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干货分享丨如何提高物体颜色的丰富性
色构首先解决的是色彩作为画面元素的和谐性问题。色构也可以独立于色光之外形成单独的体系来进行画面信息传递、形成丰富的画面颜色结果。这里比较有代表性的比如日式插画的一些作品。
通过上述两幅作品我们看到，此类作品的基本色彩布局都是通过固有色的区别来实现的：它会首先统一在一个主要色调下，然后在此基础上做一个或者多个辅助颜色的配合。
这里要注意的一些因素是色彩本身的搭配规律，以及同一个色调下粉、纯、灰的变化，还有颜色在明度上黑白的变化，诸多因素搭配到一起需要形成和谐稳定的状态，从而构成节奏、形成韵律。
关于色彩搭配方面的知识，包豪斯有非常成熟的色彩构成规律体系。
这些关于色彩的基础知识结合审美心理学、透视、解剖等相应逻辑规律，会极大的丰富创作者在实际应用时的手段，和绘画创作与设计工作密切相关。
需要注意的一点是，色彩搭配、色彩构成并不是简单的一个色彩应用表格的问题，现象的背后是规律，掌握规律的目的是使知识成为工具来辅助创作。
而色光体系则主要关系到我们描绘真实存在于环境中物体的情况。一般说来，我们需要首先考虑如下几个光源因素的影响：1.主光源2.环境光3.背景光4.反射光5.其他（折射、反射、漫反射等）
当你希望画好一个物体，尤其是要解决所谓“色彩丰富性”（色光体系内）的时候，你首先要能够了解、想到、并看到这些相互影响的光线的作用，那么色彩必然是丰富的。
很多人在绘画的时候只考虑到了亮部和暗部的概念，却没有光从四面八方来、相互映射的概念。
大自然是一个更加伟大的灯光师，自然环境中的光线影响、光能传递等因素更加复杂。
物体在5700K（或5600K，物理学上的概念，大概接近正午时候阳光的颜色）色温下是受冷暖两个属性的光来影响的。在这个情况下的光包含了阳光（暖），以及阳光经过大气折射后形成的天光（冷）。冷暖两种色彩倾向的作用使得物体的色彩趋于平衡。
上述几种光源是会同时在物体上发生作用的，而且物体的各种材质变化也会引起各种更加复杂的反射与折射……那么最终你要解决的问题不是色彩如何丰富，反而是如何让它简洁。
关于5700K色温下（正常光线）下的表现物体的冷暖倾向，一般认为物体受光部分偏冷，而背光部分偏暖（相信这一点上会和很多人的认识发生偏差~）。受光偏冷主要是因为前面提到过天光偏冷，而天光则大面积影响物体的受光表面；背光则受天光影响较少，因对比的关系会偏暖。
有人说太阳光是暖的啊，为什么受光偏冷呢？没错，太阳光是偏暖的，但是它仅影响局部高光（甚至高光也是冷暖两色的）。
当然色彩的冷暖分布并不是固定区域的，而是相互对比来呈现的，且在同个景别下的不同区域之间是有调子上的推移的，比如背景的冷暖推移，画面主体的冷暖推移等等。另外色彩本身的冷暖推移还要配合色彩的粉纯灰、黑白的推移——这就又多了一个复杂的维度。
而在考虑色彩的推移时，我们推荐使用明度、纯度与色相的取色方式：
左下的轴向代表明度变化，向上代表明度提高，向下代表明度降低。右下的轴向代表色相变化，向上趋冷，向下趋暖。）
这种方式下我们如何操作呢？
按照这种方法，取色会变得非常简单，也能够和逻辑相符合。 有了方法以后，我们再来看一些具体的例子。首先我们来看一下伦勃朗的作品：
尼德兰地区地势地平，毗邻北海，有数量众多的船只停泊在这里，每天来来往往。海风把潮湿的空气吹进内陆，让伦勃朗的画仿佛也带着温润。画种的光线像是天光从大船的舷窗或者画室的天窗穿透进来，也更像是在弱光条件下用蜡烛来补光，导致人充满了金黄的饱满、灿烂的色调。
这个时候的油画颜料品类并不丰富，伦勃朗的很多颜料甚至都是自制的，但大师仅仅用土黄、土红、黑色和白色，就已经能够把肤色表现的惟妙惟肖了。他在有限的条件内尽可能的把这样一个金黄的暖色调表现的非常好。“像深色湖泊中的锦鲤鱼”，光的推移做了戏剧性的加强，犹如舞台的追光灯一样，让观者的目光可以凝聚在画内人物的神情上。
