「乐队的夏天」中“专业歌迷”和“超级乐迷”到底在争论什么？

《乐队的夏天》播出到今天已经第7期，有人说这个节目“出圈”了，的确，它做得很不错。面对不同的人群，它在各个角度上都具有一定价值。

对于新一代的，尤其是零零后的听众来说，它可以拓宽视野，在人生的早期，建立起音乐上有别于上一辈人的“新印象”，等到他们全部长大，这种印象会在一定程度上影响中国音乐的未来，而对于音乐人群体来说，它是一个亮相的机会。

最为重要的是，我们经常可以看到“专业乐迷”和“超级乐迷”之间的争论。

有人反对前者，有人反对后者，争来争去，没有一个标准答案，有的人可能会想，这个标准答案到底是什么。恰好，这个问题是这个节目的另一大价值。

讨论一个问题，“语境”很重要，如果双方语境不同，那么这个问题的讨论结果多少会剑走偏锋，例如，数学家在讨论数学问题的时候，他们所使用的，首先是“数学的语言”，好比方程式，而没有深入学习过数学的人，是无法进行这样的讨论的，因为数学是“纯粹的理性”。但音乐不-样，它通常会让人进入到“感性层面”。

简单来说，音乐中的“感性”是因为人的“联觉" ，当人的“联觉"被激活，就会产生各式各样的情感。

好比对于许多90后的人来说，当他们听到周杰伦，中学时代的场景便历历在目，记忆中关于那个部分的所有细节都涌现出来。

高晓松说，音乐是最有粘粘性的，这句话没错。但人和人的联觉是不一样的，我们每个人听到同一段音乐，都会有不同的感觉，有的人会想起某些场景，有的人会想起某些人物，有的人甚至能看到颜色。

的确，“联觉” 的存在，是人类对于音乐的情感反应，但很可惜，在这个层面上面讨论音乐，并不能得出一个有用的结论，因为讨论来讨论去，它背后所暗示的实质，无非就是每个人曾经经历了什么，无非是表达个人情感，情感有千万种，这就导致我们在谈论音乐的时候，实际上在谈论不同的情感而已。

这种情感除了音乐之外，还能被许多事件所激发，好比某种食物，或是一段文字。

可是当人的联觉和情感对应起来的时候，它实际上会局限住我们对于不同音乐的接受度，换句话说，“联觉” 是一种习惯，相对于新的事物，我们更容易在熟悉的事物里感到“安全”。

这种对于熟悉事物的接受度，同样体现在为什么许多人更能接受“流行歌”，因为这些歌，似曾相识，它能满足人们对于音乐中接下来会发生什么的“预期”。

当然了，因为音乐而激发出的个人情感，并非不重要，它当然很重要，但它重要的同时，也会让人很难接受新的东西。但恰巧，艺术的价值之一，便是创新。我们如今听到的让我们“习惯”的音乐，在历史的某个节点中，也是因为创新。

有句话叫“理解创作者”的意图，人们通常会从感情上去理解他，但音乐，是有“理性”的。只有理解了这一层“理性”的概念，我们才能明白，同样一种感情有诸 多表达形式，可是他为什么选了这一种?

很多人欣赏一首歌，停留在“是否悦耳”，看到一幅画，停留在“是否好看”的层面上，这没有错，但这些都只是习惯，是人的“浅层感官”。

只有先突破这一层，我们才能够更深入地理解它的原理，只有先理解了它的原理，我们才能“光明正大”的说自己“理解音乐”，在这之外的，更多只是“个人情感因素”。这两者都没有问题，但更多的人，被个人情感所局限了。

音乐本身自带“理性”和“感性”的双重功能，会很容易混淆我们谈论音乐的语境。

打个比方，一个音乐人写了一段音乐，他拿给别人去听，然后别人说:

“我觉得你这个听起来好奇怪啊，我不是很喜欢这个，我也不明白你要干什么”。

更堪忧的是，这个听众可能会因为这种感觉而在心里悄悄地嘀咕:

“这就是音乐人吗?这就是他们做出来的音乐吗?这是什么玩意儿?”

接着，音乐人跟他解释:

“你看啊 ，我这个地方用了一个Upper Structures Voicing,然后在上面弹了一个减七和弦连续小三度上行，你明白我的意思了吗?”

听众:

“???????”

*“这里说的Upper Structures Voicing是爵士乐当中构建Alt和弦的一种方式， 它的定义就是在三全音上面加三和弦，例如C7和弦，构成音是C、E、G、Bb, 我们拿出它的三全音,也就是三音E和降七音Bb，然后在上面加一个和弦根音.上方大六度的大三和弦，也就是A和弦，构成音AC# E，其中的A和C#分别是C7和弦的十三音和降九音，所以这就构成了一个属十三降九和弦，也有人直接写成C7b9。Upper Structures可以简写成“US”，例如上面这个例子中，构成US的三和弦是VI,所以这个和弦可以直用“US VI"”来表示。UpperStructures Voicing一共有九种，这是其中一种。剩下的八种，每一个都可以构成一个Alt和弦，它们囊括属七和弦上所有的变化音。”

