干货 | 幕后全解析这部奥斯卡历史上提名最多的电影
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89届奥斯卡金像奖上，《爱乐之城》拿了14项提名，逼平历史纪录——和1950年的《彗星美人》、1997年的《泰坦尼克号》并列成为奥斯卡历史上提名最多的电影，在此之前还破了金球奖的纪录。
奥斯卡提名：14项，包括最佳影片，最佳导演，最佳摄影，最佳编剧，最佳剪辑等
导演：Damien Chazelle（曾执导《爆裂鼓手》）
摄影指导：Linus Sandgren
摄影机：Panavision Panaflex Millennium XL2
镜头：Panavision Anamorphic（C系列，E系列），Custom Panavision 40mm Anamorphic
规格：Film-35mm（Kodak Vision3 500T 5219，Kodak Vision3 250D 5207），16mm（Kodak Vision3 500T 7219）
屏幕高宽比：2.55：1
今天我们分几点来谈谈《爱乐之城》的幕后干货、策略、想法，看看主创人员们究竟在哪里发力了。
1.宽银幕变形镜头
在与MovieMaker的采访中，摄影指导Linus Sandgren，FSF谈论了使用变形镜头拍摄电影。“因为导演对于拍摄有自己的一套......他觉得这部电影必须用宽荧幕变形镜头拍摄。”
我觉得在2.55的屏幕高宽比拍摄对于此片而言是最合适的，就像前辈在《一个明星的诞生》（A Star is Born，1954）中那样，像1950年代那样的电影，在标准变为2.40：1之前，这就是我们用2.55的宽高比的由来原因。这算是是对老好莱坞电影的致敬。
《一个明星的诞生》（A Star is Born，1954）
所以我们在开头的时候看到本片采用了古老的西尼玛斯科普式宽银幕立体声电影(Cinemascope)，这是20世纪福斯于1953年推出的银幕系统，银幕比例是2.55:1，电影《圣袍千秋》(The Robe)由此成为第一部宽银幕电影。
《爱乐之城》开头
《圣袍千秋》(The Robe)
《爱乐之城》采用柯达超35毫米胶片，有一个序列性质的镜头则用了16mm变形镜头，以及Panavision两倍压缩比变形镜头拍摄，再经过裁边，呈现出2.55:1的画幅比，来模仿CinemaScope的效果。我们用的是Panavision XL2的相机与变形镜头C系列和E系列。
沙泽勒坚持用胶片拍摄，并用以还原一项已经被淘汰近50年的电影技术，与在银幕上大呼“爵士乐已死”的男主角Seb形成呼应。
当然好莱坞还有其他知名的胶片党，昆汀·塔伦蒂诺2015年的《八恶人》，用Ultra Panavision 70拍摄，也是一套被淘汰近50年的摄影设备。
相机需要移动和紧凑地缝接，所以这将引起变形透镜的问题，因为他们通常为近焦点保持三英尺的距离。所以我们让Panavision制作一个特殊的40mm变形镜头，以便能够接近被摄对象。他们为我们制作了一个更加精致的镜头，以便我们可以更接近类似手和细节东西，然后拉开广角镜头。”
2.类型片中的历史渊源
而这一切的电影技术，都是源于沙泽勒拍摄《爱乐之城》的一个初衷，就是向自己热爱的经典歌舞片致敬。
从编舞到场景，从角色造型到镜头设计，各种细节不胜枚举。前段时间，西班牙剪辑师Sara Preciado做了一段《爱乐之城》和经典电影对比的混剪，已经比较丰富到位了。
https://v.qq.com/txp/iframe/player.html?vid=j0373ie8if2&width=500&height=375&auto=0
这段精心剪辑的视频不仅仅是一个简单的对比，更是一次歌舞片历史的回溯。
把里面涉及的片单列了一下，依次为：
《柳媚花娇》The Young Girls of Rochefort(1967)
《油脂》Grease(1978)
《西区故事》West Side Story(1961)
