来自百余位音娱产业人掷地有声的分享

2018小鹿角·中国音乐财经博览会已于4月13日在北京圆满落幕。这届博览会上，百余位嘉宾都分享了他们对于行业的观察和见解。今天我们将带来博览会的第一波回顾，来看看到场嘉宾都亮出了哪些金句吧。

音乐产业不同产业链的从业人员，必须首先具有一定的音乐知识技能基础，但同时又必须要具备能够通观全局的能力。

—— 冯亚，中国传媒大学教授。她谈及全产业链视野下的音乐产业人才培养时如此表示。

（音乐教育）关键是让大家知道，不是说学钢琴就是弹曲子，得有一种持续性，让你能由内而外感受到（其中的乐趣），而不是逼着你。

—— 刘欢，北京迷笛艺术传播有限公司CEO，谈到当前迷笛的教育理念，他表示考级只是一个“尺子”，不应该成为音乐学习的束缚。

教育工作最大的瓶颈之一是在师资上，传统音乐学院毕业的学生可能会缺乏实践；纯从社会上招聘的酒吧乐手又缺乏传统院校的理论知识。这些都非常考验老师的教学。

——汤佩弦，牛班联合创始人，谈到当前音乐教育行业面临的问题时如此表示。

音乐教学的内容是可以标准化的，但现在还确实没有办法那么标准化，加上整个教育产业又被互联网标准化的商业模式所裹胁，这个是一个很大的问题。

——邓柯，知名乐评人，在回答“音乐教育行业为什么很难产生新东方这样的大公司”的问题时，他表示当前中国的音乐教育还处在一个初级的阶段。

整个音乐教育我建议大家可以从三个维度去思考，首先是年龄，到底是教育儿童还是成人；其次是目的，到底是专业还是兴趣；最后音乐类型，到底是传统还是流行。

—— 颜聪，中国艺术管理教育学会理事，表达对于当前音乐教育发展状况以及儿童素质教育规范化的看法。

我们所有的人都是“义工”，所有的人都真的觉得应该为这个行业做这个事。如果CMA今年还是用这个原则做下去，有一天它一定在规模、形态、资金各方面都更能代表这个产业的价值。这也是我们非常坚信的一件事。

——徐毅，太合音乐集团总裁暨首席执行官，表达对于唱工委音乐奖（CMA）的期许。

现在音乐形态变化很大，但不论怎么样，音乐的核心价值是质量跟情感。所以我们希望这个奖不论什么时代、怎么变化，都能够把这个东西找出来，坚持下去。

——詹华，音乐企划人、经理人，他如此阐述唱工委音乐奖（CMA）的使命。

最重要的一点是我们有没有耐心，我们有没有足够的热情去做出好东西？音乐这个风口一旦到来，还是会“落”到真正有才华的人手里。

——李岱，华人文化控股集团音乐总裁，文旅地产与现场娱乐副总裁。

专业的、纯粹的爵士乐学习者们，也要考虑一下去创作自己的音乐，而不是拷贝standard（程式）。即便不能爆红爆紫，但他们也应该有自己的音乐。

—— 秦四风 ，作曲家、导演&制作人。在主题演讲“人类不会飞行”中，他谈到学习和自主创作之间的关系。

我们采用了很多方式，更多的是打破我们本身的关系，让音乐的距离越来越近。与其说我们的团员在演唱合唱，不如说他们在用合唱作为戏剧。

—— 金承志，上海彩虹室内合唱团艺术总监，青年作曲家、指挥家。3月底，彩虹室内合唱团推出了新作《白马村游记》，金承志谈及该作品的创作时说道。

音乐公司的内容思维：一个是方向，一个是传统。传统反而是这个时代比较稀缺的东西，互联网虽然带来很多新东西，但也打碎了很多东西。

—— 戈非，草台回声创始人兼CEO，谈及音乐公司的内容思维。

不要影响音乐人对于自己本身创作的方向，不要给音乐人做这种导向。因为音乐人就是表达，而我们经营者的表达，是研究市场。

——王凯，心喜文化新音乐厂牌S.W负责人。谈到音乐人和经营者之间的关系时，他认为应当给予音乐人充分的自由。

短视频也好，直播也好，其实都是一种产品的功能。在做这个产品的时候，更多应该考虑这么几个问题：第一，这个产品如何解决问题？第二，如何提升效果？第三，怎样创造需求？

——杨宝成，动次APP创始人兼CEO。在回答“为什么创业时选择音乐短视频方向”的问题时，他如此表示，本月初，动次刚刚宣布完成创世伙伴资本领投、莲花资本跟投的数千万元Pre-A轮融资。

