【文轩美术馆 | 展览】2021成都双年展特别邀请展"诗融体Amalgamata——跨媒介的诗歌艺术"现场回顾暨线上诗会预告

2021成都双年展特别邀请展“诗融体Amalgamata——跨媒介的诗歌艺术”于11月5日在文轩美术馆开幕。本次展览分为“诗影像”“诗绘画”“诗摄影”“诗手稿”“诗装置”“诗翻译”共六个模组，共邀请二十五位艺术家携近百件作品参展。“诗融体”展览提供的群像幅宽，作为一组透镜，让受众亲身观测到当前中国最具生产活力的诗人艺术家在创作理念、风格实现、语言征用等方面别具一格的感官样本。

线上诗会预告

（腾讯会议）

诗会时间：

2021年11月14日（周日） 19:30 （北京时间）

（观众限制300人）

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会议 ID：723 151 177

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 诗融体：斑驳暗影的亲合力 

文/夏可君

绿

而且亮，或像一只庄严的骨灰瓮，

它，从其中的灰烬里，增强

一种乃是绿之所是的灰烬的绿，

——史蒂文斯

一个用语象来感觉世界的诗人，一旦以颜料或胶片来感知，面对时光不可避免的消逝，自我的寓言就会进入一个幽微的灰色地带，对于这世界缝隙与深渊中恍惚光影的捕获，就成为顽念，既不可能与这幻觉的顽念妥协，也不可能放弃此迷恋，色调就必须更深，而解脱的渴求也更为迫切。诗歌缺乏的不是肉体，而是肉体所缺乏的幻影；艺术所缺乏的不是精神，而是材质的幽邃。

诗歌与绘画，平行世界的遥远对称，最远的近邻，二者之间的裂隙中，暗影浮现，世界就变得柔软，事物在色彩的温柔中松软，绿在暗影中锈绿，绿的灰烬与灰烬的绿，相互的增强，暗影开始歌咏，另一个早已消失的夏天就会重现，是的，总是“另一个”，总是“有着”另一个的世界，这才是艺术的开始。

就如同自我的镜像游戏，面对个体生命自我的模糊性，女性诗人处于比男性更为纠缠的悖论中，一方面不得不通过艺术化的女性镜像来观照自身；另一方面，却不得不面对女性作为自恋的深度纠缠，女性诗人从来都面对着这双重的敌意，面对来自于艺术赤裸图像的施暴与现实自我迷失的诱惑，这双重镜像的重叠，但只有此虚拟的双重痛苦才是真切的痛苦，或艺术只是让此痛苦的幻影更为可感？但没有了幻影，何来诗意的艺术？

中国的当代诗人们也许是对于世界的暗影恍惚还保持敏感的最后一群人了，在大小城镇石头建筑阴影下焦灼成长起来的两代人，诗意的最初萌发似乎就是来自于夜幕降临前，那重叠着狐狸与老猫凝视的斑驳墙面，还有什么暗绿的雨水做成的骨髓更为暧昧的呢？

以至于，那古老的坛经可以幻化为凤凰的羽翅，但这不是为了飞翔，而是为了铭刻那更为幽深的梦呓，唤醒那沉浸在物质之中的暗语。那古老的爱意，在反复扭曲中，就可以化为一只古老的昆虫，但也只是为了成为记忆中的一个闪影而已。

哦，在暗影中呼吸的诗人，面对时光不可避免消失的叹息，却只能把这幽怨置于面纱之后，才可能不被电子时代的人工亮光所伤害，只有锈绿的暗影可以喂养她们的灵魂，不，应该是喂养呼吸的节奏。那些无意义的日常时光，在爱意的时刻，女性诗人的镜头在自我与他者之间游戏，借助于暗影的恍惚，枝条重叠的灵晕，依然是不褪色的暗绿，就是为了给未来的凝视者，留下诗意的气氛。

而只有微晕的气氛，暗紫或者粉色，才可以吸纳时间毛茸茸的暗影，并且同时又拒绝任何的意义，绘画并非为了凝视，而是为了触摸那无尽的荒凉。

当然，男性诗人的摄影作品更为着迷于抽象的痕迹，但依然还是处于恍惚震颤之中，是为了挽留大地斑驳的幽暗痕迹；还有那拒绝凝视的背影，那舞蹈的暗影，斑驳的幕帘一直尚未升起，但暗影已经开始了倾诉。

面对纷纭的世界，诗意的画家只需要以线条的编织，就可以把海洋般波澜涌动的世界切面，置于我们面前，但这些颤动的线条不是为了装饰，而是为了再度折叠空间，多重反射中闪烁的光斑，只是我们个体化存在之难的见证。

而诗人和艺术家共有的敌人，其实只有一个，那就是不断加速的时间，执着的爱似乎以其刻意，就可以让时间短暂停顿下来？而技术的影像如果不触及我们苦弱的灵魂，如果不服从生命渴求的节奏，那也仅仅是泡影而已。是的，重要的是节奏，色彩与语词一样，在节奏的重复中，灰烬的绿与绿的灰烬，在斑驳的暗影中对称，就可以让我们遗忘时间。

是的，诗人的绘画，不过是去发明各种的语词替代物，但又并不钟情于这些替代物，而是进入暗影的微光，甚至那神性的灵光得以呼唤出来，既然黑暗在加重，那灵光，就变得更为迫切了。

这是暗影的亲合力，各种化合的元素在悄然地彼此吸纳，暗影在色调中相互转化着，光晕与气韵相互融合，形成奇妙的诗融体。尽管其中并不缺乏光芒，只是这光芒与暗影的游戏，更为靠近黑暗暗绿的那一边，这暗影的融合，为我们发现世界的幽暗，艺术以暗影的情调与色调来融合它们。