《生命的旋律》Sweet Charity(1969)
《雨中曲》Singin’ in the Rain(1952)
《不羁夜》Boogie Nights(1997)
《随我婆娑》Shall We Dance(1937)
《篷车队》The Band Wagon(1953)
《红磨坊》Moulin Rouge!(2001)
《甜姐儿》Funny Face(1957)
《一个美国人在巴黎》An American in Paris(1951)
《红气球》The Red Balloon(1956)
《瑟堡的雨伞》The Umbrellas of Cherbourg(1964)
《锦城春色》On the Town(1949)
《百老汇旋律1940’》Broadway Melody of 1940(1940)
我们可以看到《爱乐之城》是用歌舞片的子类型（包括：传统的米高梅歌舞片、华纳歌舞片、大爵士及当代的乐队片、演唱会电影）在各段落相映成趣，有传承，又能带出类型演变，拥有历史底蕴的积淀。
《瑟堡的雨伞》（Les parapluies de Cherbourg，1964）
这当然得益于演员和影片团队从各处汲取灵感。
从预演一直到制作过程，整个团队每周都会组织观看诸如《礼帽》（Top Hat）、《雨中曲》（Singing in the Rain）、《柳媚花娇》（The Young Girls of Rochefort）等影片。但是，他们并不限于经典歌舞片。
《柳媚花娇》（The Young Girls of Rochefort）
沙泽勒还提到了费里尼的《八部半》，“这是一部让你不断有看片冲动的影片”，影片开头高速路上堵车场景的灵感就是来源于此。
当看到格里菲斯天文台时，就像我们重现记忆中的詹姆斯·迪恩（James Dean）的《无因的反叛》。山上的光线覆盖整个城市，它就像是一座伟大的装饰艺术的建筑。
《无因的反叛》（Rebel without a cause）
《爱乐之城》中的红夹克
3.拍摄手法的推陈出新
电影剧情很简单，台词也不繁复，真实而自在。
它的独特正是它的叙述方式，音乐剧的表达恰如其分，舞台剧式的布景来回穿插，能运用长镜头和蒙太奇早就不是什么新鲜事，而它又赋予了他们新的生命。
我们可以看到在《爱乐之城》中连贯的歌舞的长镜头，以及故事结尾给整体叙事带来的大幅升华。
倒叙式的剪辑给出了另外一种结局的假设，整部电影的情感张力和冲突正在于此。
导演曾经表示：
《爱乐》我们有了彩排的时间，《鼓手》实际上并没什么时间彩排。《爱乐》筹备的时间更充足，有4个月，但是《爱乐》像是在同时准备3个项目，电影本身、音乐专辑和芭蕾舞剧。因此每个部门的每个细节的变化都会扩展到所有人。每天都是和时间赛跑。另外，筹备期每一个技术细节都要在开拍前解决掉，因为影片有很多外景拍摄，要抢特定的时间来拍摄，总的拍摄时间就很短。
4.音乐与录音设备
《爱乐之城》获得的奥斯卡奖项：包括最佳音响效果，最佳音效剪辑和最佳原创配乐等声音奖项。
导演在谈及音乐的时候表示：
“我从音乐之中得到了最大的帮助。影片的歌曲和旋律在拍摄之前就创作好了，甚至在我写剧本的阶段，那些音乐就伴随我。这帮助我及早确定影片的情感落脚点。在剪辑的一年里，赫维茨一直和剪辑师、我一起工作，为影片配乐。我们没有使用任何临时配乐，因此从剧本阶段、拍摄现场到后期，音乐保持了连贯性。而他的音乐具有独特的情感调性，像一种语言一样，表达出很多东西。”
《爱乐之城》的录音师Steven Morrow在分享自己的实际工作时，表示越来越复杂的拍摄环境，对于录音设备轨道数量的要求也越来越高，这一需求也同样促使着Morrow寻找最新可用的多轨道录音设备，这次《爱乐之城》的录音正是用了Sound Devices的970。
“做《爱乐之城》的声音录制时，他们想尝试将一大堆声音都放到回放轨道，最终根据音乐总监和导演的要求，我们记录下了包括乐器声在内的所有声音。任何你在银幕上能够看到的事物，它们发出的声音我们都需要一一记录下来。因此，我立马就意识到了我们需要更多的音轨来作记录。此前的788T已经不能满足我们的工作需要了，于是在电影开拍前我立刻买了两台970。这样一来我就有足够的时间快速熟悉这台新设备，虽然它旗下的设备使用起来都是大同小异的，但是有备无患。”
