入选奥斯卡最佳动画短片奖，导演李夏创作经验分享 | 动画酱Live第7期干货
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12月2日，《Once a Hero》《红领巾侠》导演李夏做客动画酱Live，本文为李夏分享干货精选。（文末还有彩蛋哦！）
本周六（12月9日），第8期动画酱Live，我们邀请到《中国唱诗班》系列动画总导演彭擎政，想知道如切如磋如琢如磨的国风动画是如何创作的吗？快来报名吧！活动详情请见海报。
短片：留下最想传达的部分
《Once a Hero/如果我是英雄》的故事雏形是在研究生一年级时的一门剧作课上完成的。当时这个故事最初有二十五分钟，不太适合做短片。由于只有一年的时间，并且非常想把这个故事实现出来，所以在此基础上做了很大的改动，将自己希望通过故事最想传递的感觉和核心的哲学保留了下来。
最终成片只有八分钟，我把所有的精力都放置于怎么在这八分钟里让观众在影片的最后得到我想传递的那个感受。所以《Once a Hero》这个片子的遗憾可能更多的是在人物、背景的铺垫环节还做得不够。
如果有时间的话，我可以把更多的镜头和视角放到男孩儿和女孩儿他们背后的家庭，成长的环境，他们的世界观。以及那些施暴的男孩儿和女孩儿，他们的家庭到底是怎么样的？他们的世界观是怎么样的？也许他们的这些恶都是有来由的，来自于家庭或者其他。
在美术实现上，也是本着“保留最基本最想要传达的东西”的原则，能省则省。
影视是时间的艺术，影片的时间越短，情感冲击力就越有限。对于短片来说，动作戏或者喜剧往往是更好的选择。一部长篇有更多的时间去铺垫，让观众有时间进入故事中，并且给他们带来更强烈的情感冲击。但是在有限的制作时间和预算面前，时长和画面的精致程度往往是成反比的。你的时间和精力有限（一般来说艺术院校给学生们的毕设时长是一年时间），这注定了你没法圆一个长片梦。
漂亮的画面能更加的吸引观众，让观众有更好的沉浸感，帮助他们走入荧幕中的世界，塑造不一样的感官体验，可一旦观众进入了故事中，漂亮画面对观众的影响就会越来越小。美术要做的就是尽量保持影片前后的一致性，不要让观众因为画风或者画面质量的突变而出戏。
当我们搞清了这一点，就可以战略性的设计自己的动画，在有限的制作时间内，稍微降低一些画面的质量，也许让你有更多的时间专注在故事上，达到整体效果的最大化。
或者说你放弃了复杂的故事，只是希望在短时间给观众最大的感官刺激，那么就让故事越简单越好。
开头和结尾，两个创作者需要重视的结构
我说说自己的理解：所有和时间相关的内容，它的结构一定都有一个共性，就是开头和结尾，这两个地方是创作者要去重视的结构。
开头——当打开这个内容的时候，你是否能看下去，是否想继续看。结尾——你看完这个内容的时候，是否获得了作者想传达的感觉，是否带着这个感觉离开了这个内容。
对于一分钟的短片来说，除了开头和结尾，我觉得可能还谈不上其他的结构，更多的是节奏，怎么去控制视听语言，让视听语言的韵律去吸引观众，来达到你想做的。如果影片的时长再长一些的话，除了开头和结尾就需要考虑其他结构了。比如一般电影的话是三段式，开头、中点和结尾，在三段式的基础上又分八个序列。
《Once a Hero》中，1分56秒到2分43秒，男主角去偷拿爸爸的钱，女主角去偷拿家人的手枪，这是关于他们两个如何获得力量的段落。从结构上来说也是关于角色怎么开始他们接下来的旅程。
这里，男孩儿有一个目标，他被迫的要开始这段旅程，要去解决他的目标，他第一个能想到的解决方法就是去偷钱。相对映射的是女孩儿这条线，受到欺负之后她被迫要展开自己的旅程，她要解决问题的方法可能就是偷一把枪，这是获得了暴力。
在设计的时候，我希望还原出角色窥探力量时的紧张感，并选择张力很强的氛围音乐。所以一旦你清楚自己想要的效果和结果，并且知道这个段落是怎么为整个片子服务的时候，这段就呼之欲出了，就知道该怎么去设计它。
基于你想传达的感受去设计影片的风格和视听语言
在推敲作品的视听语言风格的时候，我的出发点一直也是考虑片子想传达的感受是什么？目标观众群是谁？确定这两件事之后，再基于这个感受去设计影片的风格和视听语言。
做《红领巾侠》的时候更多的是想做酷炫的东西，还有心中很多戾气的东西，比如师生矛盾。于是会选择更外显一些的表现方式，用很多酷炫的镜头、慢镜头。