音乐短视频到底是什么？其实如果抛开视频的话，无非就是短内容。短视频只是产品的形态，短内容才是核心的价值。

——李宇，音乐产业资深操盘手。谈及对于“音乐短视频”内容的理解以及音乐在其中发挥的作用。

从电视时代，到传统的PC端时代，进入今天的手机时代，音乐短视频已经成为音乐作品最好的宣传方式。

——朱洁，今日头条音乐总监。她认为音乐短视频除了娱乐功能，更多还可以宣传音乐人和他们的音乐作品，进入2018年以来，今日头条旗下的抖音飞速发展，同时也吸引了诸多音乐人纷纷入驻。

现在音乐产业做内容的人找不到变现的渠道，做平台和做渠道的人抓不到内容，对于资本来说，需要一个大手把整个行业的格局重新梳理一下。

——李辉，MiaoMusic创始人兼CEO，他认为当下音乐产业的一个突出问题是内容与渠道之间的矛盾。

在这个互联网时代，很多地方都已经解决了听音乐的问题，但“看音乐”的问题还没有解决，或者说没有完全解决。

——郝月，碎乐娱乐节目总监，谈及短视频对音乐行业的影响时，他认为短视频解决了用户“看音乐”的痛点。

很多人误解Urban是一些比较街头的东西，其实不是，我觉得Urban定义应该是当代都市流行的。

—— Cloud Wang，独壹不贰联合创始人，音乐人。在主题演讲“华语URBAN MUSIC时代到来！”中，他谈及自己对于Urban Music的理解。

在我们自己做好电音之前，我觉得所谓的“跨界”只是一种形式，我认为真正的跨界是让人听不出来这是跨界音乐。

—— Panta.Q，电子音乐人。博览会上，这名伯克利大学毕业的年轻音乐人带来了题为“I SAY PANTA U SAY Q”的演讲，谈到自己对于“跨界”的理解。

现在中国的演出市场都还停留在钱的年代，都是去拼钱。为什么很多国外艺术家都喜欢在中国演出？除了能做更多尝试以外，还有一个原因就是中国的演出费最高，中国的钱最好赚。

——周嘉海，iMe娱乐集团首席执行官。他在“创业12年来，我眼中中国大型演唱会市场的生命力与前景”的主题演讲中，谈及当前国内演出市场面临的问题。

我始终对秀动的定义并不是一个票务平台，那样的话就太小了，我更愿意把它看成是音乐人服务平台。我们做的是一个产业，要为乐迷和音乐人提供全方位的服务。

——杨浩宇，太合音乐集团演出管理中心总经理。作为票务平台的后起之秀，太合对于秀动的定位不仅仅是一个票务平台。

以视频为技术，以新的多元价值观碰撞的节目，会为未来头部视频网站造星创造更大的可能性。它的呈现方式会更加多元，新鲜科技也会带来整个价值观的改变。

——邓林海，腾讯视频音乐中心总监，谈到年轻人需要什么样的视频内容时如此表示，他引用腾讯视频自制节目《明日之子》总制片人的一句话，“如果在电视年代，毛不易这样的歌手是不会出现的。”但互联网时代赋予了这种可能性。

