在后期剪辑中，你怎么确定剪得节奏就对？

近日，华鼎奖、白玉兰奖先后颁布获奖名单，引发业内的广泛关注。对于任何一个影视从业者而言，获得一个知名的奖项都是对自己的努力与付出的认可。不过，对于剪辑师而言，想获奖却似乎格外困难。

其他奖项如最佳导演奖、最佳男主角奖等奖项，候选人表现好坏自有公论，而剪辑如何界定好坏却始终缺乏真正的标准。剪辑这种技术与艺术相结合的工作，不仅观众不了解不明白无法投票，就连剪辑师自己也各自有自己的评定标准，不一而足。

但是，《爆裂鼓手》却是一个例外。虽然无法说《爆裂鼓手》的节奏就是最完美的剪辑，但它却被公认为是教科书式的“灵魂剪辑”，它用剪辑敲打节奏，呈现爵士乐场上的野蛮搏斗。无论何时回头去看，《爆裂鼓手》的剪辑思路与方法都值得反复推敲，不断学习。

快刀碎裂剪辑，呈现搏斗般的爵士演奏

《爆裂鼓手》讲述渴望成为顶尖鼓手的安德鲁、与严苛的爵士乐团指挥弗莱彻，在追求完美音乐的道路上，两人间的角力拉扯；整部电影里，一连串事件皆围绕敲击的鼓声展开，并于尾声以彼此报复般的演奏，激荡起全剧的高潮。

“达米恩希望音乐场景能像战斗场景般，令人感到暴力、野蛮、和凶猛。”谈及这部爵士乐电影的剪辑基调，剪辑师Tom Cross表示，“达米恩告诉我，他首先将这部电影想像成一部动作片，其次才是一部音乐电影。”

《爆裂鼓手》的故事灵感源自导演达米恩·查泽雷学生时期饱受乐团指挥折磨的亲身经历。电影中精准掌握节奏、牵动人心的影像叙事，让初次剪辑剧情长片的剪辑师Tom Cross凭借此作摘下奥斯卡金像奖，赢得业界的肯定与瞩目。

“《爆裂鼓手》里的鼓声为电影带来一种固有的节奏，在观众的内心设置了节拍器。”Tom Cross说，在音乐场景中，这样的节奏非常具有存在感，所以能在声音与影像之间，建立起相互呼应的模式。

与多数电影“避免剪辑痕迹”的做法不同，为表现音乐场景的节奏感，剪辑师Tom Cross，将乐器、鼓、鼓棒、人物等特写镜头，以快速、碎裂的剪辑，随着节拍穿插于演奏片段。对此，剪辑师Tom Crosse更补充：“达米恩想要镜头间的断点是明显的，好让观众感受到画面的切换和其中的速度。”

例如在影片最后的一场演奏中，从安德鲁黯然离席，在后台和父亲抱成一团开始，便展开了一场“教科书式”的快刀剪辑手法。趴在父亲肩膀寻求安慰之后的安德鲁，眼神中充满坚毅。他推开父亲，重新走回舞台。

再次坐回鼓手位置的安德鲁让弗莱彻惊叹不已，但弗莱彻哪是等闲之辈，一看这个眼神坚定的小子就知道大事不妙，于是回头面向观众，宣布下一首是慢曲，也就是不靠鼓点，不需要鼓手。

然而安德鲁不等对方做好准备，突然猛烈地奏起自己最熟悉的歌曲。在这里剪辑师选择一个完全遮挡住人物，只露出他愤怒双眼的机位，他要让世人知道自己的实力，并且反过来向弗莱彻复仇。

接下来有一个三镜头连剪，同一机位由远、中、近景硬切，这样的剪辑方法实际上是违反流畅剪辑原则的，但也正是这种突兀，可以提起观众的注意。类似的用法，几乎已经是日本电视《孤独的美食家》的标志性剪辑了。

而影像的速度感和紧迫感，也使《爆裂鼓手》的爵士演奏，异于人们印象中的优美和谐，反而像《愤怒的公牛》里的拳击场面般，流露暴力野蛮的氛围。Tom Cross说：“达米恩希望观众能够体验，乐手在练习与演出时的肉体状态，以及仿佛面临生死关头的心理压力。”

融合多样剪辑风格，塑造不同场景氛围

导演达米恩·查泽雷同时也非常清楚，他并不想把这种冷酷、精确的剪辑方式，强加于电影里的所有场景。剪辑师Tom Cross说：“在演奏场景中，是由音乐提示剪辑的速度节奏、情节的高低起伏；但在处理对话、或无音乐场景时，剪辑是根据表演决定。”

“不同的剪辑风格反映了安德鲁的世界。”譬如鼓手安德鲁与女友Nicole共处的片段，剪辑师Tom Cross便采取较传统、舒缓、及浪漫的剪辑风格，不着痕迹地透过镜头的组合，表现人物关系和情感变化。剪辑师Tom Cross表示：“大致来说，安德鲁与他人互动的场景往往更为慵懒，而指挥弗莱彻出现的场景则是暴戾、激烈的。”

