，我要否定大学学到的第一句话
2023年7月11日刊 | 总第3293期
AI会影响设计工作者的一些思维方式，但是代替不了人脑的情感和灵魂。
电影在前，一切专业在后。对从业者而言，电影感和电影意识是最重要的。
强烈的民族感、中国感，能让作品更加独立，才会赢得真正的尊重。
昨晚，《显微镜下的大明之丝绢案》登陆了北京卫视品质剧场。于网络平台播出时，这部剧被网友称赞为“场景细节用心，质感格调满满。”
美术指导是一个典型的幕后职位。很少有美术指导会跟着剧组参加首映礼，与见面会粉丝拍大合影的。但他的工作却是最先传递给观众的。影视作品的第一个画面里可能没有表演、没有故事、没有配乐、没有造型，但一定有场景和道具。
近几年，由于IP改编项目增多、同一时代的作品数量增多，人们对影视剧中美术环节的关注越来越高。“够不够美？”“够不够真？”影响了不少观众的口碑反馈。
另一方面，今年AIGC发展迅猛。很多影视圈的论坛上，都有业内大咖谈到这项技术带来的冲击。影视公司和游戏公司美术团队大裁员的消息，更是时有耳闻。
近日，影视独舌与《显微镜下的大明之丝绢案》的美术指导韩忠进行了一场深聊。1993年毕业于北京电影学院电影美术设计专业的韩忠老师已经从业30年，担任过《三枪拍案惊奇》《道士下山》《罗曼蒂克消亡史》《大军师司马懿之军师联盟》《狼殿下》《如懿传》《三生三世枕上书》《上阳赋》《觉醒年代》《风起陇西》《球状闪电》等几十部影视作品的美术指导。
2017年他凭借《罗曼蒂克消亡史》获得第31届中国电影金鸡奖最佳美术指导奖，2018年又凭借《大军师司马懿之军师联盟》获得第24届上海电视节“白玉兰奖”最佳美术奖。
韩忠（中）获得“白玉兰奖”最佳美术奖
以下，为韩忠的讲述。
电影美术在国内经历了一个从具体到全方位的过程。最早时，电影厂只有美工师。后来有了美术指导一职，全方位对影视作品的美学原理进行归纳总结，并提出一个可操作的美学方向。美术设计则是其中具体化的一环工作。
美术组不仅需要在筹备期完成概念设计，包括场景设计、道具设计、施工图设计、制作图设计等设计工作，还要在拍摄期与剧组其他部门交流，监理所有场景和道具的实物呈现。
韩忠（左）在《风起陇西》片场
我和很多优秀的造型指导合作过，比如张叔平老师（代表作《花样年华》《一代宗师》《让子弹飞》等）。他的设计精准、细腻，有非常高的美学水准。还有一些年轻的造型指导，像李宙（代表作《八佰》）、梁婷婷（代表作《绣春刀》）都很优秀。
我个人比较喜欢把中国绘画的一些原理、审美、思维方式放到创作中去，比如“疏可走马，密不透风”。无论是古装戏、民国戏、现代戏，还是科幻题材，只要是我接触过的项目，都第一时间寻求中国化。
绘画界有这样一种说法，认为中国画离西画越远越好。这让我有了一个思考。2000年以后，中国电影在艺术水准上所呈现的下坡路，可能就是因为我们失去了自己的特色。强烈的民族感、中国感，能让作品更加独立，才会赢得真正的尊重。
在专业院校里学习电影美术，所得到的收获主要有两方面。一个是具体的技巧。基本上工作中用到的具体技巧，在学校里都能学得到。另一方面是庞大观影量所带来的熏陶。
记得电影学院里上课学到的第一句话，是“电影是一门综合艺术”。我现在要对这句话坚决、坚定地予以否定。
电影不是一门综合艺术，而是一门独立艺术。它有独特的、成型的语言序列。美术、造型、摄影、配乐、文学、表演等都是电影语言下的具体专业。因此，它们都有一个帽子——“电影”。也就是电影美术、电影造型、电影配乐等等。电影在前，一切专业在后。对从业者而言，电影感和电影意识是最重要的。
