罐新聞｜閉館中的紐約MoMA 未來館體現「文化大熔爐」擁抱多元價值

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呂家鎔 Kayo／紐約報導

攝影／Kayo

自世界衛生組織（WHO）於3月11日宣布，傳播途徑依然不明的新冠肺炎，如今已是「全球大流行」，美國各地美術館、博物館及畫廊也紛紛捎來閉館訊息，其中位於紐約黃金地段曼哈頓的美國現代藝術博物館（Museum of Modern Art，後簡稱MoMA）、MoMA PS1，及MoMA設計商店，也在閉館行列中，並會視情況隨時更新異動。

雖然目前MoMA處於閉館狀態，《亞洲藝術新聞》仍詳盡的介紹了該館於閉館前的新面貌。

以全新面貌登場的MoMA

MoMA長年致力於典藏現代藝術作品．館藏超過20萬件作品、2萬多部美國電影與影片收藏，無庸置疑地是國際間最具指標地位的博物館。創立迄今逾90年，經歷了多次的遷移與整修，在歷時五年、斥資4.5億美元的擴建和翻修計劃，終於在2019年十月以全新面貌登場。

翻新後的MoMA擴展了逾三分之一建築面積，增加了大約4萬平方英尺用於陳列永久館藏，從原有的建築向西拓展，與法國建築大師尚．努維爾（Jean Nouvel）所操刀的玻璃帷幕摩天大樓（West 53）的低樓層合為一體，儘管為了實現MoMA新藍圖，曾因拆除擴建項目上既有的美國民間藝術博物館（American Folk Art Museum）而飽受爭議；「館方希望將街頭活力帶進博物館，讓內部充滿生氣。

內部開放式的設計，讓訪客不會有在密閉空間的壓迫感

新建築運用巧思讓53街成為視野一部分，實現MoMA早年與城市融為一體的概念。這擴建計畫允許我們呈現更多館藏品，並擁有足夠的靈活度去展示當代作品和表演藝術」博物館董事會主席克拉維斯（Marie-Josee Kravis）如此表示。

新的建築設計在空間上還有一項很特別的地方，運用巧思讓雕塑公園和都市街景成為視野的一部分，不僅讓觀眾不會產生好像一直在一個密閉空間的壓迫感，同時實現MoMA早年與城市融為一體的理念。

MoMA這歷年來最大變化，不僅止於硬體空間上的翻新，策展團隊也突破首任館長阿弗瑞·漢密爾頓·巴爾二世（Alfred Barr Jr.）立下以立體派（Cubism）作為現代主義發展開端的線性論述空間，絞盡腦汁進行「混搭」，打破繪畫、雕刻、影像等藝術形式的界線，為經典作品的陳設空間注入新血，更從以往典型「白盒子」（white cube）式的展示方式解放，牆面用色不僅隨展廳內容而變得活潑。

阿弗瑞·漢密爾頓·巴爾二世，特設同名常年館藏廳

註解：白盒子（white cube）描述典型現代主義式展示空間的說法，後用來指涉現代主義式美術館的展覽場域。展示邏輯包括將藝術作品與現實隔離，作品在抽離現實脈絡的情況下被賦予永恆的、純粹性的意義；觀者在白盒子式的展覽空間中面對物件時，往往被要求安靜、專注與抽離現實，此種展示意義，有時和當權者想要全然鞏固權力有關，故此類展示暗示著這些是有價值的作品並不能輕易獲得的。

過去總獨立展示的鎮館之寶—文森·梵谷（Vincent van Gogh, 1853 – 1890）的名畫〈星夜 The Starry Night, 1889〉，如今則懸掛在同為印象派畫家亨利·盧梭（Henri Rousseau, 1844 –1910）的〈沉睡的吉普賽人 The Sleeping Gypsy, 1897〉旁；在同藝廊展廳中央則擺放著陶瓷器皿，消弭了繪畫、雕刻、影像等藝術形式的界線。

圖左為文森·梵谷（Vincent van Gogh）的〈星夜 The Starry Night〉、右為亨利·盧梭（Henri Rousseau）的〈沉睡的吉普賽人 The Sleeping Gypsy〉。

MoMA求新求變，但變化中也有不變，展廳依作品年代劃分就是其中之一。5樓展廳為1880至1940年代，4樓為1940至1970年代，2樓則是1970年代至當代作品。在這主脈絡中，為了讓逾20萬件豐富的館藏作品能輪番露面，全館除了特定常設作品外，其餘作品也將固定在每六到九個月更換陳設位置，策展人讓影像等多種藝術形式穿插其中，營造驚喜，讓每回走進博物館的參觀者，都能探索不同藝術風格所碰撞出的新火花。