做《灯塔》的时候更想去证明自己能做艺术片。也是一切都从感觉出发，并尝试了更多更实验的东西，但这些实验的东西有好的回馈也有不好的回馈，从这个过程中我也学到很多经验。
《Once a Hero》也是基于这个理念出发的。它是一个很悲伤的故事，当时设计的视听风格是不能太外显的。不能像《红领巾侠》那样浮夸的镜头设计。所想的就是，怎么让镜头更收敛一些来把《Once a Hero》想传递的感觉传递出去。
《黑客帝国》是我第一次体会到视听语言带来的感官愉悦，是我最初的分镜启蒙。初中时上课不愿意听讲，经常在脑袋里给自己播放子弹时间和慢镜头。久而久之，靠想象暂时不能满足了，于是就把脑中的画面记录下来。进入大学前的那段时间我慢慢去体会摄像机的运动，人物的调度，画面的节奏。在那段时间画完分镜之后，就照着分镜在脑中一遍遍的播放自己画的片子，非常有快感。
《红领巾侠》用的是表现力强的镜头，这样是最容易让人看到的。尤其是年轻，希望告诉别人自己设计能力非常强，非常有表现力，并且让别人看到自己，也乐于让别人看到自己。
但是你画着画着会发现这种张力很强的镜头的限——只能表述单一的情绪。其实最难的情绪是那种相对隐忍相对克制的情绪。
《红领巾侠》之后我想去证明自己能做不一样的东西，也是想证明自己能做艺术品，于是去做那些晦涩的东西。所以大学毕设做了《灯塔》，但是结果并不好，那个片子因为有太多实验的成分，因此可能社会反响也一般。进入研究生也在不断探索，一直到《Once a Hero》我才找到一个让自己满意的镜头的呈现方式，和自己满意的说故事的状态。
为了表述《Once a Hero》想传达的感觉，我必须要用这种克制的设计和镜头才能做到我想传达的东西。如果《Once a Hero》是像《红领巾侠》一样充满张力的镜头的话，则传达不出影片晦涩的调性了。
这里推荐一本书，《以眼说话》是南加州大学的那个老师布鲁斯·布洛克写的，里面很系统的讲了视听是怎么在心理层面影响观众的，以及如何让观众得到你想传达的东西。
另外，有时候作者的倾诉欲太强，可能导致只想着去倾诉而没有从观众的角度去思考问题。所以有的时候你倾诉欲太强，把每个感情都表述出来不一定是好事，因为对于观众体验来讲并不好。
我的思考方式：将一件想倾诉的事情，把希望观众看完影片之后真正能得到的、Get到的感觉做到最大化。
如果你抓住这个内容最核心的一点，希望观众最后能得到你想传达的这个东西的话，那可能在影片的开头、中点，或者说在某些环节你需要隐忍一些，需要去克制。因为有了克制，最后才能有冲突。设计影片的情绪线的时候，有低点有高点，低点足够低高点才能高的起来。如果搞清楚这个前因后果的话，可能情感表达易过直白这个问题就可以解决掉。
导演心中的英雄主义情节
《红领巾侠》和《Once a Hero》中的“侠”，其实意义上并不是太趋同。《红领巾侠》包着一个侠的外衣，其实是在说一个仇恨的故事。《Once a Hero》是我真正的想讲述心里面的英雄主义情节。但是这个英雄主义情结，可能跟社会压力又发生了冲突，基于这两者的冲突发生了一系列的故事。
我个人理解侠或者英雄这个概念是一种理性社会的调和剂，当人们过度理性的时候社会压力、路西法效应，等类似事情是一定会发生的，这时候可能有些不理智的人会做一些他们认为“正确”的事情——然后才能让我们看到更多的希望。
在《路西法效应》那本书里，作者在最后也提到了英雄主义是解决路西法效应最好的一个方法。理想主义的说，如果每个人都有一些英雄主义的话，那这个世界应该会更好了。
心理学的学习给创作带来了很大帮助。虽然没有系统的学习过心理学，不过在学习的过程中能更多的了解人的状态。对人的状态了解的越多，创作的时候考虑就越缜密。
Flow: The Psychology of Optimal Experience
Mihaly Csikszentmihalyi
心理学方面对我帮助比较大的是《FLOW/心流》。
在创作中，意识到社会学和心理学层面后，大部分的不足就是发现自己flow（心流）做的不好，没有在适当的时间给出适当的信息。在有理论武装前都是凭感觉在做。理论能起到查缺补漏的作用。理论的知识这么多，剩下的就是多画。
李夏推荐学习资料：
《以眼说话》作者：布鲁斯·布洛克
《透视学习手册》作者：马修·布莱姆
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