线上展厅｜群展：复魅 Thaddaeus Ropac 巴黎庞坦
线上展厅
复魅
Re-enchantment
群展
由奥娜·道尔（Oona Doyle）策展
展期至 2024 年 5 月 11 日
Thaddaeus Ropac画廊 巴黎庞坦
展出艺术家
比安卡·邦迪
Bianca Bondi
曹舒怡
Shuyi Cao
Dorota Gawęda & Eglė Kulbokaitė
多萝塔·加韦达 & 埃格莱·库尔博凯特
奥尔加·格罗托娃
Olga Grotova
安格里卡·洛德勒
Angelika Loderer
曼纽尔·马蒂厄
Manuel Mathieu
旺达·米胡莱克
Wanda Mihuleac
特雷莎·潘高夫斯卡
Teresa Pągowska
阿丽亚娜·帕帕德梅特罗普洛斯
Ariana Papademetropoulos
Thaddaeus Ropac画巴黎庞坦正在展出群展“复魅”（Re-enchantment），由奥娜·道尔（Oona Doyle）策展，汇集9位艺术家，包含一对艺术家双人组合，探索重新为世界着迷的方式。“复魅”（re-enchantment）作为术语在文化领域中越来越常见，它与“祛魅”（disenchant-ment）的概念相对立。第一次世界大战后，社会学家马克斯·韦伯（Max Weber）将这个现象描述为现代性固有的“合理化”过程的结果，通过这个过程，现实变得客观化。“魅力”（enchantment）指中了魔法而陷入迷醉的状态，而“复魅”则指通过惊奇修复世界，并暗示与神秘感重新建立联系的新观念。生态危机和过度合理化常常使人们感到现实已被揭开神秘的面纱并受到破坏，此次展览正是对这种现实的回应。
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策展人奥娜·道尔和艺术家们带你走进展览
有趣的是，在进入 21 世纪后，艺术家们越来越意识到上个世纪遗留下的问题，尤其是日益严重的生态危机，他们试图改变绘画和制作方法—— 通过与自然、非人类合作，将每种材料的历史和象征意义本地化。
—— 奥娜·道尔
多萝塔·加韦达（1986年出生于波兰卢布林）和埃格莱·库尔博凯特（1987年出生于立陶宛考纳斯）组成了非凡的双人艺术家组合加韦达·库尔博凯特（Gawęda Kulbokaité）。她们的作品包括装置、表演、视频和。在本次展览中，通过展示了一个海市蜃楼般的以奇幻花朵为特色的装置，她们将生态与技术、科学与魔法、非人类智慧与感官体验交织在一起。装置由数字印刷品组成，这些数字印刷品通过算法处理，将图像印在雪纺面料上，陈列在铝制外壳中。从正面看，图像半透明，给人一种多孔的感觉。然后，当观众从不同角度观察时，图像就会显现出来。通过作品的运动和观众的积极参与和互动，艺术家们试图打破人类与周围世界之间的界限。
“群展：复魅”，展览现场，2024年
Thaddaeus Ropac画廊 巴黎庞坦 摄影：Charles Duprat
参展艺术家倾向于通过赋予现实想象力并与生命物质合作，而不是将其工具化，以实现让世界复魅的目标。魔法是一种使日常生活变得陌生的工具。通过摒弃线性视角，采用多维视角，艺术家重塑我们与现实的关系。一些艺术家颠覆风景与人物之间的等级关系；另一些艺术家则将人物与动物、矿物和植物领域融为一体。其他艺术家则充分发挥材料的变化力量，让它们在展览过程中不断演变。通过这些图像和过程，他们对抗人类中心主义的观点，模糊人类与非人类之间的界限。而现实与梦境并存的作品也弱化了梦境与现实的区别。
“群展：复魅”，展览现场，2024年