电影美术不是任何一门绘画艺术。我们做的设计，不被电影镜头拍摄进去的时候，它什么都不是。电影美术一定是通过摄影机，才传达给观众的美感。绘画不是电影美术的终点。
我是一个反对电影美术做展览的人。我一直在举一个例子，电影是一个玻璃鱼缸，演员是游来游去的鱼，电影美术是里边的鱼草。你看整体时觉得很漂亮，但你把鱼草拎出水面来，一定不好看。
《三枪拍案惊奇》和《道士下山》上映后，有观众质疑“美术抢戏”。实际上艺谋导演和凯歌导演和我第一次见面聊，就都讨论过这事。美术为剧情服务的常规道理谁都懂，但两位导演都希望在作品中尝试让它走在前边一点。因为这两部片的故事中都有荒诞的色彩，所以美术也好、造型也好，和剧情一起形成了观众独特的观影感受。
观众觉得美术或造型抢了风头，正是片子所需要的。它需要让观众更加记住影像的风格。这都是有意而为之。
张艺谋拍《英雄》，把美术参与叙事运用到了巅峰。观众可以通过颜色来分辨情绪、对错、真假等核心内容。拍摄《影》时，他又使用了消色，尽可能把颜色减到最低。什么样的故事放在什么样的环境中去讲，这些都是创作者希望给观众看到的。
《罗曼蒂克消亡史》更能说明电影是一个整体的艺术。有人夸这片子美术好，有人夸音乐好，有人夸表演好。其实我说就一个——导演好。程耳导演在这部片子里所展现的笔触非常好。
整部片浓烈的氛围感，绝不是美术一个部门能够完成的。是导演的表现力，让原本看不见摸不着的美术工作，通过银幕呈现在了观众面前。
工作中，一个比较好用的方式是概括-总结-提炼-放大。比如提到天庭，我们会想到“凤阁龙楼连霄汉，玉树琼枝作烟萝”。这就是一个很好的概括。落实到黄金的瓦、白玉的建筑，就是对材质的提炼。剧中角色黑化了，环境里就搭配一些焦炭的房屋、凝结的岩浆，都属于总结。
在为项目寻找美学基调的过程中，思维要大于技巧。
很多人都知道《军师联盟》和《风起陇西》是我的作品。其实我参与的以三国为时代背景的剧集有三部。
1992年实习的时候，我就参与了央视版《三国演义》的拍摄。当时我们参考了汉代的资料，同时因为小说成书于明代，所以加入了一些明代的思维方式。总体来说，是比较写实的风格。
到了《军师联盟》，我和导演张永新研究决定把美学风格往后拉，拉到魏晋，甚至带点儿南北朝。因为在魏晋南北朝时期，有一个文明上的进步，就是更关注人，尊重个性解放。而这部戏的特点也是一部讲“人”的戏。于是我们加强表现了中国文人气中的洒脱，以“关注人”为影像的基础。
《三国演义》是金戈铁马，是对外的；《军师联盟》是审视自己，是对内的。因此，美术设计上也会更加突出角色个体。
《风起陇西》又有所不同，它是以事件为核心的。因此，某个事件是发生在一个什么环境下，会有更确切的要求。我希望呈现一种带有东方感的写意，有凝重质感。
我甚至控制整部戏不出现一朵花。在基地见到有花，我都会让他们摘掉。除了诸葛亮房间里必须有众多简牍外，一般的场景里，道具无论大小，最多使用7个。这就是践行了“疏可走马，密不透风”的美学原理。
为架空朝代的作品选定美学基调，是我们开的先河。不先定下美学基调，架空作品的美术设计很容易失控。
我为《狼殿下》《上阳赋》定的美学基调都在汉代和唐代之间。汉唐之间是最典型的中华文化，也符合最广泛中国人的审美感受。它不像宋明的那种弱势，又带着魏晋时期的洒脱，还有汉唐的彪悍和强烈，更便于表达中国感和东方感。