Sound Devices 970
970是一款强大的支持64轨Dante和MADI的多轨录音机，以24bit、48kHz WAV文件从其144路输入连接记录64路单声道或多声道。
在做《爱乐之城》中舞蹈场景的录音时，Morrow将他的970与Mackie 调音台和RedNet 2音频分配系统搭配使用。除此之外，他还使用到了一个森海塞尔MKH-50吊杆麦、一个Comtek PR-216接收器、几个Sanken领夹麦和Lectrosonics SM麦克风，外加一些无线迷你Lectrosonics SSM麦克风。
970监视器界面
“当我们做片中大型音乐会场景的声音录制时，每一个现场收声的麦克风都有一路音频信号反馈回来。我们需要32条音轨，因为有大量的声音需要拾取。例如数码鼓的声音，我们用到的数码鼓不是单声道的，而是双声道，它是一个立体声的数码鼓组合，所以我们需要一个立体声的反馈，这样一来就占据了两条音轨。除此之外，还有三个角鼓、三个歌手的声音也需要拾取。总之，一大堆的声音要捕捉，所以多轨道录音机是必需的。”
而在《爱乐之城》里，音乐是无形的精神存在，更是有形的物质存在。这些使用设备正是支撑起这些意识形态的功臣。
5.导演的passion
沙泽勒85年出生，从小喜欢电影，之后着迷于音乐，高中时期梦想成为爵士乐鼓手，却无法在舞台上摆脱害羞，甚至因此而怀疑自己没有成为音乐家的天分。
2010年，25岁的沙泽勒带着《爱乐之城》的剧本，从美国东岸搬到洛杉矶，希望能找到投资，让他把这个现代故事拍成传统风格的歌舞片。
一起跑到好莱坞碰运气的，还有他哈佛大学的室友、乐队键盘手Justin Hurwitz。一年前，沙泽勒用16毫米黑白胶片拍完了毕业作品——首部长片《公园长椅上的盖伊与玛德琳》，Hurwitz包办了片中的所有音乐。
贾斯汀·赫维茨在《爱乐之城》拍摄现场指导高司令
如果有机会，我推荐大家看看这部成本极低的处女作。
《公园长椅上的盖伊与玛德琳》
当然没有哪家公司会投资这样的项目——新人原创剧本，没有音乐剧原作，甚至没有一首成型的热门歌曲。至于爵士歌舞片，大多数业界人士的回应是，这是一种已经灭绝的类型片。
之后，之后就是大家能够想象出来的，关于《爆裂鼓手》背后沙泽勒的发迹史。
沙泽勒的三部影片都与爵士音乐有着迷之亲近的关系。两部音乐歌舞片自不必说，《爆裂鼓手》是一个离开音乐不成立的故事。沙泽勒拍片现场时刻不离音乐，甚至在剧本创作时就沉浸其中，他就快成为最会拍乐器演奏的导演了。他说“一直以来，我就是想找一种很酷的方式来拍爵士音乐”。
导演沙泽勒的父亲是美国人，母亲是法国人。而电影就像他自己一样，美-法的完美结合。
6.最后
不管艺术或技术，都会受到他们的前辈的影响，然后留下自己的问题和答案。 没有电影是真的横空出世的，即使在电影的诞生之处，也是从画，摄影，戏剧，文学和其他形式的艺术中习得的。
《爱乐之城》是这样一个典型的例子，很多经典，很多历史，还要保持导演的思想，以及个人创作的特点，而不是完全复古的怀旧。
（录音设备节选来源于：
LocationSound同期录音网，欢迎关注）
作为《爱乐之城》的剪辑师，有着21年一线实战经验的汤姆·克罗斯跟导演沙泽勒已经合作过多部作品，2015年，他凭借《爆裂鼓手》一举拿下奥斯卡最佳剪辑奖；2016年又凭借《爱乐之城》再度提名奥斯卡。
2019开年第一重磅，新片场学院邀请到了汤姆·克罗斯来亲自跟大家分享他的剪辑经验，这也是他首次来华分享！
这次线下分享中，他将亲自传授如何挑选剪辑素材、如何根据角色和剧本确立剪辑风格、如何处理转场以及不同类型影片的剪辑技巧等大量干货内容。在第3日的实训中还将亲自带领进行实战剪辑训练，现场进行指导答疑。
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