LONG玩艺儿 | 她活到98岁，即将在中国举办最大的回顾展
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她活到98岁，即将在中国举办最大的回顾展
2018年11月3日至2019年2月24日，龙美术馆（西岸馆）将推出路易丝·布尔乔亚在中国的首个大型回顾展“永恒的丝线”。
布尔乔亚被认为是20世纪和21世纪最重要的艺术家之一，她的作品以融合了深层心理暗示和高度形态创造而享有盛名。此次展览由菲利普·拉瑞特-史密斯策划，展示了艺术家职业生涯中最为重要的系列作品，包括20世纪40年代末期的“人物”系列雕塑、90年代的“细胞”系列装置艺术，还有她生命最后十年的以纺织物为创作核心的作品，以及最为宏伟的、纪念碑式的巨型雕塑——蜘蛛“母亲”系列。
路易丝·布尔乔亚，《歇斯底里之弧》，1993，铜，抛光铜锈，悬吊设备，83.8×101.6×58.4厘米，伊斯顿基金会收藏，图片版权 © 伊斯顿基金会，VAGA授权，摄影: Christopher Burke
路易丝·布尔乔亚1911年出生于法国，1938年移居美国， 但直到她80岁以后才真正在世界范围内成名并迎来艺术创作的黄金时期，创作持续到98岁，她生命的最后一周。
一位艺术家拥有如此长久的创作生命，并且能持续奉献出如此激动人心的作品，不能不令人心生敬畏。
路易丝·布尔乔亚，《情侣》，2007-2009，抛光，铝铸造，悬吊设备，701×335.3×289.6厘米，路易斯·布尔乔亚信托收藏，图片版权 © 伊斯顿基金会，VAGA授权，摄影: Christopher Burke
人物系列
“人物”系列被认为是布尔乔亚第一批成熟的雕塑作品。她于20世纪40年代中期开始创作垂直细长的雕塑。它们没有基座，被密集地摆放在一起，观众游走于其中，就像是在参加一个社交派对。
这些人物雕塑的原型大多来自于布尔乔亚的朋友和亲戚，特别是她嫁给美国艺术史学者罗伯特·戈德华特、并于1938年随夫搬至纽约后，那些留在巴黎的朋友和亲人们。哀伤与思乡成为布尔乔亚艺术生涯早期的显著特点。
路易丝·布尔乔亚，《带包的女人》，1949，铜，着白色与黑色，不锈钢，165.1×45.7×30.5厘米，伊斯顿基金会收藏，图片版权 © 伊斯顿基金会，VAGA授权，摄影: Christopher Burke
这些人物雕塑头重脚轻，整个身体逐渐变细，到底部演变成一个点，其不稳定的形式表现出脆弱性和易损性，而其坚硬的材质则传达了力量和耐久性。布尔乔亚经常随身携带木雕作品，有时会从一个房间带到另一个房间；由于这些雕塑不能独自站立，它们只能依靠布尔乔亚来维持稳定。艺术家称这种单点的“固定基座”为“一个永远可能发生的变化”，因此也就产生了多种形式上展示的可能性。
在布尔乔亚始于20世纪50年代早期的精神分析过程中，她开始意识到某些人物雕塑中的匕首、刀、棍棒等形式的运用象征着她对他人的攻击性和敌意，尤其是对他专横的父亲。这一系列的作品表达了人与人之间相互冲突的情感状态：
我的这些人物看起来是抽象的，在观者看来，他们可能根本就不是人物。它们其实是情感和意识状态的抽象表达。18世纪的画家们创作“交谈图”作品，而我的雕塑可以被称为“对抗图”。
”细胞系列
布尔乔亚自1991年起开始创作一系列大型建筑装置。这些被称为“细胞”的结构，既指单独的禁闭空间，也指人体的生物细胞。每个细胞都由记忆与五种感官联系在一起，包含着由布尔乔亚自己所制作的元素，以及那些具有重要情感意义的私人物品。
路易丝·布尔乔亚，《细胞（黑暗的日子）》，2006，钢，布料，大理石，玻璃，橡胶，线，木，304.8×397.5×299.7厘米，伊斯顿基金会收藏，图片版权 © 伊斯顿基金会，VAGA授权，摄影: Christopher Burke
龙美术馆（西岸馆）本次展览将展出《细胞（黑暗的日子）》，在这间细胞密室中，布尔乔亚将她生命不同时期的旧衣物摆放在一起，带有浓浓的传记色彩。作品的副标题“黑暗的日子”指涉一系列情绪状态和心理机制：哀悼、忧郁、自责、威胁和后悔。布尔乔亚曾提及粉色日子和蓝色日子。前者是充满可能性和乐观主义的日子，而后者却萦绕着沮丧和退缩的气氛。
《细胞X（肖像）》、《细胞XX（肖像）》也将同时展出。这些织物头部并非具体人物的肖像，而是从与他人的接触中产生的特有心理状态的肖像。《细胞x（肖像）》这件作品中的红色头部伸出舌头，既有渴望又有厌恶的意味。这一姿态代表了对亲密的渴望，同时又表达出对拒绝的恐惧。红色对布尔乔亚来说“象征着情感的强烈程度”，同时也唤起鲜血和暴力。