我们音乐做了很多年，还是应该回归到音乐本身，艺人能够通过视频散发出来他的魅力，让这个内容更能够符合并引领这个时代的潮流。

——贾敏恕，资深音乐制作人，简单生活节制作人。他认为视频应当是更好地为音乐本身服务，为好的内容锦上添花。

很多的视频为什么可以成立？为什么可以比较久？因为那些视频更多是独立的创造，如果去模仿的话，我觉得还是有点难。

——郭倍倍，鹿先森乐队主唱/高校摇滚夜创始人。他认为一切的创作都应当是基于独立创作，才能更受到年轻人的欢迎。

从《偶像练习生》开始，我们发现其实不那么需要去钻所谓网络的边际效应，去钻网络的某种开放尺度，因为网络本身就提供了我们跟年轻人之间最好的互动和交流的方向。

——雷瑛，鱼子酱文化CEO。在“从快男到偶像练习生，鱼子酱的偶像探索之路”的演讲中，她谈及《偶像练习生》给鱼子酱文化带来的收获。

偶像这个产业，目前来讲还处在初级阶段，后续的包括打歌的平台，产业整合都需要时间去验证是否能高速得发展起来。不过我觉得2018年就会有顶团的出现。

——杜华，乐华娱乐创始人。作为当前发展速度较快的娱乐公司，乐华娱乐一直在不断输出新艺人，在“娱乐造星拐点下，乐华如何建立自己的造星体系？”的主题演讲中，杜华如此预测2018年偶像产业的趋势。

偶像从内容来说是一个整体的东西，音乐只是其中一小部分。应该先有自己一个清楚的定位，再基于这个去考虑舞台，再考虑它的配乐形式。

——徐露菲，A.I.F娱乐创始人兼CEO。在回答“如何解决很多偶像定位不清”的问题时，她如此表示。今年年初，A.I.F娱乐宣布完成由翊翎资本、合鲸资本、治平资本共同投资的数千万元天使轮融资。

