险被波洛克之光遮盖，却更狂野的加拿大艺术家 | 里奥贝
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Jean·Paul·Riopelle (1923--2002)
[ 壹年・探艺术史 ]，作为【海报地图】 艺术传播项目的局部，我们一年小组的伙伴们，将和你，一起来探寻，十二位二战后西方现代艺术大师的生平，以当代视角重新解读这些历史创造者的艺术价值。
“海报地图”项目之“壹年艺术史” 今日主推艺术家——加拿大抽象抒情主义代表画家
让·保罗·里奥贝
（Jean·Paul·Riopelle ）
历史，正是由一些发光的碎片串成的 ......
上世纪五六十年代，操着一口流利法语的加拿大画家让·保罗·里奥贝坐在巴黎一间露天饭馆，吸着香烟，摇着酒杯。
“看来成为画家还是挺好的，起码不用整天面对那些镜头。”
他耷拉着巨大眼袋的眼睛瞟瞟镜头，又看看采访人。说完这句话，他爆发出巨大的笑声。宽大的牙龈和高耸的鼻子呈十字方向，将他的脸拉伸开来。无论是梳着背头皱着眉头回答问题，还是顶着一窝乱发解开上衣纽扣面对镜头，里奥贝永远都是一副没有睡醒的样子。
年轻时的里奥贝
里奥贝，“自动主义”绘画的创始人之一和抒情抽象主义代表人物之一，是二十世纪最重要的加拿大艺术家之一。有人形容里奥贝就像是一头“斗牛”。平时为人很温和，但一看到抽象画作的时候就如牛看到红色，掌控的欲望一下子被点燃。也或许正是心中这股对艺术的掌控欲望，使得他在艺术道路的探索上永无止尽。
欲了解更多里奥贝生平可阅读下文 ：
“破坏分子”的“自动绘画”之路
1928年10月7号，加拿大魁北克的一个房地产商人家庭诞下了一名男婴，取名叫简·保罗·里奥贝。里奥贝十三岁时，教数学和法语的家庭教师开始在周末教授他画画，他表现出了极大的兴趣和天赋。自那之后，他谨记着这位启蒙老师给他的教导：“绘画便是模仿自然。”
这是他进入绘画艺术的第一枚指向标。
成为画家的念想初出苗头，就遭到了家里人的强烈反对。作为资本家的父亲，希望他能够子承父业，最起码成为一个建筑师而不是画家。
1941年，年轻的里奥贝和家庭决裂，孤身前往巴黎。
他一开始在综合理工学校学习建筑和摄影，但是不到一年他便转学去了不那么学术化的凡尔赛美术学院。加拿大画家博尔都亚（Paul-Émile Borduas）恰好在这个学院教书，里奥贝是他的学生之一。一开始，这对师生相互排斥。博尔都亚不欣赏里奥贝那种“模仿自然”的绘画方式，里奥贝也反对博尔都亚的论调。博尔都亚因此给里奥贝起了个“破坏分子”的外号。
创作中的里奥贝
但是正是在博尔都亚的潜移默化之下，再加之阅读过旨在打破传统制约的安德烈布列顿撰写的书籍，他开始尝试非写实的绘画，向无意识的绘画方式敞开了心扉。也是在这个时期，他走上了“自动绘画”这条道路，并签署了博尔都亚为领导的《完全拒绝宣言》（《Refus global manifesto》）。这个宣言旨在反宗教，反社会规则的束缚。也折射出了里奥贝一生所追求的思想——打破既定约束，追求自由。
里奥贝不仅不顾家里反对，成了画家，还投身了父母非常反对的现代艺术，这让他的父母一气之下终止了对他的财政支持。
“加拿大很多有钱人，当然，指的不是我这种。”里奥贝接受采访时笑着说。
这个时期的穷困，他似乎不太在意。相反，他就像是推石头上山的西西弗斯，终点在他心中，不在眼前。
里奥贝和Marcel Barbeau，穆索(Jean Paul Mousseau)和Bernard Morisset在Barbeau临时租的棚屋里画画，他的第一幅的自动绘画作品就在此诞生。很可惜，因为工作环境恶劣加上缺少资金购买好的颜料，那个时期的作品只有很少一部分保存了下来。
到了1947年，里奥贝创作了足够多能称之为“自动主义绘画”的作品，并且获得了高度的赞赏。 这批早期的作品主要分为两类：一种是水彩画，画中全是像网一样的黑色线条和连贯的色彩浓厚的线条交织在一起；另一种则是因颜料的厚重粘稠而使得笔触极具稳定性的油画，能控制在无意识状态之下的随意性，使得人内心深处的景象得以呈现。法国超现实主义艺术家称这种呈现为“内景”。