而另一位用光大师卡拉瓦乔，则大量使用测光和平行光，人物的投影更加多和凝重。这两位光影大师一个顶光较多，一个侧光较多，原理上来说都是偏向于室内的，光的相互映射和复杂程度，都是在保证了素描逻辑的基础上做到冷暖均衡的，因为和室外存在差别，所以他们的色彩是室内光的色彩系统。
受环境光影响的区域，视光源的色彩倾向不同，可能偏冷也可能偏暖。明暗交界线既不受环境光影响也不受主光源影响，所以相对于暗部和亮部，是灰色的，受干扰较少。
而最暗的暗部则一定是热的，它比固有色更加饱和，黑色更多。但为了让暗部通透漂亮，暗部一定要有色彩倾向：要黑，但是绿的黑，还是紫的黑，都必须是要有色彩在的。失去了这些色彩倾向，就是我们常说的“脏”和“枯”。有了倾向，就会显得沉着和透气。
在色彩系统中，亮部本身就包含冷暖推移，暗部同样如此。如果一只苹果固有色为1，我们可以推论出至少20种以上的颜色。而实际上苹果的固有色不可能只有1种，所以这个色彩的推论结果一定远远不止20种。
在表现上不管使用什么方法，比如堆砌和塑造，原理上都是色彩的推移。如果没有这个理论，计算机也无法做逼真的渲染了。这说明色彩的逻辑是可以推导的。但是色彩情感无法推导，因为这是个性的，是每个人的主观选择，而这是另外一件事了。
伦勃朗的光影非常纯粹。在室内光线下，环境光、辅助光、主光的运用都很直接。我们看印刷品会觉得暗部是漆黑一团，但是原作并不是这样，都是有颜色倾向和微妙的色彩推移的。
伦勃朗在有限的室内弱光条件下做到了极致，阿尔玛塔德玛则大量利用了天光，在室外做了很重要的固有色构成。他是在用色彩构成画画。他的画非常严谨，在没有照相机的时代几乎做到了极致。但我们从人性的角度来看，他的作品绘画性、自然的蓬松感仍旧是很强的。
阿尔玛塔德玛更厉害的地方还在于：其作品的色调是相互嵌套的复杂色调。我们看其他人的画都可能有一个较为明确的整体倾向：或者为红色、或者为绿色、或者是蓝色等等，而他的作品更像是一个灰色调。可是他这个“灰色”调子里是有红黄蓝绿紫诸般颜色的，在作品有主调倾向的前提下更加丰富。
丰富的色调本身还夹杂着粉、纯、灰的不同变化。比如红色、咖啡色，多色调的重构与嵌套，非常复杂。伦勃朗采用色光来统一作品基调，而他是用自然光中丰富的色调信息的重构来统一，毫无疑问信息量更为巨大。
不同于其他作品大红大绿的直白与绚烂，阿尔玛塔德玛的色彩运用更加优雅与克制。这是在丰富的基础上又有了更高的素养。
最后提一下印象派。印象派的色彩表现方式，刚好介乎色构与色光之间，早期从色光为主开始，到后期如纳比派色构占据更加主导的地位。
而无论是早期还是晚期，印象派的色彩逻辑都是来自于对学院派色彩推移规律的不同解读，尤其是在表现阶段的独辟蹊径。我们如果作为学习者，还是应该透过表现方式的表象去学习逻辑，尽量避免把问题复杂化。
艺术家所处的时代不同。特定的时间、空间和文化语境造成作品本身技术和信息量的区别，并无高下之分，而我们在创作的时候，需要注意的是色彩要根据整体画面要求来做安排。在它需要发挥作用的时候，要能考虑到我设计光影的典型性和戏剧性。
在这些例子中，所谓“真实”与“丰富”都是通过复杂打光形成的，其实是不真实的，但是它好看。绘画与设计中也一样，很多时候看上去“好看”的色彩感受，是通过色构或色光的主观安排来实现的，此时的结果其实并不真实。当然，这种安排肯定要从剧情出发、从创作目的出发。
所以色彩的运用不存在“正确”，只存在“合理”，所谓丰富即是在合理运用方法与逻辑的基础上的结果。合理是满足需求的合理，是符合审美的合理。影视作品是这样要求的，作为绘画作品或设计作品同样如此。
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