我觉得未来艺人首先具备的就是外形，因为这是看脸的时代；还有一个是创造力，创造力包括音乐和舞蹈的创造力；再有一个就是坚持力。

——闻震，福气文化创始人，在谈及当前偶像的必备素质时，他如此表示。

我的三个关键词是流量、流量、流量，有流量才会变成经济。但如果只是音乐平台的流量就太窄了，受众群流量本来就不是单个流量，电视节目、电影也会带来流量。

——朱敬然，种子音乐集团音乐总监，新意思音乐总经理。他如此阐述自己送给2018年偶像产业的三个关键词。

偶像组合是各种残缺的艺术组成的一个完美舞台产品，我觉得组合最重要的是人设，最重要的是他们每个人要有人物特点。

——司捷，捷特联合创始人兼CEO，他如此总结自己偶像团体运营及包装的经验。

豆瓣和V.Fine的合并是基于想服务好音乐人。豆瓣音乐在音乐人方面有很多积累，V.Fine可以帮助音乐人进行版权管理，这是我们合并的一个契机。

——张宇宸，豆瓣音乐产品合伙人，V.Fine执行副总裁。本月初，豆瓣音乐与V.Fine宣布合并，在谈及两家的合并时，他如此表示。

大部分音乐人或者说音乐作品都是不赚钱的，但是不要因为这个阻止自己迈出第一步。如果你错过了，基本上永远也不可能在版权上有多少收益。

——宋洋，麦爱文化创始人，谈及给音乐人的建议。他表示“希望所有的音乐人能够把握时效性”，要勇敢地迈出第一步。

音乐人除了对音乐的追求之外，对粉丝的经营和版权方面的灌输也是很重要的。任何一个创意工作者获得了1000个粉丝，这辈子就可以很好地生存下去。

——张悦，合纵文化发展有限责任公司音乐线上事业部总监。他认为在当前的阶段，音乐人除了做音乐之外，还应该懂得很多其他方面的知识。

文化是旅游的灵魂，而旅游解决的是一种场景，即在这个场景下内容应该如何去体验。音乐正是补充了这个内容，是场景之下的一种体验。

——阮娟，马蜂窝销售总监，谈及音乐与旅游的关系。去年，马蜂窝和摩登天空合作了赤水河谷音乐季项目，她形容这一项目是“史无前例”的。

我们行业里面真的缺了更商业、更职业的元素，因为以前这个行业不够赚钱。音乐产业发展历程中需要更商业和专业的人士进入，现在这个时候已经到了。

——胡嵬，摩登天空副总裁。他认为随着收益的不断增多，现在音乐产业已经发展到了一定阶段，正在吸引更多专业人士进入。

我们都说民族的就是世界的，实际上真正走起来是非常艰辛的路。如果一种音乐能够代表当地的旅游和特色，政府才更愿意融入音乐在其发展中。

——黎冬，美库原创国际文化传媒（北京）有限公司董事长。美库一直致力于民族音乐国际化，他将这一进程形容为“英雄之路”。

音乐小镇不是因为国家有政策才叫做音乐小镇，我们拿一个政策去做，这个太浅了，当中更重要的还是体验。

——陈韬，壹天文化传媒联合创始人，谈及对于“音乐小镇”的理解。

音乐行业其实是一个非常轻资产的行业，它没有很多厂房，没有很多机械去做抵押，银行评级也不太认，所以音乐企业在市场上应该是比较难融资的。但这个行业依然有很多机会，现在随着消费升级，越来越多人把演出作为他们休闲的方式，整个演出市场的体量在迅猛发展，渠道也在逐渐下沉。

