《爱乐之城》，好莱坞的“情怀”与“套路”
文 | Hanson（纽约）
迪士尼大卖的《冰雪奇缘》一开始对自己的音乐剧成分总是遮遮掩掩的。宣传的重心落在在双公主和雪人上，歌曲由百老汇名剧《摩门经》作曲者创作的这种关键细节偏偏什么都没提。只是在上映之后，”Let It Go”成为一时的神曲，迪士尼才开始提及这部动画片的音乐剧属性。
事后两位导演也承认，他们不想宣传这部动画的音乐，因为想先“骗”观众进电影院，然后让他们被惊讶到。这不过是用另外一种方式来说，观众对音乐剧的热情不够。也正是因为《冰雪奇缘》的成功，迪士尼很快就同意了《美女与野兽》真人版的翻拍，并且决定全方面拥抱音乐剧成分，而不会像《丛林之书》真人版那样只是尴尬的唱两首歌向原版致敬。
好莱坞这种“见钱眼开”的行为也不是什么新鲜事。之所以奥斯卡最佳影片《芝加哥》被投资方开绿灯，完全是因为《红磨坊》的大卖让制片厂意识到音乐剧的市场也许不容小觑。这也引发了随后的音乐剧拍摄浪潮，但在其中，群星闪耀的《走进黑森林》根本就没达到预期，《芝加哥》导演的新作《九》更是赔得血本无归，更别提《悲惨世界》在国内上映的时候，只能用惨淡来形容。
提及这些，是为了更好的地理解《爱乐之城》在什么样的背景下被制作出来。这可能是好莱坞近些年来第一部原创的真人音乐剧电影，而且，不管是宣传方还是制作者，都没有对此遮遮掩掩。
本片开头就用一个热情洋溢的长镜头展现了音乐剧的潜力。这貌似也在和观众说，如果你连开头都不喜欢，看来音乐剧不适合你。从宣传策略上来讲，一开始是针对音乐剧的核心粉丝。当好评开始出来的时候，才开始发展到更广的观众群。
但是，《爱乐之城》并非仅仅针对音乐剧的核心粉丝，导演也想让更多对音乐剧无感的观众也能涉足这一领域。为了达到这个目的，“致敬过去”也许是最好的策略。从某种意义上来说，《爱乐之城》和去年夏天爆火的美剧《怪奇物语》非常相似。前者致敬好莱坞五、六十时代好莱坞音乐剧的黄金时期 ，后者致敬美国八、九十年代科幻片的黄金时期。在目前的政治环境下，应该不难理解这种认为“过去比现在更好”的论调为何如此受宠。到最后，大家看的都不是剧情，而是情怀。《爱乐之城》在今年的奥斯卡获得了14项提名，如果把观众对现实不满并渴望逃避的这种情绪算进去的话，这好像也不难理解。
单从设定上来讲，《怪奇物语》没有太多原创性。异世界、会超能力的小孩、有阴谋的政府部门，这些观众都看过不知多少遍了。但是陪着复古的电子配乐，氛围出色的摄影，再加上某些对经典电影场景的还原（如《E.T. 外星人》《异形》《第三类接触》），观众似乎愿意忽略剧情和表演的瑕疵。
《爱乐之城》也是同理。单从设定上来看，为了生计和梦想而愁的情侣，被迫选择事业还是爱情，梦想还是现实，这也不是什么新鲜的角度。台词不停地提及《卡萨布兰卡》《无因的反叛》等经典老片，导演还是在很用心地致敬，也下了不少功夫。
第一个方面是靓丽的颜色。
全片用胶片拍摄，被捕捉到的色彩和数字拍摄的质感截然不同。开头的第一个长镜头就向观众介绍了本片鲜艳的色调，陪着追梦的群众，这种热情好像触手可碰。而后，女主和三个室友在夜光下的马路上起舞，看着红黄蓝绿四种原色的裙子在灯光中旋转，观众很难不被感染到。
男女主角在暮光中的山坡共舞的那场戏，为了捕捉到真实饱满的颜色，必须在日落时分拍摄，只有短暂的半个小时。再加上是个不间断的长镜头，最多只能拍五条。每条结束两位演员都会被助理迅速地擦掉汗水，重新再来一遍，同时还要演出那种不经意的情绪。 他们本可以慢慢拍，然后在后期替换天空，但是并没有这样做，这也体现了导演对色彩的执着。在影片的后半段，随着人物的成熟，他们穿的颜色也越来越浅，最后又在结尾处迸发。从这个角度来说，色彩也是有叙事功能的，不是为了鲜艳而鲜艳。