这也是跨媒介的融合，本次“诗融体”（Amalgamata）的展览，就融合了“诗影像”“诗绘画”“诗摄影”“诗手稿”“诗装置”“诗翻译”六组感官样本，它们要把我们“从特定轨迹的时空环境与事态中解放出来”！

书写当代诗的中国艺术家，他们或者她们的视觉感如何？这一直是一个迷人的话题，中国古典时代“诗书画”合一的传统已经被现代语文与抽象化的视觉所冲散了，如何以当代的视觉建构一种诗意的气氛，无论是绘画与摄影，可能都是这些诗人们要施行的改变。

必须改变你的生活，里尔克如是说，面对艺术，则必须改变你的视觉，必须获得一双正确又准确的眼睛，来观察世界，并且付诸于艺术语言，这一次，诗人们的亲合力，那融合的底色乃是亲密的暗影。

日常生活的诗意片断，在迷离又闪耀的回眸中，场景被拉碎后变得尖锐了，这世界仅仅在后视镜的突然反光中，才闪烁出迷人的幻念，艺术不过是编织出暗影的面纱，而世界的诗意就是面纱的暗绿。

 现场访谈 

为落实成都市疫情防控政策，“诗融体”开幕式对谈在空场状态下进行。策展人沈至与五位到场诗人艺术家就他们的作品、诗歌创作与艺术创作的关系、何为“诗融体”等话题作短暂交流。

 1 

“《刻舟求剑》这个作品[...]其中最关键的一点是要突出‘直观’。我们希望用镜头去捕捉一些直观的事物，比如‘触觉’‘痛觉’。其中有一幕是用剪刀划过粗糙的石块，观众可以听到声响，能感受到‘尖锐’，这在诗歌中是完全不同的感觉。此外，这部片子整体是黑白的调性，但有几个地方是特意呈现了色彩的，这也是一个融合点。还有就是‘制造景观’，比如影片最后有一个在下水井里钓鱼的人，这也是来自曹僧的想法。这些综合的感觉正是诗和影像之间最深层的联系。”

——陈磊夫

《刻舟求剑》剧照

 2 

“《哀歌》的拍摄地点是上海的一个东正教堂旧址。那个教堂是1917年之后很多俄国人流亡到上海建起来的，作为他们的精神归宿。我们选了曼德尔施塔姆的《哀歌》这首诗，这首诗写于1918年，写的正是俄国人的流亡。但他不仅仅是写当下，而且还是和历史的对话。最早写哀歌的是古罗马的奥维德，后来‘哀歌’在西方文学中演化成一种体裁。白银时代的俄罗斯文学涌现出许多向希腊罗马致敬的篇章，曼德尔施塔姆这首诗正是如此。我在这首诗中看到了一种重新对话的关系，于是我邀请了不同领域的艺术家来完成这样一个作品。其中有音乐、戏剧、表演、行为艺术等等，它们都依托于《哀歌》这一诗歌文本。这些艺术家有当代的也有古典的。我们选了一段《莫斯科郊外的晚上》的旋律，为了营造一种共情效果；其他都是即兴创作。”

——韩博

《哀歌》剧照

 3 

“如果在绘画中探讨诗性，某种意义上还是通过视觉本身才能将意境呈现出来。我的情况是，除了探讨这个以外，我还希望有另外一些东西。这些东西跟我的诗歌文本有关系。其实早年我的很多绘画里面，我试图把自己的诗歌或我阅读过的百年新诗的文字形象化，把当代的形象和过去的结合起来。后来我喜欢抄《金刚经》《坛经》《大悲咒》等，觉得这些经文很符合我的点。这个工作其实是试图抵达‘诗性’，或者说本质上是试图解脱我的语言。通过不同类型语言、各种文本的组合来达到‘诗性’。我做的艺术比较广泛，比如材料、装置，都是同样的目的。”

——王艾

王艾作品

 4 

“有些东西适合用诗呈现，而另一些适合绘画，还有一些适合诗与画共同呈现。我更愿意把它们放在一起来考量。我的大部分作品还是视觉性的，毕竟以文本为载体的诗歌需要借助出版物这样的容器。所以诗歌可以作为容器与绘画结合起来，这就是‘诗融体’能呈现的一个点。”

——于艾君

于艾君作品

 5 

“我认为诗与画的出发点是一样的，很多时候它们都是有共通性的。但是它们所解决的问题是不同的。诗歌更倾向于语言，而绘画是视觉。我着手绘画的原因之一，就在于文字的局限性，就是说我有许多抽象的东西需要图像去呈现。写诗时处理文字的高度紧张会让我不适，而绘画会让我感觉很放松。因此我交互进行诗与绘画的创作，这可以起到一种调节作用。”

——余幼幼

余幼幼作品

 展览现场 

 温馨提示 

1、进入文轩美术馆请用“天府通”健康码扫场所码、用微信扫描行程码，并戴好口罩，配合测量体温。
2、文轩美术馆开放时间：周一至周日10:00-17:00（疫情期间16:30停止入场）。3、到场观展的朋友，欢迎与现场值守人员交流。






 策展人/Curators 沈至、葭苇、秦三澍Shen Zhi, Jia Wei and Qin Sanshu 学术主持/Consultant 
夏可君 Xia Kejun 展务执行/Execution 
崔奕雄、施笛闻、致水Cui Yixiong, Stephen Nashef and Zhi Shui
参观时间 | Visiting Hours10:00-17:00
16:30 停止入场
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