——黄少峰，乐福文化创始人。在“2018，流行音乐演出市场的机会与挑战”的主题演讲中，他谈及自己对于当前音乐产业的理解。

中国需要更大的能够报批的演出场地。很多海外艺人，即使是小乐队也需要很多设备，工作人员一起来，成本是很高的，现在经常场地（票）都卖完了还不够他们来回的路费。

——张然，摩登天空国际事业部总监，影响城市之声创始人。谈及目前海外艺人在中国办演出过程中的问题时，他如此表示。

我的参考标准，一个是网站数据，一个是自己从业经验（自己对这个判断或者朋友判断），一个是粉丝们的想法。

——艾晶，HAZE SOUNDS主理人，秀动网海外项目主管。在回答“如何衡量一支乐队是否时候来中国做演出”的问题时，他认为应该有这三方面的考虑因素。

演出行业走到今天，一直是一个“赌博”的行业，永远没有办法拿上一轮的市场票房情况来评估下一轮。最重要的还是怎么样在赌博过程中把评估机制做好，把风险降到最低。

——张春晓，永乐文化董事、副总，谈及演出行业应如何规避风险。

第一，我们公司的同事们都是音乐爱好者，请过来的艺人最起码都是我们喜欢的乐队；第二，我们也会做一些数据方面的分析，当然这不是很有科学性，但也很有帮助。

——戴子文，开功文化（SPLIT UNITED）合伙人，谈及公司选择演出艺人的标准。

我觉得投资人的成功一定是依据实体产业成功，资本永远是附加值，不会成为产业里面主力军。投资的本质是做行业分析，其中独立思考和独立判断能力是非常重要的。

——刘晓妍，头头是道基金董事，谈及资本和产业的关系以及投资的本质。2016年底，头头是道逐步开始关注包括文娱和其他行业的跨界融合，如音乐+产业。

我觉得分两类，一个是版权内容方面的唱片公司；第二则是演出类的公司。

——余灏，复星文化产业集团执行总经理。在回答“2017年中国音娱投资市场有何热门”的问题时，他如是说。

中国原创音乐无论是从质量还是数量上都还有很大的成长空间。即使是跟韩日比，工业化程度也还很低。如果潜心做好源头的内容创作，公司和个人都会获得很好的收益。

——赵明扬，天星资本投资总监，他认为当前音乐产业，内容依然是创收的核心。

华晨宇的品牌形象定位清晰后，百龄坛的概念也就非常清晰地传达给了消费者。

——KELLY XUE，百龄坛中国品牌负责人，谈及百龄坛与音乐人的合作关系时，她阐述了品牌和音乐人共同打造品牌内容的重要性。

面对面沟通时对方会有更多的时间聆听我的品牌、看到我的东西，触摸到、试穿到、跟我会有互动。

——郭婉仪，吴克群潮牌DEBRAND市场部品牌经理，谈及品牌营销的方法论时，她表示这是她最喜欢的方法。

电影也需要音乐，音乐也需要电影，让所有娱乐化的元素结合在一起，才应该是我们的目的。

——高航，奔跑怪物创始人，对于如何保持品牌营销创意的关键所在，他表达了整合性营销的重要性。

艺术的公共性非常差，我在想办法通过艺术和音乐相互影响，去引导更多人去关注有趣的事情。

—— 梁龙，二手玫瑰乐队主唱，面对什么是当前音乐行业最大的弊端时，他表示音乐在中国没有当代性。

我们会大量运用口语，通俗化的语言，很贴切地表达大家想说的话，这是偶然自然的探索下形成的结果。 

——Mr. Miss，音乐人组合，谈及音乐创作如何找到与听众的共鸣。

音乐人除了音乐之外，更重要的是人，生活比音乐更重要，这是音乐人该有的生活状态，用音乐的方式表达自己才是最理想的状态。

——好妹妹乐队，音乐人组合，在二人看来，“好妹妹”只是音乐属性的品牌，而不是他们两个人。

新的想法和动作是基于这个阶段好妹妹乐队做出了什么样的音乐，由这个音乐的核心以及根本内容，我们再去找适合的方式。

——奚韬，好妹妹乐队及陈粒经纪人，有此山文化传媒CEO，他认为这是“好妹妹”这个品牌进行音乐营销的根本基础。

对于各大平台，他们只要做一件事情，确认好平台的分帐体系，而我们能够把所有帐务结算，这个就是我们提供的技术解决方案。

——周倩，HIFIVE创始人，她认为HIFIVE音乐识别技术所能够发挥的作用，是在这个领域帮大家重新建立秩序。

AI跟人类本质的区别就是AI永远在模拟，一直在模拟人类的过程，它做出来悲伤的歌听起来真的很悲伤，但是AI不懂什么是悲伤。

——尹学渊，HIFIVE.AI首席科学家，龙渊网络联合创始人，在谈到人工智能到底在发挥什么作用时，他如此表示。

人就是人大脑的思考，工就是大数据，智就是算法，能就是应用的能力。

——施佳阳，链声科技创始人，谈及他对于“人工智能”的理解。他认为技术只是一种辅助，而人类拥有的更高级的情感，“是人工智能没有办法超越的。”

如果AI是生产力的话，区块链就是生产关系。

——武巍，VINCI联合创始人，谈及区块链能够产生的最重要的价值。

扶持独立音乐人是个“慢活儿”，需要平台方付出足够的时间和耐心来精心打磨。对此，虾米音乐会不忘初心，持续关注和扶持独立原创音乐的发展。

——曾莺，阿里音乐内容中心总监。本月中下旬，虾米音乐将正式启动寻光少年发片季，推出第二季“寻光计划”十组独立原创音乐人的首张个人专辑系列。

音乐公司和艺人要建立一个关系，不只是钱的关系，而是我们做更好的内容，做未来的服务，做方方面面细节的服务。

——唐正一，风华秋实CEO，他如此阐述厂牌在当前所需要扮演的角色。

可能很多唱片公司的同仁说，唱片可能就是一个名片，以前我也这么去说，但是我们现在真的很尊重唱片，对于音乐人的服务意识要比以前强。

——乌莉雅素，摩登天空副总裁，她表示厂牌跟音乐人之间的关系已经逐渐从非职业化向更加职业化转变。

我们把每一个艺人都当成他们自己的经纪人，都当成他们自己的制作人来培养，做出来的音乐都是他们自己喜欢的，并且能够让他们感受到自己的受众在哪里。

——万亚捷，米漫传媒联合创始人，在分享米漫培养音乐人的方法论时如此表示。

其实音乐并不是唱片的全部，还包含很多其他的环节。

——丁世光，月球唱片创始人，从内容到视觉再到包装印刷等等，在完成一张专辑的方方面面后，他发现其实无形当中就做了一个厂牌该做的事，而这也是他对于做“唱片”这件事的态度。