像《如懿传》这种有原著小说的项目，在确定要做后，我都会用听书软件把原著听上两三遍。因为剧本一般不会对环境、道具有过多的描写，而小说里的文字描写通常比较详细。抓住原著中的灵魂后，更便于和导演沟通。人物和剧情的改编是编剧和导演的事，场景方面《如懿传》基本上就是按照原著的描写去做的。
《三生三世枕上书》相当于是大爆款的续作，这种续作在美术设计上，既不能一味沿用前作，也不能完全另起炉灶。我的处理方法是涵盖前作。你包住了它，然后又耐看，观众就很容易接受。
对于一名职业的影视工作者来说，不能太闭塞。好看的作品一定是和当下有关的。有生命力的作品应该是跟现实生活接近的。我之前做古装戏较多，是因为古装戏有条件去实现一些技巧，但从文艺作品来讲，现实题材的作品更有生命力。
近几年我做了两部之前没接触过的重大革命历史题材，分别是《觉醒年代》和《光荣与梦想》。
我个人发自内心，对共产党为什么建立、为什么能生存下来、为什么能发展壮大，为什么能完成这样一个伟大的事业，充满好奇。在拍摄这两部戏的过程中，得到了很多触动心底的启迪。
古装戏是基本功，是技巧。近现代题材更富有挑战性。真正的创作，实际上是把情感和热情注入到技巧之中。
拍革命历史剧，不仅要翻阅大量资料，而且要充分认识那段历史。《觉醒年代》初期曾计划发挥我的特长，拍一个风花雪月的民国。因为1918年的民国，有很多地方还是非常美的，是一个小的百家争鸣时期。
但我们讲述的是建党前夕民众觉醒的时期。这决定了我们不能拍风花雪月。如果画面中的民国是美的，那我们为什么要打倒它？于是我们以更写实的抓手去做，捕捉底层社会的民不聊生、老百姓的食不果腹。鲁迅在北京出场时，晴天一身土，雨天一身泥。
《球状闪电》是我第一次接触科幻题材，它是典型的软科幻。球状闪电是一个自然现象，剧中用科学幻想的方式，去探寻球状闪电到底是什么，并提出了一种细思极恐的可能。
这部戏展现出来的是人类在自然面前的脆弱和渺小。我们在美术设计中最突出的感受叫克制和内敛，其实暗含着一种悲观的情绪——自然太庞大，我们的未知太多了。
这部戏发生在1966年到2002年。现实生活中找不到规模足够的、连续的场景。我们只好采用“拼场景”的方式，把所有场景拼出来。
我的团队使用AIGC已经有小半年时间了。不过，我并没有因为AI的使用而缩减团队成员。AI确实能带来极低的试错成本，提高工作效率，甚至会给我们带来新的灵感，但我发现目前的AI还只是在模拟人的情感，它本身没有情感。
AI对行业的冲击首先会体现在低端领域，比如商场使用的宣传海报之类。在影视行业这种高级别的创作中，最重要的是设计中的情感。AI目前还无法替代，只能辅助。
新科技会影响设计工作者的一些思维方式，但是代替不了人脑的情感和灵魂。
然而，我们不能因此忽略科技发展的速度。AI一定会带来一批新的业界精英。我入行时，所有人都是徒手画设计图。三年后，电脑辅助就开始大量介入。五年后，所有人都是电脑作图，没有人再徒手画了。再比如数字摄影代替胶片的时候，很多人不适应。现在十年过去了，所有人都得用数字摄影，因为已经没有胶片了。
AI技术的一个关键是词汇量训练。虽然不同工作室、团队使用的可能是同一个软件公司的AI，但是因为后期训练的词汇量不同，最后在风格上、效率上也会有很大的不同。
科技的发展，让人越来越容易满足自己的意愿。我们的专业是电影美术，我的思维方式是用电影在做美术，不是对于软件和绘画的过度依赖。
我组建团队、成立公司，就是希望把原本像“路边摊”一样的电影美术整合成“小作坊”。我们有归属感，我们通力合作，不拍戏时也会交流。我认为这是一个进步，它会是中国影视工业化道路上的一块，哪怕是垫脚石。