致敬的第二个方面便是流畅的镜头运动。
在好莱坞经典的音乐剧中总是有很多丰富连贯的长镜头。本片导演也是在不求余力的做到这一点。这不仅需要大量的彩排，还需要演员的投入。
高斯林并不会弹钢琴，为了这部片子每天练两个小时，练了三个月，这样在拍摄长镜头的时候，观众可以看到他是在真的弹琴。在《本杰明·巴顿奇事》中，布兰切特不会跳芭蕾，因此所有芭蕾的戏份都是她的脸合成在替身身上，但这也并没有影响叙事。《爱乐之城》完全可以用一个弹钢琴的替身，但是高斯林努力的结果就是可以更好的实现导演的预想，让流畅的镜头贯穿全片。从结果来看，先不说炫技与否，长镜头给影片带来的能量确实是不可替代的。
技术是需要为故事服务的。最高的境界便是观众根本就没意识到“长镜头”这种手法正在发生，而是完全投入在故事里，这便需要演员的表演来让观众代入故事。比如女主在结尾处试镜时独唱的那个长镜头。艾玛·斯通全程都是在真唱，配上优秀的歌词，观众很难不被感动到。
提到艾玛·斯通的表演，这也是本片能成功的重要原因之一。从表面上来说，她饰演米娅非常平面——经历了几个失败的试镜，只演了一次失败的舞台剧，就预备演艺梦想，打道回府。不过，她却正好被选角导演看上，这也未免太巧合了。但艾玛出色的演技给这个人物带来了生机。第一场失败的试镜戏，她充满泪光，真实又脆弱的表演被人硬生生打断，观众瞬间能体会到做演员的无奈。她和男主烛光晚餐吵架的戏里，她简单的一个眼神，就能让人体会到她的心碎。结尾的出色的独唱更不用说。这些充满灵光的表演都从不同维度，让米娅这个人物更为饱满。
相比之下，高斯林饰演的男主萨巴斯蒂安则更为直来直去。他以复兴爵士乐为梦想，试图回到爵士乐辉煌的过去。不过，他对爵士乐的热情稍显教条化。在本片中，古典爵士乐被当做某种不受妥协的艺术真相，而创新的现代爵士乐则被视为某种”倒退”。事实上，当今怀着对爵士乐历史的尊重又同时向前看的音乐人不是没有，如果导演能够设法处理好这种复杂性，而不是简单地么古典-现代二元论，也许能够更好地说服大银幕前同样对音乐抱有热爱的观众。
但是作为音乐剧，本片的音乐部分依然可圈可点。
第一首”Another Day of Sun”的词体现了一群在洛杉矶奋斗的年轻人的经历，介绍了梦想与现实妥协的主题。这种先是介绍大背景再走到主要人物的手法值得称赞。
第二首”Someone in the Crowd”也暗示了米娅最后会成名，毕竟看上她的选角导演也是“someone in the crowd”。最出色的自然是最后一首歌，把米娅讲述自己姑姑的故事和抒情的部分平衡的非常好。音乐剧的大忌就是为了唱而唱，唱完后和开唱前没有区别。本片带歌词的每首曲子都有叙事的功能，两位年轻的作词家有很大的功劳。
理解任何一部电影都需要结合时代背景。但也有很多影片，脱离了当时的背景，现代观众依然能欣赏。如果现在这种怀旧浪潮过去后，《爱乐之城》能否经得住检验，这很难说。但这也是伪命题。任何电影都是逃不过自己的年代的。只是对于观众来说，需要注意自己有没有被这股情怀洗脑而失去了自己的眼光，故意看不见瑕疵。
不管怎样，《爱乐之城》绝对是幸运的。制片厂愿意给原创音乐剧投钱，有艾玛·斯通这样优秀的演员撑场子（一开始选的是艾玛·沃森和《爆裂鼓手》男主迈尔斯·特勒，可以想象吗？）有这样一个用心的导演和一群用心的人，在这个好莱坞萎靡的时代也算是清流一股。或许我们不需要找什么意义，看完可以短暂忘记现实就足够了。
- FIN -
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