Thaddaeus Ropac画廊 巴黎庞坦 摄影：Charles Duprat
在特雷莎·潘高夫斯卡（1926-2007 年，生于波兰华沙）的作品中，梦幻空间被层层叠加到现实中，柔化了两个维度之间的界限。她以富有创造性和感受力的方式处理女性形象著称，她从女性对周围环境的体验以及自己的梦境中汲取灵感，并将其具体化到画布上。展览策展人奥娜·道尔（Oona Doyle）指出："在一个以男性视角为主的社会中，女性的经历往往被置于次要地位。面对父权制，女性对于创作的想象力提供了一种从强加的现实中解放出来的可能性。”
特雷莎·潘高夫斯卡
《痕迹 - 第二版）》，2005年
丙烯、蛋彩画布
129.5 x 139.5 厘米（50.98 x 54.92 英寸）
这种梦幻般的感官绘画体验在阿丽亚娜·帕帕德梅特罗普洛斯（1990年生于美国洛杉矶，现居洛杉矶）的幻象绘画中得到呼应，对她而言，“绘画是通往另一个世界的门户”。在她们的画作中，人物与动物和植物融为一体，表达与大自然建立联系的强烈愿望。
“群展：复魅”，展览现场，2024年
Thaddaeus Ropac画廊 巴黎庞坦 摄影：Charles Duprat
这些画似乎存在着不同的层面，虽然第一个层面可能会让人失去兴趣，但当你深入地看，它就会产生魔力、同步性和超自然现象。科学似乎揭开了现代世界的神秘面纱，但我发现了解得越多，一切就变得越神圣。
—— 阿丽亚娜·帕帕德梅特罗普洛斯
阿丽亚娜·帕帕德梅特罗普洛斯
《魔法行动器官》，1985年
布面油画
233 x 274 x 4 厘米（100 x 80.91 x 1.57 英寸）
阿丽亚娜·帕帕德梅特罗普洛斯
《邀请》，2024 年
布面油画
232.5 x 200 x 4 厘米（91.54 x 78.74 x 1.57 英寸）
“群展：复魅”，展览现场，2024年
Thaddaeus Ropac画廊 巴黎庞坦 摄影：Charles Duprat
在整个展览中，菌丝不断生长，逐渐开始吞噬照片，从而以抽象的形式和图案改变照片。艺术家在打开相框时停止了蜕变过程。正如洛德勒解释的那样，这些作品提请人们注意“脆弱的生态系统以及万物是如何相互关联的”。
安格里卡·洛德勒
《互相吸引系列》，2022年
有机玻璃、彩色印刷、木材、蘑菇菌丝
28 x 24 厘米（9.45 x 11.02 英寸）
“群展：复魅”，展览现场，2024年
Thaddaeus Ropac画廊 巴黎庞坦 摄影：Charles Duprat
该装置正在经历一个转变过程，通过化学反应的过程，液体逐渐从绿松石变成红色，然后经过数周和数月的时间，液体最终蒸发掉。对艺术家来说，这些微妙而稳定的变化是“一种表明我们并不孤独的方式”。她解释说，“这个过程里有很多能量存在，它们也许微妙，它们也许需要时间，但它们确实在发生变化。”
比安卡·邦迪
《丰富》，2024年
黄铜、再利用的吊灯部件和罗马和希腊帝国的古董玻璃碎片、树枝、珠子、各种动物骨头、
青铜碎片、紫水晶、海蓝宝石和其他宝石、岩石、腊花和树叶、沙漠树根、阿伦钾晶体、微型占卜棒
304 x 190 x 70 厘米 (119.69 x 74.8 x 27.56 in)
曹舒怡（1990 年生于中国广州，现居纽约）在她的雕塑作品中，将贝壳、生物塑料、玻璃和假指甲等无数材料组合在一起，蜕变成想象中的生命。曹舒怡从不同地点收集材料，如海岸线和垃圾填埋场，特别是从布鲁克林的一个废弃的海滩死马湾（Dead Horse Bay）。
“群展：复魅”，展览现场，2024年
Thaddaeus Ropac画廊 巴黎庞坦 摄影：Charles Duprat
