没有网络的90年代，街头艺术家Keith Haring如何席卷全球？
互联网并不普及的90年代，Keith Haring 如何在一个并不发达的社交网络时代里，从纽约走向世界，成为众人所关注的街头涂鸦艺术家？
这是一个社交网络的时代的当下，许多意见领袖、自媒体博主、年轻艺术家都在通过网络获得大众的关注。
而相比在互联网没有如此发达的90年代，一个艺术家是怎么从默默无闻开始，继而成为20世纪末重要且具有影响力的涂鸦艺术家？
你可以不知道Keith Haring是谁，但你一定看到过他的作品，感受过他总是使用三原色的图画。
《无题》
《无题》
他的涂鸦艺术，生动而富有童趣，虽然已经去年超过30年，但依然给艺术、时尚领域带来源源不断的灵感。
符号=最少的线条
他的画作似乎只是简单的线条，但好像勾勒出了一个简单的奇妙世界，但在他勾勒世界里好像又出现了很多现实生活中存在的问题。
“符号的形成是以最少的线条来呈现一个物件。而符号在任何时候，对于任何语言、任何人都是通用的。”
Haring经常在作品将狗绘制成人类的身体，虽然是狗头，但拥有人类的两条直立行走的腿。
《无题》
古代埃及的死亡之神阿努比斯（Anubis）就是这个形象，头部是胡狼，下半身则是人类，看守着死亡。
Haring作品中这个“站立的狗”的形象，无论是在跳舞、吠叫或咬人，都有着一种对于压迫人类的团体的讽刺意味。
吠叫的狗
另一个在他作品中常出现的符号则是“发光的婴儿”，是他作品中的标志之一，代表着最纯洁最积极的人类的存在。
发光的婴儿
在地上爬行的婴儿周围的线条像是婴儿身上散发出的能量，又像是诞生时圣洁的光芒。
Haring曾在日记中写道，“艺术为众人存在。艺术是生活，生活是艺术。”
他的每一幅画，都可以任由观者解读出自己的故事。
《无题》
比如这幅作品，没有标题。一艘来自外太空的飞船，但在观看时我不由自主的开始思考，这是在向地球扔下人类，还是在吸走地球上的人类？无论是哪一种，都让人更想知道为什么。或者这些生命体是人类吗？还是来自外星的“人类”？
在所有Haring的公共项目中，这堵墙可能是他最为传奇的作品。
Haring才华横溢的年轻工作室助理Benny，想要控制他自己的药物成瘾状况，但由于没有医保，医院拒绝进行医疗辅助，Benny自己多次尝试后还是失败之后，就启发了Haring绘画壁画的灵感。
Haring在工作室
Haring决定利用法院的墙来表明他对政府无能为力解决毒品相关问题的不满。Haring说：“受到Benny的启发，并对这个国家（尤其是纽约）所发生的事情感到震惊，并且看到政府反应迟钝（一如既往），我决定我必须做一个项目。”
《Crack is Wack》
起初，Haring因在街道上的墙创作了如此巨幅的作品，而不得不入狱，但最终，引起了许多在媒体上的共鸣，这个作品最终受到了保护，Haring也被释放。
现在这堵墙仍留在纽约的城边，但更为讽刺的是，当走过这里，仍旧还是能闻到违禁药品的气味。
被保护的《Crack is Wack》，摄于2020
始于街头
打破精英艺术世界的障碍
回到1986年，Haring在1986年于纽约开设了第一家Pop Shop，里面以12幅画中的图像为基础，印刷在各种各样的商品上，例如帽子、T恤、海报等。
这有些像现在的周边店铺，特别是日本和美国动画、动漫中的人物都会有这样销售的方式。
1986于纽约开设的Pop Shop
Haring在曼哈顿SoHo开设的Pop Shop都是Haring作品的延伸，他用黑白壁画粉刷了整个商店的内部。
而在Haring的Pop Shop可以低成本地提供给他的作品给粉丝，最终打破了阻碍公众进入精英艺术世界领域的障碍。
在当时一旦艺术与商业结合就会饱受批评的年代，Haring仍然坚持自己的想法，在纽约开设Pop Shop。他不是为了挣钱，他将利润都做了慈善，他想要贩卖的不是商品，是想要公众都能接触到艺术的想法。
Haring不愿意艺术设有任何的门槛，他希望艺术属于每一个观者，没有阶级与制度。
但在当时的纽约，先有安迪·沃霍尔（Andy Warhol）在艺术与商业上令人瞠目结舌的成功，Haring当时开设的这个店铺也收到了许多艺术评论家和业界人士并不赞赏的声音，他们纷纷觉得Haring的这个举动过于商业化，只是想要挣钱。
出售这些商品获得的利润被分配给儿童慈善机构和教育组织以及艾滋病研究，这些领域也是Haring的承诺想要做出贡献领域。