就像在影片的开场，黑幕下的鼓声中，安德鲁在长镜头中出现，忘我的练习着击鼓，直到弗莱彻出现打断安德鲁练习的节拍并将他拉出自己的世界。这一下剪辑给观众一种感觉：安德鲁被弗莱彻的气场压制了。

随后，不论安德鲁是否在说某句话或做某个动作，镜头都会在弗莱彻讲话开始的瞬间切到弗莱彻。让观众意识到，在双方的关系中，安德鲁处于绝对弱势。

这一点依靠之后的剪辑体现的淋漓尽致。弗莱彻让安德鲁加入乐队，并且要求第二天绝对不能迟到。然而，下一个镜头，安德鲁惊醒，闹钟上显示6：03。他迟到了，并且他的节拍也落后于弗莱彻。

从此刻开始，到影片第一次高潮，安德鲁的每一个镜头都比别人慢了半拍：别人的镜头是摊开的乐谱，他的镜头就是正在翻开乐谱；切到别人的镜头从演奏开始，切到他的镜头就从调音开始。

弗莱彻假意使安德鲁放松，却突然加快演奏节奏。”不是我的拍子“，弗莱彻一遍遍重复着这句话，并开始辱骂男主角，安德鲁被压制着，而弗莱彻恐怖又强大的形象却逐渐变得鲜明。

Tom Cross抓住乐声骤起骤停的瞬间，加快剪辑的节奏，使观众隐隐感受到紧张的气氛；而当弗莱彻第一次动手掌掴安德鲁时，Tom Cross精准切换画面，突显那巴掌声有多么刺耳。

“我们花了许多时间，试图让弗莱彻令人畏惧、害怕。”Tom Cross揭露其营造惊悚人物的秘诀时说，“真正有效的做法，是掌握其中的步调，并借其他乐手的表情来流露恐惧。”

聚焦人物变化，挖掘角色间的冲突力量

随着故事的推展，两个主要角色间的矛盾与冲突，最终于一场公开演出彻底爆发。为完美呈现这个重要场景，导演达米恩·查泽雷事先做了许多准备，不仅做了极其精细的分镜头脚本，甚至每一个转场特效的运动都清晰标注好，作为剪辑工作的参考。

但当Tom Cross按预先规划模板完成剪辑时，却对取得成果并不满意。“它有速度感、充满能量、但没有灵魂。”于是Tom Cross回头检视角色弧线，寻找让指挥弗莱彻和鼓手安德鲁在画面上展露情绪的重要时刻。“我们需要从整段音乐的演奏过程，看到这两人的情绪转变。”

“我们提醒自己，场景真正的力量，来自冲突与两个人物间的关系。”Tom Cross说。在演出开始时，弗莱彻掌握着主动权，安德鲁完全被动。安德鲁拿到了错误的乐谱，正想偷偷起身借个乐谱时，弗莱彻选在这个时间点立刻指挥乐队开始演奏。安德鲁自然无从下手，只能轻轻扫着镲边，努力寻找着乐曲的节奏。

弗莱彻冷冰冰地看着他摇头，几个音符下去别的乐手就听出了不对劲，用鄙夷的目光看着安德鲁。剪辑师Tom Cross很明白这是一部以爵士乐为基础的音乐电影，每一个律动的重复，是画面逐级深化的绝佳参考尺，于是在这里，画面跟着音乐小节的推进，开始剪入更多人鄙夷的目光。

弗莱彻听着一声声不协调的鼓点，找到了最大的满足感，不停地把歌曲的乐章推向一个个的高潮，他每举一下手，乐队则提高一个音量，安德鲁的自尊心则更被砍掉一截。之后，在越来越激昂的乐曲声中，人物和动作都消失了，剪辑进来的是一连串乐器晃动的特写，这正是此时在安德鲁耳中的音乐，没有乐趣只有眩晕。

而在下半场，安德鲁 找回主动权时，便真正的将整部电影推向高潮。“我们聚焦于适当的脸部表情，并确保弗莱彻和安德鲁看起来更加针锋相对。”剪辑师Tom Cross 说，“安德鲁劫持了这首曲子，挟带着对弗莱彻的愤恨，逐渐化身为另一个Buddy Rich （传奇爵士鼓手）；弗莱彻则从开始的惊愕、羞辱、气怒，而后被安德鲁的演奏所折服，意识到他找到了属于自己的Charlie Parker （传奇爵士乐手）。”

“从一开始，达米恩就知道他想拍摄一部人物鲜明、风格独特的作品。”Tom Cross提到，导演达米恩·查泽雷自始至终都企图透过剪辑，传递这个乐手故事带有的悬念、紧张、与狂躁感受。“没有这些角色弧线，你有的只是一段音乐影片，而不是深刻强烈的场景。”

不论是搏击打斗般的音乐场景，或是惊悚悬疑的角色塑造，导演达米恩·查泽雷与剪辑师Tom Cross，以对影像叙事的开放想像、融合不同的剪辑风格，为爵士音乐电影《爆裂鼓手》，谱出让人耳目一新的视听盛宴，也为无数剪辑师留下了可以反复观摩学习的“高超手法”。