艺术家分享道，“这些变化多端的生物将我们物质世界的碎片编织成寓言，成为通往其他世界的门户。创造神话，作为一种与土地相连接和驾驭环境不确定性的普遍机制，它成为我在异国他乡寻找归属感的一种方法，并为那些被揭开的神秘面纱和遭到破坏的景观深深着迷。”
曹舒怡
《每一个名字都蕴含着一个神灵（石头开花者）》，2023 年
岩石、矿物、浮木、牡蛎壳和蛤壳、贝壳碎片、鲎、陶瓷、玻璃、
藤壶、风化橡胶、回收塑料、树脂、金属、丙烯颜料
50 x 56 x 81 厘米（19.69 x 22.05 x 31.89 英寸）
奥尔加·格罗托娃（1986 年生于俄罗斯车里雅宾斯克，现居伦敦和巴黎）手工制作了绘画使用的颜料，它们来自石头或植物。她还收集泥土，并将其融入自己的作品中。她还收集了祖母和曾祖母的公共花园中的植物印记，她的祖母和曾祖母在苏联时期与数百万其他妇女一起被迫从事农业劳动。通过对材料的实验和跨代研究，艺术家揭开了这些被掩盖的女性的历史。
“群展：复魅”，展览现场，2024年
Thaddaeus Ropac画廊 巴黎庞坦
摄影：Charles Duprat
奥尔加·格罗托娃谈到对展览标题“复魅”的理解，“通过一些可能已经被遗忘的方式，或者一些历史课上没有讲过的方式，重新与世界建立联系。它实际上是通过你的感官、通过你的身体，重新与你的历史、与土地、与你在这个坐标系统中的位置建立联系。”
奥尔加·格罗托娃
《斯洛沃》, 2024年
亚麻布上的照片、赤铁矿、颜料
230 x 180 x 4 厘米（90.55 x 70.87 x 1.57 英寸）
奥尔加·格罗托娃
《拱门与容器》, 2021年
亚麻布上的赤铁矿、孔雀石、颜料
150 x 110 x 4 厘米（59.06 x 43.31 x 1.57 英寸）
曼纽尔·马蒂厄（1986 年生于海地太子港，现居蒙特利尔）的作品中也出现集体创伤的元素。他的风景画揭示海地杜瓦利埃独裁统治时期（1957—1986年）的恐怖和创伤，同时也传达出一种在画布表面脉动的生命力，暗示复兴的可能性。在他们的作品中，多个时空共存于同一个画面，揭示历史在物质中的嵌入程度。
曼努埃尔·马蒂厄
《阳光》，2020-2022 年
丙烯、墨水、灰尘、木炭、粉笔、胶带、油画棒
91.4 x 76.2 x 5 厘米（35.98 x 30 x 1.97 英寸）
旺达·米胡莱克（Wanda Mihuleac，1946年生于罗马尼亚布加勒斯特，现居巴黎）提醒我们“在’复魅’一词中，我们听到了‘歌唱’（CHANT）”。她的“同义诗”（Tautological Poems）中，艺术家用代表文字意义的材料书写单词，打破语言和物质的区别。诗歌、叙事和神话通过隐喻和象征，提供与世界联系及获取知识的不同方式。
旺达·米胡莱克
《羽毛》，1976-78年
C-打印，巴里塔缎纸/白漆枫木画框
29.3 x 40.8 厘米（11.54 x 16.06 英寸）
旺达·米胡莱克
《翁布雷》，1976-78年
C-打印，巴里塔缎纸/白漆枫木画框
29.3 x 39.2 厘米（11.54 x 15.43 英寸）
展览独特的策展形式让观者可以在旺达·米胡莱克的诗歌中展开一趟感官之旅。在第一个展厅，她雕刻了阴影、狭缝、水、土、火和倒影——这些词语与其他展出作品产生共鸣，将艺术家彼此联系。在最后一个展厅，多萝塔·加韦达和埃格莱·库尔博凯特、奥尔加·格罗托娃和比安卡·邦迪的作品与自然光互动，试图捕捉为世界着迷的过程。
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