1988年在东京开设Pop Shop
Haring对于这些批评的声音，回应说，“这些图像已成为世界的一部分和普遍文化的一部分。我不得不接受这个想法，让它发生，让它成为文化的一部分，让它成为大众文化的一部分，而不是把它带回艺术世界，躲在艺术世界里，而艺术世界是我最初试图突破的地方。”
这就不由得让人想探索，Haring是如何在当时一个没有如此发达的社交网络世界里，却在纽约成为了熟人关注的街头涂鸦艺术家。
泰特现代美术馆重建了部分Pop Shop商店
因为他真的始于街头。一开始他在自己出生的城市学习制作动画、商业艺术等，但他觉得自己并不想做这些商业化的刻板东西，于是搬到了纽约读书、创作。
自从Haring从他的家乡搬到纽约开始，他就想在画廊和博物馆的系统之外创作，于是他开始在街道，地铁以及俱乐部和旧舞厅的墙面上涂鸦。
地铁站内的涂鸦
和那些不喜欢学院系统，辍学创业的IT大佬们一样，他似乎也是作为开创一个新潮流的艺术家，选择了不一样的路。
在俱乐部和舞厅涂鸦时他认识了他的艺术家朋友肯尼·沙夫（Kenny Scharf）和让·米歇尔·巴斯奇亚（Jean-Michel Basquiat）。
左：Basquiat 右：Haring
当Haring发现地铁站中有未使用的覆盖有磨砂黑纸的广告牌时，他开始在整个地铁系统的这些空白纸板上创作白色粉笔画。在1980年至1985年之间，Haring用粉笔在街头创作了数百幅涂鸦。
就如他自己所说，城市成为了他的“实验室”，在这个不断的涂鸦的过程中，他尝试着表达自己的思想并逐渐形成了他自己的简单线条的风格。
地铁站内的涂鸦
在地铁涂鸦的时候，Haring经常会担心被警察驱赶或抓捕，在公共区域的涂鸦是不被允许的，他也在地铁站涂鸦的同时被警察带走过。
他为什么要如此坚持的在公共墙面上涂鸦呢？
这与他最初决定脱离画廊和博物馆的系统创作有关，他想创作公众也可以参与的艺术，他说：“Art is for everyone”，他希望艺术是每个人都可以接触的，而不是只仅存于博物馆这样形式的堡垒里。
在当时还存在阶级、种族矛盾的社会里，他想要艺术在这冷酷的划分下变得平等。他努力让每个人都能接触到艺术。
地铁站内的涂鸦
有时，他在地铁广告牌上涂鸦时，会有小孩过来请他涂鸦在他们的鞋子或衣服上，哈林也都一一接受。大家都会被他作品里简单而又独特的线条吸引，是视觉上不同于以往涂鸦五彩斑斓的冲击，但其中又蕴含着Haring的符号语言。
他也曾和上百个小孩一起涂鸦，而他也像个天真的孩子，他对艺术赤诚的爱，也展现在他对整个世界的关心里。
这也是他开设了Pop Shop的原因，以低廉的价格出售印着他的绘画风格的商品，让公众都可以拥有他的艺术品。
情人节时Haring在地铁内涂鸦
Haring的图像不仅在视觉上变得可识别并融入城市景观中，而且绘画的数量之多，使Haring在作为艺术家的早期，尝试完善了他自己的图像词汇库，建立了他的图像语言，然后在整个职业生涯中从中都在使用它们。
Pop Shop不止在售卖他的印刷商品，也在向整个纽约售卖他想要传达的思想。
2005年被关闭的Pop Shop
“我的哲学总是认为艺术可以真正与更多的人交流，而不是能够负担得起并’理解它’的精英群体。”
由此Haring的符号语言也成为了整个城市中的一种文化现象。
每当说到Keith Haring还是会提起他那一长串的好友名单，不只80年代艺术天才Jean-Michel Basquiat，还包括波普艺术家Andy Warhol、流行音乐天后Madonna等。
他们与他合作，并在Haring作为艺术家的成长过程中支持他。
Haring与Madonna
在整个80-90年代，Keith Haring不仅活跃於纽约艺术圈，也因此认识了这群名流。
Keith Haring与 Andy Warhol
在名为《Andy Mouse》的系列绘画中，他把曾把Andy Warhol与米老鼠融合一起，此外，Keith Haring还为Madonna设计服饰。
Haring和Basquiat在艺术创作的内容和方式上，都有相似的地方。Haring有自己的符号语言，而Basquiat也有自己特定的人物形象，他们都在作品中表达了在那个时代下，他们对社会和政治问题的看法。
Haring持续关注着儿童、以及吸食违禁药品的青年、黑人群体等领域，而Basquait身为一位黑人艺术家也在作品中表达着对种族和阶级问题上不公的愤怒。
