探展MENU | 四月甄选展讯
策展人探展清单
本期探展甄选三场近期开幕，却因疫情严重刚开幕就被叫停的重量级展览。应当下国际形势，“探展”板块将在接下来的几期作出内容调整。外食承诺，会持续更新丰富有趣的内容，大家敬请期待。
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3月17日，泰特全线美术馆（泰特现代、泰特英国、泰特利物浦、及泰特圣伊夫斯）宣布执行暂时关闭政策。因此，这场近20年来安迪·沃霍尔（Andy Warhol）在泰特现代美术馆的首次回顾展，在开幕仅仅五天之后，也被迫中断。展中有他家喻户晓的玛丽莲梦露、可口可乐、金宝汤罐头等经典波普艺术作品，也有30年来首次在英国展出的作品。本展览通过他的个人故事和世界观，探索他的作品宗旨、媒体实验、以及他刻画自己公众形象的方式。
沃霍尔凭借其对美国文化中的消费主义、名人崇拜以及反主流文化的创新描绘，从一个广告插图师变成纽约社交圈的中心人物。他是一个受欢迎的激进派、彻底的流行艺术主导者，在这个社会与政治伴随科技快速变化的时代中重新定义了艺术。
他一生的故事和毕生作品，按照时间顺序被放置在12个展厅中。这是一次“关于这个超级明星波普艺术家的非凡人生和他的作品的崭新解读” 。
沃霍尔的原名为ANDREW WARHOLA（安德鲁·沃霍拉），1928年出生在美国匹兹堡，父母是来自斯洛伐克的移民。21岁时，他移居纽约，以广告插图师为生，并改名为Warhol（沃霍尔）。他是一个同性恋，在当时美国同性恋非法的环境下加入了一个有设计师、诗人、舞者和艺术家的同性恋团体。二十世纪五十年代，沃霍尔的首次公开展览就是关于年轻男人的素描。当时的人们都认为他过于娘娘腔，其艺术作品过于商业，类似于广告插画。直到十年之后，他的艺术才被大众认可。
Andy Warhol, Elvis I and II, 1964, Art Gallery of Ontario, Toronto.
到了六十年代，沃霍尔受纽约画廊中新艺术浪潮的启发，开始将手绘图和富有表现力的广告图像结合，很快形成了一种具有鲜明平面图形的艺术风格——现在被称为波普艺术。他通过对消费品图像的再创作，描绘了当时经济社会快速发展和人们对物质文化的追求。为了加速他的图像复制，他还运用了商业生产中的“丝网印刷”技术，将报纸杂志中的照片多次复制到画布上。他曾说：“创作波普艺术就像是一台机器在创作，每个人都应该是一台机器，因为机器不会歧视谁，不管性别差异，每个人都应该喜欢所有人。”
1963年，沃霍尔建立了“THE FACTORY” 。可以说，这座银色“工厂”成就了沃霍尔。在这里，他制作出大量的绘画和雕塑作品，以及许多秘密电影。THE FACTORY 作为沃霍尔的实验性艺术工作室和社交场所，将他的名声推向了大众。
在1963-1972年间他和合作者们创作了超过500部电影，它们都不拘于传统电影制造方法，经常没有剧本，记录下在“工厂”中、或经过“工厂”的人们。1965年的时候，“工厂”的场景就开始成为一件有生命的艺术品。沃霍尔曾回忆当时的一个展览，因为过于拥挤而被迫取下墙上的作品，说“这是一场没有艺术作品的艺术展览开幕式！我们不只是在这艺术展览中，我们自己就是艺术展览的作品。”
在新媒体形式的浪潮中，沃霍尔利用印刷品作为宣传工具和实验形式，发表杂志、海报、书籍，还设计了专辑封面。1968年初，他将“工厂”搬迁到联合广场，而在6月3号，一位美国激进女性主义作家瓦莱丽·索拉纳斯（Valerie Solanas）来到新“工厂”，对他开了一枪，而使他经历了鬼门关，身心都遭受了沉重打击。【索拉纳斯曾给过沃霍尔她的戏剧剧本，并曾在1967的电影 I, A Man中出现，她认为沃霍尔盗用了她的主意，她同时提倡终结资本主义社会和男同性恋。】
至此，沃霍尔宣布“工厂”将不再对外开放。枪击的后遗症使他进食困难，需要一直穿着手术胸衣，还变得怕生紧张。尽管有着如此痛苦经历，他还是同意作为著名时尚摄影师理查德·阿维顿（Richard Avedon）的模特拍摄，并把他的胸衣比做YSL的裙子。