座落於5樓，以畢卡索經典名作為靈感的「環繞在亞維農少女畫廊 Around Les Demoiselles d'Avignon」，環繞在眾多畢卡索立體派時期的畫作中，可一眼看到突兀的當代作品，出自於美國非裔藝術家女性藝術家費思‧ 林格爾德（Faith Ringgold, b.1930）之手的〈美國人系列20#死亡 American People Series #20: Die, 1960〉。眼尖的觀眾必然能察覺，這件高度政治化的作品，其背景構圖與畢卡索描繪西班牙內戰的〈格爾尼卡〉（Guernica, 1937）極為相似；事實上，此作正是為當代藝術家林格爾德向大師致敬的精彩代表作，透過策展人的巧思，觀眾能一賞跨世代藝術家之間的絕妙對話。

獻給畢加索的〈亞維農的少女〉展廳，最右作品為美國非裔藝術家⼥女性藝術家費思‧林格爾德（Faith Ringgold, b.1930）的〈美國人系列20#死亡 American People Series #20: Die〉。

MoMA鎮館之寶畢卡索（Pablo Picasso, 1881 - 1973）的〈亞維農的少女 Les Demoiselles d'Avignon, 1907〉

多年來為人詬病多元性不足的MoMA，被批評只收藏及展示歐洲白人男性藝術家的作品，在此更可明顯察覺我們所熟悉的現代主義藝術史觀—由歐洲男性天才主導的單線敘事—被徹底改變，MoMA 2.0 變得更有包容性，舉凡是長期被邊緣化的女性、亞裔、拉丁裔、非洲裔或拉美裔移民等少數族群的作品能見度大幅提高。

例如，在位於5樓展廳展示重點放在盛行於二戰後至50年代的「超現實物件」（Surrealist Object） — 雖然歸根究底超現實主義是以男性主導的藝術浪潮 — 可看到並置於超現實主義大師的達利Salvador Dalí（1904 – 1989）和瑪格麗特（Rene Magritte, 1898 – 1967）旁的作品有：德裔梅瑞・歐本菡（Méret Oppenheim 1913 – 1985）、來自墨西哥的佛烈達·卡羅（Frida Kahlo, 1907 – 1954）、英裔墨西哥籍的李歐諾拉·卡靈頓（Leonora Carrington, 1917 – 2011）、前衛的猶太女同性戀藝術家克勞德‧卡滬（Claude Cahun, 1894 – 1954）、多蘿西婭‧坦寧（Dorothea Tanning, 1910 – 2012）、伊莉·莎白佩頓（Elizabeth K. Hawley, 1870–1929）和露易絲·布爾喬亞（Louise Bourgeois, 1911 – 2010），除了上述女性藝術家的作品，同時有過去曾被邊緣化的日本藝術家Osamu Shiihara （1905 – 1974）。

據傳，這堪稱為「最典型的超現實主義物件」的誕生，是源自於畢加索的隨口評論，而此作〈物件 Object〉，讓梅瑞歐本菡在國際間一夕成名。

眼前為以大蜘蛛雕塑聞名於世的法裔美國藝術家路易絲·布爾喬亞（Louise Bourgeois 1911-2010）早期作品 Quarantania, I （1947-53）此時期的她深受原始藝術啟發，與此呼應深受原始主義風格影響的畢加索名作〈亞維農的少女 Les Demoiselles d'Avignon 1907〉。

圖左起佛烈達·卡羅Frida Kahlo的〈自畫像 Self-Portrait with Cropped Hair 1940〉、伊莉·莎白佩頓Elizabeth K.Hawley的〈Hanging Sphere, 1875〉、胡安·米羅 Joan Miró的〈世界的誕生 The Birth of the World, 1925〉。

體現了博物館近年來，企圖將現代藝術史觀轉以朝向公正、多元、趨近現實，且更為複雜的觀念上靠攏，而堪稱為「文化大熔爐」的紐約，其勇於擁抱豐富多元價值的特性在此更是一覽無遺。

後記：

在面對耗盡一天開館時間都逛不完的「大師作品」，與接連而來的感官愉悅之餘，也許能分心想起：是什麼讓紐約現代美術館成為眼前的明星美術館，擁有可以不斷吸收、擴張現當代藝術作品的能力？

耗資4.5億美元的翻修計劃，選擇在六月旅遊旺季的開始，閉館四個多月，可預想損失大筆的收入；再論，MoMA重新開館前，以藝術史家克萊兒·畢莎普（Claire Bishop）、哈爾·弗斯特（Hal Foster）為首，和行為藝術家安德烈·弗雷澤（Andrea Fraser）等逾220藝術從業者，共同起草一封給現代美術館的公開信，要求其董事會成員拉瑞．芬克（Larry Fink）放棄他對美國管教機構、跨國軍火等投資，實際上，MoMA以其豐富的館藏與贊助者的餽贈作為後盾度過此非常時期。

得助贊助單位分別有：開館以來最大支持的洛克菲勒家族（Rockefeller Family）針對此翻新計畫加碼投注兩億美元、娛樂界大亨大衛高芬（David Geffen）的一億美元、芝加哥收藏家Ken Griffin的四千萬美元和華爾街以「對沖基金之王」著名的億萬富翁Cohen夫婦（Steve and his wife Alexandra Cohen）捐贈的五千萬美元。