《Art Market Monitor》
定居在巴黎之后，里奥贝自然而然地融入超现实主义画家的圈子，并作为唯一一个加拿大人和其他超现实主义画家一起展出作品。尽管他和这个群体走得很近，但是他始终将自己分离出来，与所谓的群体保持距离。他常在自己的相片上写“Wild Canadian”（狂野的加拿大人）来标注自己，并且坚持独立展览。
“他是一个具有传奇色彩的人。”熟知他的人这样评价他。“里奥贝飙车很疯狂，并且拥有一条自己的船，他的人生都在快车道上。”
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追逐“彻底随机”的自由——投身抽象主义
只是这段日子并没有持续很久。
四十年代后期，他的画风发生了巨大的转变：从超现实主义跳离，转向抒情抽象主义。里奥贝认为，只有“彻底的随机”才能让他开创绘画的新发现。他产生了脱离自动主义的想法，尽管此时他的画作和技术仍然忠于无意识创作的核心。他摒弃了日常的画笔，转而运用小铲子，调色刀甚至是毛巾，在画布上制造出无数狂暴多彩的立方体和三角形，以此达到充满力量的视觉效果和氛围。
《Untitled》 1946
五十年代前期，滴画法吸引了他的注意力。因而他在创作方法上越发大胆自由，并充分发挥了随机性——索性直接把调色刀和刷子沾上大量颜料“扔”到直立摆放的巨大画布上。
《pavane》 1954
五十年代至六十年代，他的绘画风格走向成熟，与此同时，他的画作也备受肯定，不断地在世界各地的著名展览中展出。1952年他在圣保罗双年展上得到了广泛的关注，1953年在纽约的古根海美术馆中参与了欧洲年轻画家的展览。接下来的一年，他开始在皮埃尔·马蒂斯美术陈列馆里进行作品展览。同年，他还作为加拿大代表和博尔都亚等人一同参加了威尼斯双年展。1962年，则作为唯一一个代表加拿大的艺术家，参加了威尼斯双年展。这些成就为他赢得不少业内关注，也吸引了一批追随者，包括画家安德烈·布勒东，山姆·弗朗西斯和剧作家贝克特。
《Perspective》 1956
他将颜色从管中直接挤压到画布上，创作出大型彩色的马赛克绘画。
但他所追求的自由从来不会让他止步于眼前的肯定。六十年代开始，他的绘画由水墨转向了水彩，石印，拼贴画，甚至还有雕塑装置。他不断用各种技艺和工具去接近他心中的画面。
装置艺术品《La Joute》 （决斗）
除了不断上升的艺术事业，爱情也随之降临并如火焰般席卷了他。1959年，他遇见了美国抽象表现主义画家琼·米切尔，两人展开了一段刻骨铭心的恋爱。
琼·米切尔
没有比“stormy”一词来涵盖这段关系更为贴切的了，把它翻译为“狂风暴雨式的爱情”或许并不为过。一方面两人在认知和艺术方面相互碰撞摩擦出耀眼的火花，对彼此日后的作品产生重要影响；另一方面这段充满激情的感情在酒精的作用下又逐渐燃烧殆尽。
他们像是两棵独立平行的树，拥有着各自的生长天地。纵使他们一起从巴黎搬到莫奈曾经居住过的吉维尼，却各自拥有独立的房子和工作室。独独一日三餐和喝酒聊天，两个人必须是一起做的。
里奥贝和米切尔
里奥贝给米切尔起了个外号，叫作“Rosa Malheur”，来源是一个叫“Rosa Bonheur”的以画动物出名的画家，取自她名字的谐音。似乎除了吃饭喝酒之外，玩文字游戏也是两人之间相处的一部分。
只是这对灵魂伴侣没能走到最后。这段关系维持了二十五年，最终走向破裂。
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“我必须马上就能画”
“他手上会一次性抓三个或者四个颜料管子。”有人曾这样形容他。
里奥贝是一个高产的画家，终生创作出的作品超过六千，其中绘画作品就超过两千幅。如果把他想象成一个急于创造作品的工作狂，那可就错了。