每年优衣库与艺术家的合作款里，连续两年都将Haring和Basquait的作品放入了一个设计系列当中。
优衣库网页
在2019年澳大利亚墨尔本的NGV美术馆，首次举行了他们的合展，并且有许多动态视频回顾了两人的创作过程。
NGV网站，展览页
其中展出的作品中，有一个20分钟的视频，Haring在一块铺在地面的画布上，不间隙的画满了极具他风格的简单线条的图案。整个过程没有停下来思考，他似乎沉浸其中，一切都水到渠成。
高高的Haring赤脚蹲在画布上，似乎就是一个在创作的世界里自由玩耍的孩童，认真且享受。
Haring作画，视频截图
而两人的友谊也一直持续到Basquait离世，在1988年8月12日Basquait去世后，Haring创作了《给让-米歇尔·巴斯奇亚的一堆王冠》，Haring用他自己的风格，绘制了Basquiat喜欢使用的王冠符号，最后一次向他的朋友致敬。
Haring作为20世纪末的重要的艺术家，至今都在影响着许多年轻艺术家的创作。
Haring在一生中持续关注着整个社会的动态，而他的创作风格也影响着许多人。现在风靡一时的Kaws也是从在纽约街头的海报涂鸦开始艺术创作。
Kaws早期在Haring涂鸦的照片上涂鸦
而另一位英国靠社交网络走红的Mr. Doodle则沿用了Haring使用简单的线条的绘画方式。他的作品在短短九个多月内在三大洲的销售室积累了近470万美元（约3062万人民币）。
Mr. Doodle
而苏富比此次于3月5日开始网络拍卖的，是Haring在1985年开设的Pop Shop中的丝网印花和其他流行品的标志性图像原版画作。
苏富比网页
12幅画展示了Haring视觉图像中较为经典的形象，包括最好的朋友、吠叫狗、杂技演员和舞蹈家。
这12幅作品每幅都为11 x 14英寸，展示了Haring这些角色的特点和他绘制的主题，反应着他对当时社会政治兴趣。
将要拍卖的12幅作品
每一幅作品拍卖估价为10-15万美元（约65.22-97.83万人民币），似乎看起来单幅的价格并不是太高，但如果以系列收藏，可能会达到120-180万美元（约783-1174万人民币）。
这套12幅画自1985年创作以来首次一起展出，完全的展示了Haring当时开创性的创作风格，他是去世20多年后遗产继续增长并影响世界的艺术家。
Haring在2016年香港苏富比拍卖的23幅组画，是目前他的作品中的最高成交作品，成交价为824万港元（约692万人民币）。
23幅组画作品
在2020年MoMA的现代艺术展厅中，也展示了Haring的超长幅画作。
MoMA展厅内，摄于2020
Basquiat和Haring虽然在作品的拍卖成交价相差很多，但实际上两个人是同时期非常具有代表性的涂鸦艺术家，至今也总是被一起提起。两人曾是同时期的知己好友，谁知在离世后近30年两人作品的市场价相差甚远，Basquiat的最高成交价已达到了上亿元。
而Haring的作品拍卖价格一直维持在千万左右的原因，第一是他开放了自己的作品版权，大量的印刷在各类物品上；第二则是他的一些创作都为巨幅尺寸，并且在建筑物的墙上，很难进行拍卖。
Haring在柏林墙创作
Haring的外墙作品
两人离世至今，作品的价格都在上涨，此后Haring在市场的价格将会有何变化？
近年来在国内Haring的符号也被大量印在手机壳、T恤、帆布包上，他的符号语言继20世纪在西方成为文化现象后，现在又卷土袭来。
也许是当时作品中传达的信息收到了更多的重视，也许是时隔一个世纪，他们的文化符号愈发在当下的社会成为大家所思考的问题。
【凯斯·哈林：艺术可以改变世界】
上世纪7、80年代，纽约正处于破产的边缘，这座城市在富人和穷人之间，在奢华与堕落之间，在光鲜与边缘化之间，在上城区和下城区之间，出现了前所未有的严重分化。纽约的艺术界也呈现出一种精神分裂，一边是上东区的波普巨星，一边是实验东村的涂鸦艺术家。哈林不愿意艺术设有任何的门槛，他希望艺术属于每一个观者，没有阶级与制度。他满世界不间断地“画小人”，从地铁站到博物馆，从广告牌到柏林墙，速度越来越快，线条越来越流畅，越来越明确的符号化，越来越深刻的主题，从不为人知到举世闻名。1990 年 2 月，哈林去世了，年仅 31 岁。
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