时装秀上的衣服经常奇形怪状，不能在日常生活中穿，意义何在？

2016-12-10 扒时尚

莫文蔚——《阴天》

“所谓时尚就是目前的传统，

传统都带有某种必要性，

使人们非向它看齐不可。”

每每看到时装秀上，模特们穿着设计奇葩的衣服一本正经地走猫步，我们难免会想，这么不切实际的衣物设计出来到底有什么用？时装秀的画风从什么时候开始发展成我们越来越看不懂的凌乱状态，这些奇装异服的存在又有什么意义？

400年间，时尚潮流由洋娃娃传递

说起时装秀，不得不说的一个城市，巴黎。1391年, 法国王后伊莎贝拉用木材和粘土制成真人大小的人体模型，穿上新颖的宫廷服装，作为礼物赠送给英国王后安妮。这种玩偶当时被称为“时装玩偶”，它与今天陈列在时装店的人体模型已经十分相似了。

自此以后400多年间，“时装玩偶”在欧洲盛行，逐渐成为礼仪风俗。服装设计师也会将穿着自己设计的衣服的玩偶模特送给客户，以推销自己的服装。19世纪在美国和英国还先后举办了玩偶时装展，被认为是现代时装表演的前身。

19世纪40年代，“高级时装之父”查尔斯•沃斯在巴黎一家销售羊绒披巾、大衣及装饰品的商店里工作，他把模特从玩偶换成了真人，取得了良好的推销效果。

用时装表演的形式来促销时装很快被业内认可，成为时装设计师向顾客展示最新款式设计的最好方式。当时模特表演仅仅是穿上时装，在客户面前即兴的走走停停，让客户看清楚时装的面料和花色而已，并没有什么走台的标准。

1900 年, 巴黎时装协会主席帕奎夫人在巴黎举办庞大的时装展示会，把当时模特展示的场地从平地移到了舞台上，为正规化时装表演开了先河。

几年后，在美国举行的一次大规模时装表演中，大厅中搭起了一个大型平台，一直延伸到观众面前的伸展台，这种伸展台就是T型台的初次运用，它可以使模特儿有更多的时间和空间施展迈着大长腿的猫步，也让观众能较长时间更细致地看到服装的款式结构、色彩搭配和面料质地等，这种独具匠心的创举一直沿用至今。

时装搭上艺术，就开始凌乱

那些颇具创新思维和艺术性的设计风格在上世纪30年代就有了。比如，打破艺术与时装隔阂的超现实主义服装设计。

超现实，顾名思义就是与现实情况相反，其基础为佛洛依德的精神分析学：挖掘一个人的真面目看表面的东西是没用的，得了解这人的潜意识，比如说梦境。超现实主义这种放飞脑洞、不循规蹈矩的新思潮很快影响了时装业。

这种设计风格在诞生之初即便只有少数支持者，也足以凭借支持者的社会名望和财力支持使设计师立于不败之地。事实是，这种艺术性的时装设计风格在当时确实大火。但是随后战争的到来阻断了其发展。

战后，各种艺术风格应运而生，野兽派、未来派、立体派、抽象派等等，时装面貌越来越纷繁复杂，使得战前曾经惊世骇俗的超现实主义女装变得平庸无奇。到了80年代中期，时装发展的脚步放慢，开始重新追溯历史，重拾昔日曾带动时尚潮流的各种艺术风格。超现实主义艺术又在此时复兴。

为什么时装秀上的造型越来越荒谬

最近这些年，时装表演形式更加进入多元化发展时期，秀场上出现越来越多让人捉摸不透的艺术性设计，实用性几乎为零。因为时装秀不再像它刚开始那样只是单纯地营销要卖出去的服装，更多的是偏向艺术上的审美和创新，而不是实用性功能。从这一点上看，模特身上穿的东西和展览里的艺术品意义差不多。

虽然设计师并不指望有谁会花钱买下自己设计的这些“奇装异服”，但是展出这些服装是要花不少钱的——平均一场秀要花费大约4万美元。这些秀的作用在于宣传自身品牌，以及让别人了解设计师的风格，甚至碰撞出艺术的火花或者更多设计的灵感。

每个季度展出的系列都会有特定的主题，航海风、乡村风、维多利亚风……当秀结束以后，这些东西会被时尚界人士转化成能穿的款式，在成衣店或商场里售卖。T台上那些服装的颜色、面料和大概的审美会保留，但那些怪异的特点，比如走秀的模特头上戴一个手提包这种东西会被砍掉。

当然，这些不实用的服装还是会等到第一个吃螃蟹的人的，那就是明星或者巨富，偶尔会穿着设计夸张的服装出现在公众面前。基于这些服装的不实用性，零售商们也不会着重看模特身上穿的东西有没有销售的前景，他们更关心哪场秀赢得媒体和观众的关注，以及这场秀背后的设计师是谁。

时装周里，看秀的时尚界人士一天跑了七八场秀是正常的事，如果场场秀都是正常实用的衣服，看个两天就看吐了，这个时候你就会觉得给模特头上戴个水桶的设计师是多惹人爱了。时装秀上，那几个响当当的大品牌不来点大众眼中的不和谐配色、图案和风格，都觉得这场秀没意思。

更多精彩，点击下方“关键词”查看。