他每天都会去自己的工作室，打开看一眼就关上门去街角的小酒馆是常有的事。“每天八点开始工作，中午午休吃个饭，一直工作到下午六点。这种工作模式对我而言，是不存在的。只可能有我连续工作48小时的情况。”他认为一个艺术家就应该是根据情绪来工作，要把自己放在一个能让他内心感受涌现的情景之中。而一旦这种情景出现了，时间这个概念也就消失了。
海报地图项目推出的“里奥贝”系列海报之一
“高产”或许得益于他一次性画完一幅画的习惯，他常常会在开始画之前就准备好所有的颜料。
“如果调色板上的颜料不是我自己选的，我会感到很不舒服。当我工作的时候，我不能浪费时间来找，我必须马上就能画。”里奥贝说。
当人们总结他的绘画特点的时候，总会提到篇幅巨大的厚涂颜料绘画法。他为此也作出了解释：“这样厚重的绘画并不是有意而为之的，而是无意识的。因为当我开始画一幅画，我常希望能用较少的笔触去完成。我会把第一抹色彩随意涂在任意位置，但永远都达不到我想要的，所以我就多加一点，又多加一点。我从没想过要画得很厚重，毕竟这些颜料管子可贵了。”
“海报地图项目推出的“里奥贝”系列海报之二
得益于色彩的厚重多样和巨大的篇幅，构成了他作品的第二个特点：色彩肌理的光泽范围十分广阔。层层叠叠的颜料堆积成画布上的“小山”，与此同时颜料较薄的地方则形成凹陷。因此光线照射的方向不同，强度不同，画布上的颜料的光泽则处于变化之中。一切都由当时当地的天然光线进行发挥。
从作品的创作过程一直到作品被摆放在各个展区，偶然性始终贯穿其中。
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“具象”的回归
到了七八十年代，里奥贝归国越来越频繁。和米切尔分手后，他索性在魁北克建立了另一个工作室。在加拿大北方狩猎期间，冰川和冻土形成的黑白两色风景使他备受触动，因而催生了这个时期的系列作品——Icebergs（冰川）。
《Icebergs》（冰川）系列第19号作品
《Iceberg》系列第25号作品
这段时期他将目光从“内景”中跳脱出来，转而投射到大自然中。他回归了对具体事物的描绘，动物形象逐渐出现在了他的画布上。由于极其痴迷于飞鸟，这段时期他创作了大量“飞鸟”意象的绘画。这又和早期那种“模仿自然”的绘画大相径庭，他画的更多是具体事物在心中幻化的模样。他从来不向别人解释他在画什么，而是让观看者去想象。这正是他的作品所产生的力量。
《Dove Of Peace》
《致罗莎卢森堡》其中一幅
在里奥贝创作生涯的最后阶段，外界已经摸不清他的绘画风格到底应该归结到哪一个流派。因为这个时候的他，又丢掉了手上的调色刀而尝试用喷雾瓶来进行创作。
海报地图项目推出的“里奥贝”系列海报之三
1992年，里奥贝进行了人生最后一次，也是最大的一次创作——一组由三十幅作品组成，长达四十米的名叫《Hommage à Rosa Luxemburg》 （《致罗莎卢森堡》）的作品集。
《致罗莎卢森堡》 1992年
这其中的缘由是曾经的爱人米切尔离开了人世，里奥贝听闻之后马上开始了创作。他借此作品回忆这段往昔，述说着只有他们之间才能听懂的密语。之所以叫罗莎卢森堡，是因为这位共产党领导者曾经在狱中向党人传送用暗码写成的秘密消息，也和始终没能结婚的爱人传递书信。这其中影射的含义不言而喻。
但这是里奥贝最后一次和她玩文字游戏。
这幅作品也解开了世人的疑惑。在它完成之后，大家才醒悟到这幅画是受到了城市涂鸦的启发。他一直在探索着更新的创作方式，默默地观察着周边世界的变化，时刻准备汲取营养。
“海报地图”项目推出的“里奥贝”系列海报之四
2002年3月，七十四岁的里奥贝最终在圣劳伦斯河上的一座孤岛走完了人生的最后一段路。魁北克州为他举行了声势浩大的葬礼，四卷里奥贝作品集也随后集结出版，他的作品回顾展在世界多地巡回。作为二十世纪最重要的艺术家之一的里奥贝，到如今仍然拥有着持久的艺术魅力，而他的作品也将作为他永恒的一部分一直存在下去。
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“海报地图”之“里奥贝特辑”系列海报
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