别的剧组狂签人，我那儿一个都不签，只是这轮戏跟我签，我们都是自由的。这个自由有我的理念，你签了人得对人负责，坑人钱没问题，什么都没问题，不能坑人青春。

——小柯，歌手、作词家、作曲家、制作人。在被问到用什么留住人才时，他认为小柯剧场大量的演出机会以及戏剧内容已足以和艺人形成非常良好的合作关系，而不是一纸合约。

我的心得其实很简单，其实就是自己喜欢，真的喜欢这个东西就不会枯燥。

——郑楠，词作家，音乐制作人，在被请求给到新人一些建议时，他如是说。

互联网现在只看数量不看质量，说的可能有点儿夸张，但是确实是一个现状。点击量高的那些歌，我觉得并不能成为整个行业的主导。

——崔恕，歌手，音乐制作人。在他看来，音乐人的话语权只能自己给自己。

现在是音乐人最好的时代，门槛很低，买一个电脑就可以完成所有一切，这个时代可以出很多很多音乐人。如果你是金子，就一定会闪光。

——董冬冬，作曲家，影视音乐人，在他看来，互联网平台给了优质内容更大的传播机会。

音乐人千万不要觉得自己的东西别人不懂，你一定得去理解影片技术的东西，因为这是电影核心的东西。

—— 窦鹏，音乐人，在谈及影视剧主题曲创作时他如此表示。

影视给我们就是一个片子，需要我们跟导演进行充分沟通，包括音频、对白，最终我们听到的是整体的听感效果，这个是密不可分的，最终才能达到比较好的效果。

——陈斐，小旭音乐副总裁、音乐总监，在谈及游戏配乐和影视配乐的区别时，他表示，游戏音乐是固定和动态的场景，而影视则有很明显的时间线性的关系。

音乐更大程度上是依赖于作曲人本身对音乐的感悟以及对文化艺术的内心追求。

——韩帅，上海网络游戏行业协会秘书长，在他看来，文艺创作的过程绝不仅仅是文化产品的生产。

设计一个好的内容的前提，是要能够很好地洞察到用户，特别了解你的用户，这个产品才是有针对性的、才是有价值的产品。

——张翀硕，摩登天空副总裁，在分享草莓音乐节的成长过程时他如是说。

不光是音乐节商业没有秘密，其实没有一种商业是有秘密的，告诉你能不能做到是你的事，就跟给你一个配方，让你配出可口可乐，你也配不出来。

——李宏杰，MTA天漠音乐节创始人，做了12年音乐节，他仍旧表示感觉刚刚入门。

大家考虑（音乐节的）商业秘密，还不如去考虑如何塑造自己的个性。

——单蔚，北京迷笛演出公司CEO，对于中国音乐节的现状，他认为整体的制作水准和标准还是比较粗线条。

不管什么，跟头肯定得摔，学费得交，躲都没法躲，必须有点儿事才对呢。

——吕志强，愚公移山创始人，在Livehouse行业历经风风雨雨，对行业的心态也十分客观。

现在音乐节的形态越来越多，生态也会越来越丰富，其实是到了可以做一些细分的时候，从音乐门类一直到分区，甚至从收入结构上。

——卢中强，十三月文化创始人，他表示到了今天，音乐节总体来说越大越高危，各种不可控，他反而对线下的物理空间充满了兴趣。

你要做成不同的音乐节，要怎么样达到票房的要求，你对音乐节赋予什么样的内容，做到不一样的特色，你的反思是什么样，秘密是在这里。

——何诗杰，热波传媒CEO，在回答“音乐节是否有商业秘密”的问题时他如是说。

大家把我们产品称为网红产品，的确我们这两三年靠着颜值，能够在市场上站住脚。但我们同时抓住了时代的红利，而且产品符合了当前消费升级的需求。

——曾得钧，猫王收音机创始人，在对猫王收音机爆火的原因进行复盘时，他表示能成为这个品类里的第一，除了产品、颜值，还是要靠“文化”二字。

我们开始重新定义什么是唱机这个事情，它把所有的唱盘、公放，喇叭全部塞到这样一个载体里面。它可以很低调地藏在任何一个角落里，也可以很高调地成为空间里面的主角。

——林桓民，HYM嘿哟音乐联合创始人，在“设计驱动音乐消费升级及品牌制造”的主题演讲中，他表示做一台符合现代的黑胶机，外形是第一要考虑的事情。但这个解决外形的同时实际是要解决更多机械的部分。