路易丝·布尔乔亚，《细胞 XX (肖像)》，2000，钢，布料，木，玻璃，188×124.5×124.5厘米，路易斯·布尔乔亚信托收藏，图片版权 © 伊斯顿基金会，VAGA授权，摄影: Christopher Burke
相比之下，《细胞xx（肖像）》中两个面对面的白色头部，象征着对信任、沟通和理解的渴望。它们各自独立，却又相互陪伴。白色对布尔乔亚来说是平静与纯洁的象征，也代表着“复兴、重新开始、十足新鲜”。这些作品所传达的情绪源于一个人与另一个人的交流和相遇。就像布尔乔亚所说那样：
我不是在寻找身份。我拥有太多身份。我无法与人相处，这就是我。这就是动力所在。
”织物系列
20世纪90年代初，布尔乔亚拿出她过往人生中所保留的纺织物品，开始运用在她的雕塑和装置作品中。每一件衣服都与时间、地点和某一特定记忆有关，为它原有的物理属性增添了另一层意义。每一个悬挂式的人物形象都展现了布尔乔亚不同心理面貌的自画像。
本次在龙美术馆（西岸馆）举办的“永恒的丝线”，这一主题参考了布尔乔亚人生中最后15年来在布料以及缝纫方面的成就。
路易丝·布尔乔亚，《情侣》，2001，布料，悬吊设备，48.3×15.2×16.5厘米，伊斯顿基金会收藏，图片版权 © 伊斯顿基金会，VAGA授权，摄影: Christopher Burke
她的织物雕塑也赋予了这些传记体般的作品，与观者产生情感共鸣的特性。布尔乔亚出身于一个古董挂毯修复家庭。她创作的是一些布料缝制的娃娃，它们通体透红，既暗示着死亡也意味着生命。路易丝把小一点的布偶缝在大一点的布偶身上，那隐喻着孩子与母亲的关系，介于连接与分离之间的微妙状态。
路易丝也把自己的每一个家庭成员都做成了布娃娃，他们相互拥抱在一起，没有性别，互相亲吻，生命短暂的温暖在此停格。
蜘蛛
一般人对布尔乔亚印象最深的记忆，莫过于她那大型蜘蛛。2016年龙美术馆（西岸馆）举办“她们：国际女性艺术特展”，首次展出了布尔乔亚的蜘蛛，随即引发观展热潮。
本次展览将展出布尔乔亚的三只蜘蛛作品，其中包括布尔乔亚最大也是最著名的雕塑作品——《妈妈》，最初是作为开幕装置作品之一于2000年在伦敦泰特现代美术馆涡轮大厅展出。它是一首艺术家献给母亲的纪念颂歌：
路易丝·布尔乔亚，《母亲》，1999，钢，大理石，927.1×891.5×1023.6厘米，泰特美术馆收藏，艺术家2008年提供，图片版权 © 伊斯顿基金会，VAGA授权，摄影: Marcus Leith
“
我的家庭经营着挂毯修复生意，母亲管理着作坊日常运营。她非常聪明，就像蜘蛛一样。
但是母亲身体欠佳。我还是小女孩的时候，就需要时常照顾她。因此，我觉得母亲既强大又脆弱，这便是我在《妈妈》这件作品中所想要营造的感觉。
”
布尔乔亚经常说，蜘蛛聪明、耐心、灵巧、有用，就像她的母亲一样。因此，作品《妈妈》中蜘蛛的身体内部有一个装满大理石蛋的蛋囊。同时，蜘蛛也是最优秀的织工，用自己的身体织网，就像布尔乔亚自己一样。她曾说：“我的身体就是我的雕塑。”观众被邀请游走在这个庞然大物之下，它那拱起的保护性外壳，让人想起家或者子宫。
路易丝·布尔乔亚，《蜘蛛》，1997，钢，锦缎，木，玻璃，布料，橡胶，银，金，骨头，449.6×665.5×518.2厘米，伊斯顿基金会收藏，图片版权 © 伊斯顿基金会，VAGA授权，摄影: Maximilian Geuter
龙美术馆（西岸馆）“永恒的丝线”，也代指维系母子关系的脐带。蜘蛛从自己的身体中织网，建造出一座极具生命力的建筑，正如布尔乔亚从自己的身体中来创造雕塑。
于布尔乔亚，通过穿针、引线和缝合这些具有象征性的举动，为她消解了伴随其一生的对于分离和遗弃的恐惧，也让她重拾了对于和解与修复的愿望。作为雕刻家、画家、雕塑家以及装置艺术家，布尔乔亚终其一生都在不同领域尝试，但同时她的作品始终生根于持续性的情感主题中。
事实上，永恒的丝线可以被解读为一个无意识的、无时间性的永恒国度，而也是在那里形成了各种的、有时甚至是矛盾的，但是属于她的艺术形态。
1975年路易丝·布尔乔亚身着她的乳胶制雕塑《阿温扎》(1968-1969) ，后成为装置作品《冲突》(1978) 的部分。图片版权 © 伊斯顿基金会，VAGA授权，摄影：Mark Setteducati
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