到1970年代，沃霍尔已经成为国际名流，几乎每天晚上都和其他公众人物在纽约夜店出没，他曾自谑称自己患上“社会病”，加上他作品的公众性质，沃霍尔的频繁公共亮相促成了他独特的公众形象。一些美国艺评者批判他这种社交活动以及为权贵人士画像是一种销售模式。然而这也为他的实验性艺术实践奠定了经济基础。他的社交圈和身体表演融入到了他围绕身体创作的新作中，包括1978年用尿液氧化金属油漆的Oxidation系列，刻画男性身体的The Torso系列。
《60幅最后的晚餐》(Sixty Last Suppers)是沃霍尔最后的作品之一。这幅大型作品是1986年根据列奥纳多·达·芬奇的《最后的晚餐》创作的系列作品的一部分。与他的大多数画作不同，沃霍尔的《最后的晚餐》系列侧重于集体场景。沃霍尔晚年痛失爱人的悲伤，和暮钟将至的悲凉，都在这幅人类集体活动图像中无尽重复。
这幅作品在米兰第一次展出之后，沃霍尔住进了医院，最终因为心脏衰竭，于1987年2月22日去世，享年58岁。
纵观这位传奇艺术家的一生，他从一位商业插画家，成为了转换美国文化意象的波普艺术之父。在一个激进变得流行且对流行激进的时代，沃霍尔重新定义了在社会、政治和技术的剧烈变革中，艺术可以成为什么。
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伦敦赛迪HQ画廊（Sadie Coles HQ）与纽约格莱斯顿画廊（Gladstone Gallery）3月-5月同期展出了莎拉·卢卡斯（Sarah Lucas）的新作展“蜜糖派”（HONEY PIE）。其中的雕塑作品扩展了卢卡斯长期创作的 “兔子” 系列雕塑，它们由日常材料转化而成，试图激起关于性别和身份问题的讨论。
“卢卡斯女士向我们展示了一位坚强、有主见的女性；塑造和构建你自己的世界；超越他人的限制生活；挑战压迫、性支配和虐待会是如何。”
——《纽约时报》
莎拉·卢卡斯（Sarah Lucas）是一位1962年生于英国伦敦的艺术家，是英国最具影响力和重要性的艺术家之一。她擅于利用多种媒介进行创作，作品惯常具有一种玩世不恭的幽默感，家具、食物、小报、丝袜、马桶、香烟等日常用品为她所用，转化成一系列独特且富有挑衅性的作品，用幽默解读情色的欲望，颠覆了传统观念对性别、性和身份的认知。
“兔子”系列最初构思于1997年，作品多为躺在椅子上形似放纵又脆弱的女性裸体。而“蜜糖派”中的作品由“兔子”系列发展为经过拆解或极度扭曲的身体，坐躺在形状大小不一的椅子上。这些雕塑有着明丽的色彩，以及超现实主义的外观，它们造型奇特而带有喜剧性。
在伦敦和纽约这两个展览空间中，分别都有5件由填充丝袜和拾得物制作的雕塑，和5件由青铜和水泥制成的作品。在赛迪HQ画廊中，卢卡斯用十字形结构将画廊划分为多个区域；而在格莱斯顿画廊中，多种形式的雕塑参差放置在各个房间中。
这些有着具有高光泽度表面的青铜与水泥作品与极具肉感的软质雕塑作品在同一空间中形成了鲜明的对比和对话。作品都采用了相同的“身体-椅子”布局，使这些雕像/符号看上去像是由有生命的肉体转化而来。
从铁质椅子包含的坎普风格，到厚底鞋夸张的女性气质，这些椅子和鞋子本身在设计和含义上千差万别。同时，无论是拟人化的“拾得物”、女性裸体的客观化，还是喜剧与禁忌之间难以捉摸的界限，卢卡斯或柔软或坚硬的创作灵感持续专注于那些从最初定义了她作品的主题。
卢卡斯把这些作品放置在外形、色彩各异的基座上，使雕塑的表现风格更加复杂，强调了每个作品的个性。这些底座也将作品抬高至与观众视线相同或更高的位置，试图让雕塑与观众之间的关系更为平衡。与早期系列中的“兔子”雕塑直接放置在地板上形成鲜明对比，卢卡斯投射在这些雕塑角色上的热情进一步放大。
卢卡斯说：“它们有着一种幽灵般的特质，就像另一个时代遗留下来的东西”，“这是硬与软、多彩与朴素的混合体”。作品中一组组荒谬的、对抗性的场景，直面“性”、“性别”、“女权”等此类宏大的主题，在残酷与哀歌、粗俗与抒情之间把握微妙的平衡，塑造出片段式的肉体观感，大胆挑战了社会的规范。
https://www.sadiecoles.com/exhibitions/
https://www.gladstonegallery.com/exhibition/
（图片、文字资料感谢 Sadie Coles HQ 及 Gladstone Gallery）
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