音乐最核心的宗旨是要给大家提供到想要的东西，科技的发展让我们给这种服务有了更多的选择性，但人的情感和温度很难被代替。

——戴以戎，北京广播电台Metro Radio FM94.5总监，在谈及音乐服务不变的到底是什么，她如是说。

未来的趋势肯定是AI推荐+人类专家的方式结合出来一个更加聪明，更加具有人类情感的推荐方式。

——黎文，猫王收音机首席内容官，在谈及当前环境下“发现音乐的方式”时，他如是说。

音乐就是两个东西，一个是资讯，一个是引领，资讯的部分几乎已经不需要，引领的部分现在变成两微一抖了。

——李志明，日谈公园创始人，在“任何东西都无法阻挡科技进步的洪流”主题演讲中，他阐述了从之前音乐杂志到当前音乐传播集中地两种媒介间的衍变。

如果不需要音乐杂志的话需要什么？需要曲库，这是当下最好的一个形式。它可以跟播客、文字和图文有机的结合，也能代表传播者、建立者的品位和想法以及审美趣味，它的传播性和可获取度也特别高。

——莫丽玲，DRAGON GROUP ASIA首席运营官，除了音乐杂志，她阐述了曲库作为新传播媒介的可能性。

播客在这个时代存在的意义和价值，其实就是一个自媒体，不过形态是音频，反正就我来说播客就是这么一个东西。

——伍叁伍伍，摩登天空杂志主编，坏蛋调频联合创始人。他表示，播客并不是一个新生的媒体，而是这个时代背景又回到了自媒体的原形。

整个中国报纸的情况，我估算单纯在跑音乐的记者可能都不超过10个人，大部分都跑综艺或影视了。音乐记者没了，音乐杂志或音乐媒体这些源头就没了。

——老丁，南方都市报记者，着调主笔，对于“中国是否还会有音乐杂志”的问题，他给出了行业真实的现状。

做自己项目的时候，很多主力成员只能找在美国受过整体电影相关教育，哪怕他的经验可能没有那么足，但是我们需要这样的人在整个剧组里面充当一种声音。

——王天居，光合木星影业、光合音乐工作室创始人，他认为人才稀缺是导致中国没有自己的像《爱乐之城》这样优秀作品的重要原因。

以前听过一句话我觉得说得挺有道理，世界是一个大监狱，应该用音乐风格来打开监狱。我觉得那是一种身份认同，我只能听老摇滚，60年代万岁。

——康阳，公路商店创始人，面对“音乐在年轻人喜欢的东西里扮演什么角色”的问题，他如此回答。

一旦“酷”这件事情落在酷的定义里就不酷了，条条框框把它排位排进去，还酷在哪儿呢？所以我觉得不用花太多时间说我们做年轻人文化应该怎么做。

——边忭，伍德吃托克联合创始人，在她看来，作为推广者或者组织者需要有更好的商业预测能力和对于整个行业流行趋势判断的眼光，这个敏感度比感受那件事本身来的更重要。

让年轻人接受一些好的东西，我觉得这个才是最重要的。年轻人虽然要真实，但是也要尽量传递给他们真实的文化。

——李赞，出人头地CEO，在谈及为什么嘻哈会流行起来，以及自己为什么会拍纪录片项目时，他如此解释。

一切青年文化的核心就是不管不顾的劲，是认为有别的可能性，是荷尔蒙天生就坐在你的脑子里。

——小老虎，说唱歌手、独立音乐人。在他看来，对规则没有那么敏感的“活性”是年轻人获取力量的来源之一。

音乐实际上不存在“老化”这个词，尽管在这个时代面对的人群是变化的，但是对于创作者和艺术家本身来说，不会有什么变化，活着总得有所表达。

——洪启，词曲作家、诗人、歌手。在回答“音乐人如何平衡大时代环境下对自身在音乐创作时的影响”时，他如此表示。

音乐创作是你个人的生活成长和学习的过程，要不断地在这个过程里面去沉淀，去重新审视自己，去反思，这个是最核心的东西。

——李星宇，鲸鱼马戏团。在他看来，音乐创作的核心就是人本身。

音乐人除了创作之外，在创作同时也要多去学习与自己权益相关的事情，学会好保护自己。