 “连续的减和弦小三度上行，例如我们在Galt和弦上弹一 个B减七和弦，构成音是B、D、F、Ab，这实际上是一个省略了根音G的属七降九和弦。而减七和弦在连续小三度的变化中，和弦音是不会变的，这本身是减七和弦的对称结构。所以无论怎么弹，它们都是属七降九和弦的构成音。而且这些音同样来自于减音阶，在alt和弦，上用减音阶是很常用的做法。”

音乐人和听众之间的鸿沟就这么产生了，“语境” 的不同，在这里得到很好的体现。

4分33秒

再比方说，有些音乐人，他们会摒弃掉传统的写作方式，用各种各样的方式去实验，去寻找新的声音，尝试各式各样的新方法，甚至于《4分33秒》的作者，John Cage根据《易经》当中的卦象，来随机产生音符等等。(当然， 他这是一种尝试，并且极有可能误解了《易经》的概念。)

或者坂本龙一，他用提琴摩擦镲片的边缘，制造出新的音效。而无论他们用什么样的方法，他们实际上都是在做一系列的“音乐试验”，这些试验结果，可能不错，也可能会被丟弃，重要的是，这个探索的过程，是“求新”， 是为了给将来的音乐寻找不同的表达方式。

这个过程，体现的是“ 艺术的价值”，是突破。而一般人听到这样的音乐时，他们会觉得“没有共鸣”，“不好听” ，“不悦耳” 。

首先，艺术家们的实验行为，并不是为了让人产生“共鸣”，其次，“悦耳” 这个概念，是一种习惯。

印度人听到印度音乐，觉得那是“对”的，我们听到印度音乐，觉得那是“滑稽”的。印度人习惯那种音乐，我们不习惯，我们可能更可能习惯中国传统的五声音阶，许多能火起来的“民谣”，大多用的是五声音阶。

这个习惯，是一种社会的文化现象，它体现的是一个社会对于艺术的平均认知水准，但它不是音乐的本质，不是艺术的本质。

艺术可以包含当今文化，但它也一定超前于当今文化。艺术的概念比大众的平均认知水准要深远得多。

音乐的功能有很多种，有的音乐是先锋音乐，有的音乐，它的目的就是为了让人觉得“悦耳”，有的音乐是为了衬托别的艺术形式，例如电影配乐，甚至有的音乐可以没有任何意义，它可能只是作曲家为了“好玩” 而已。

我们可以随便选几个和弦，随机连接，做好一个Voice Leading,一样可以。而在这些音乐的背后，有的具有功能性，有的是非功能性。

这些不同的音乐，可能脱胎于历史长河中艺术家对于过往艺术形式的重新表达，例如新乐府对民间戏曲和电子以及爵士乐所作的融合，有的音乐，可能只是纯粹的艺术实验，若不能理解这些逻辑，也就难以进入真正谈论音乐，谈论艺术的“语境”。

 “审美”这个词，实际上是人类意识形态的呈现方式之一，意识形态的改变，会让审美也产生变化。

当人的知识以及意识真正进入到一个更深的层面时，我们在听到一首不符合我们习惯的音乐时，我们不会再简单用“太吵了”，“很奇怪”，“我不喜欢’这样苍白的语言去描述它，

我们可能会有一个更中肯的评价:“我个人不喜欢，但是我完全理解他为什么这么做。”

音乐、艺术对于我们来说，是一片很深很广阔的海洋，很多时候，我们只是在海滩上徘徊而已。要想理解海洋，我们必须去探索，我们必须去探索和学习海洋。这个道理,不仅可以针对听众，同样可以针对音乐人自己。

做音乐，我们要知道我们到底在做什么，我们不能像某些“MP3音乐家”一样，在音乐的本质周围旋转，总用一些模糊的、泛性的语言去解释它，我们要把这个问题微观化，要能够做到精确表达。

大部分的听众，太固执于自己情感上的主观性体验，似乎所有的音乐，一定要落到“个人共鸣”的层面上。

首先，“个人共鸣” 并没有什么问题，但它不是全部，它只是很小的-部分,在这个“个人共鸣”之外，音乐所能承载的，还有很多，若不能理解这一点，“个人共鸣”仅仅体现一个人的“浅层感官”，若能够理解这一点，它会拓展为“艺术修养”。

巴赫曾经写下《十二平均律钢琴曲集》，其中的第一首《C大调前奏曲》非常著名，很多人听到这一首曲子，都会被激发起许多“联觉”上的感官，甚至能联想到湖水、木屋，甚至具体到一只什么样的猫，躺在什么样的地板上，窗外是什么样的阳光。

的确，人们会因此而喜欢上这首曲子。而历史的真相是，巴赫写这些曲子仅仅是因为他的妻子想学琴，所以他写了一本教材。

我们对于曲子本身的情感反应，没有问题。但区别在于，我们在有情感反应的时候，是否能够理解它的原理?大众可能会觉得，他们又不是专业学音乐的，他们怎么能够理解呢?

但是很可惜，理解这世界上的音乐以及任何艺术形式，的确需要一些专 业知识。否则，我们谈论的东西，会稍显狭隘，且无法进入深层的音乐“语境”中去，这是一个很遗憾的事实。

所以有句话说的好，听众需要被教育。我们只有去学习艺术，才能理解艺术。

这么一来，《乐队的夏天》 里，那些“专业乐迷”和“超级乐迷”中的冲突，也就能够说得通了。

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