——高姗，独立音乐人，在她看来音乐人的自我保护意识的提高，也是音乐环境积极转变的重要部分。

音乐人是一定要有最终决定权的，因为我作为经纪人，一定是服务于音乐的。

——杨朝嘉，鹿先森乐队经纪人，谈到经纪人行业的基础，他强调了经纪人服务者的角色。

职业作词人就是在生活中用自己的方法记录最感动人心的故事。你听歌会掉眼泪的原因，都不会是（因为）换了一个新手机，一定是你心里面过往的一段难忘事情。

——易家扬，知名词人。在回答“在20年中观众喜欢的词作是否发生变化”的问题时，他表示尽管世界在变化，但是人们的情感体验是不会变的。

其实创作靠的不是灵感，在前期听到音乐旋律的时候，你自己就会有一个概念，它到底能存在什么样的表达，剩下就是我到底要在这个框框里写什么样的东西。

——唐映枫，作词人、歌手。谈及关于“创作灵感”的问题，他如此表示。

中国的电音巨星需要探索和摸索出一套属于中国市场自有的方式，这一条路我觉得未来进程会比较久一点。

——肖刘婉婧，羽角文化首席运营官。她认为电音明星需要有本土化的融合才能更有生命力，不过这一进程需要时间。

大家觉得电音好像很火，是因为有一些流行的艺人也在开始做电子音乐，但这个观点其实就是附属的。

——叶云甫，ROKON滚石电音创办人。对于当前国内电子音乐市场的繁荣，他认为原因很大程度在于流行歌手的推动，但电音如果想真正取得发展，还要“靠很多人一起努力”。

表达的时候用什么表达不重要，重要的是观众得到共鸣，认可你的作品，喜欢你的演出。

——周搏一，丛林文化创始人。他不认为音乐表达形式是衡量作品好坏的影响因素，譬如中国风，“它不是形式上的，而是你对生活的理解”。

带动整个中国电子音乐发展，光靠音乐节是不够的，还要注重核心的教育。我们以前的教育本身是没有电子音乐学科的，以后要改变，电子音乐市场教育很关键。

——王翱翔，RICK&OCEAN娱乐创始人，他谈及未来电子音乐的发展。

你要清楚你的品牌定位到底是什么，到底想做什么样音乐风格的音乐节，你的受众和你的目标群体到底是谁，以及最核心的，你的音乐节品牌有没有文化根源存在。

——韩晔，RICK&OCEAN娱乐总经理。他认为一个音乐节品牌需要有灵魂，才能和目标粉丝建立联系并做得持久。

电音节的蔓延有好有坏，好处是可以培育市场，教会大家怎么去玩电音节；坏处是有点透支头部DJ艺人，他们的价值越来越高，这其实不太健康。

——黄麒，深圳市兄弟时光文化传媒有限公司。在回答“如何看待电音节市场在今年呈现出的强劲蔓延趋势”的问题时，他如此表示。

音乐当然有很多商业可能，但不要忘了音乐是生活的一部分。我觉得要强调的是音乐生活，音乐跟现代人生活应该有很多的结合点。

——周小川，星外星音乐总裁，在被问及“世界音乐是否有更多商业可能”的问题时，他表示应该回归音乐的本质。

很多世界音乐家出去，真的不是因为觉得老外看到一群亚洲人的奇装异服会好奇，而是他们对音乐的包容度、融合感更高。

——刘钊，战马时代创始人，谈及为何越来越多国内的世界音乐人乐于去国外发展的问题。

不想贴这个标签，为什么贴？我们聊的是音乐，又不是时装展。

——刚子，图利古尔乐队主唱、吉他手。作为一个外界认为的世界音乐创作者，他表示自己并不愿意被贴上某种标签，他认为“做音乐就是做音乐”，重要的是表达。

我在选乐队的时候，首先的标准就是一定要会即兴，其次他需要有跟所有艺术家很快融合的能力。

——苗韵仪，北河三世界音乐公司创始人。本月中旬，摩登天空与星外星音乐合作成立“北河三”世界音乐公司，谈及选择艺人的标准时，她如此表示。

本周轮值编辑：李禾子

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