他是人们熟悉的徐悲鸿，也是让人陌生的徐悲鸿
这是他视若生命的《八十七神仙卷》，他仿佛为艺术而生。从线条到色彩，从国画到油画，从创作到收藏，从儿女情长到家国情怀，他是人们非常熟悉的徐悲鸿，他也是让人陌生的徐悲鸿。
《悲鸿生命——徐悲鸿艺术大展》，是中央美术学院为庆祝建院100周年策划的特展。徐悲鸿在1949年后，任中央美术学院院长。作为中国现代美术史上举足轻重的人物，徐悲鸿无论是艺术创作还是治学，都对现代中国美术产生了深远的影响。解读徐悲鸿这样在历史上留下浓墨重彩之笔的大人物，其实非常有难度的，这次我们选择从他最珍爱的收藏开始说起。
中央美术学院美术馆馆长张子康：这张画，对徐悲鸿来说被视作生命是有原因的。因为他看到这幅画，他曾经在跋里题到一句话，就是说，“世界所藏中国人物画，无出其右。”他看到的就是所存（世）的这个中国画里边，他认为这张画是最高水准了。他也跟世界的这个油画，比如说波提切利的油画《春》相比，他认为这张画比那张画还要优秀，因为这张画没有颜色。
《八十七神仙卷》是一幅佚名的白描人物手卷，它被认为是中国美术史上极其罕见的经典传世之作，代表了古代白描绘画的最高水平，它的艺术魅力可以与宋代张择端的《清明上河图》比肩。
徐悲鸿与此画结缘是在抗战时期，1937年5月，徐悲鸿在香港举办画展，偶然得见《八十七神仙卷》，他不惜重金从一位德国女士手中购得此画，从此带在身边，日夜不离。 1942年5月，徐悲鸿在昆明举办画展时，《八十七神仙卷》意外被盗，徐悲鸿深受打击，一度病倒。后来在1944年，他的一位学生在成都发现有人出售《八十七神仙卷》，徐悲鸿得知消息后，倾尽家财，托人以巨款将此画重新购回，从此再未遗失。
中央美术学院美术馆馆长张子康
张子康：最主要的这个画上印章特别的有意思，就是“悲鸿生命”，这个“悲鸿生命”是篆刻家陈子奋刻的。当时第一次他拿到这幅画以后，他就钤上了这方印。他丢失以后，再得到这幅画的时候，他发现这个印章给挖掉了。后来他重新找陈子奋又刻了一枚，然后又钤上。大家看到的是第二次钤上这个印。
《八十七神仙卷》的艺术价值毋庸置疑，但是学界和鉴定界对它的出处与年代一直存有争议，至今没有结论。与它放在一起展出的是宋代武宗元的《朝元仙杖图》，两幅长卷虽然题材相同，画风相近，但是后者的艺术价值却不能与《八十七神仙卷》相提并论。
也许是为画痴狂的性格，成就了徐悲鸿。从他出生起，就注定了与画结缘。徐悲鸿的父亲徐达章是一位民间画家，靠画画养活了包括徐悲鸿在内的七个孩子。在父亲的教导下，徐悲鸿四岁开始识字，七岁开始练习书法，九岁开始学习绘画。从九岁到十三岁，徐悲鸿每天必须完成的功课就是临摹点石斋吴友如的画册。在徐悲鸿的收藏中，也有他父亲的一幅画作。
张子康：徐悲鸿的父亲有七个小孩，他是老大。其实就他真正走出来了。那些小孩一直在农村，我觉得这一点也是看到他父亲的人格的一个魅力。他还是非常有理想，也非常有人格魅力的一个人。
虽然自小就打下了扎实的国画基础，但少年时就已锋芒毕露的徐悲鸿早早就认识到，传统中国画在近代已陷入进退两难的境地，他想要为自己，为中国绘画艺术找一条新的出路。1919年，徐悲鸿在北洋政府的资助下，前往法国留学，接受正规的西方绘画教育。
徐悲鸿艺术大展策展人红梅
红梅：他的学校里面有一个大的玻璃长廊，里面放满了古希腊，古罗马的石膏雕像，人人都可以到那儿去画去学。觉得学得差不多了，就可以提交一个考试申请，统一安排考试，正规地通过了入学考试，就成了正规注册生。而要不是这样，就是旁听生。他是正规的，原因在于他那年考试，在将近四百个考生里面，他考了第六名。全世界的考生里，他能考到第六名，就足见他的这种扎实的基本功，在那一届里面，他是多么的出色。
此次大展展出了多幅徐悲鸿早年留学法国时，创作的素描作品，事实上徐悲鸿是公认的素描大师。他非常推崇十九世纪法国新古典主义画派大师——安格尔，作为院长，安格尔为皇家艺术学院制定了著名的校训：“素描是一切造型艺术的基础”。徐悲鸿早年的一些油画作品，都留有素描。借由这些同样可以视为经典的素描作品，观者可以更容易地在头脑中想象，徐悲鸿是怎样将他的作品从线条过渡到了色彩。
红梅：在西方的古典油画里面，几乎没有见过这样的构图。另外他对于肖像画的一个情节设置。他将一般的肖像画的那种静止的状态赋予了它一种意境，而且是中国古典的，这就是他的一种渗透到他血液里面的，对中国古典文化的致敬。包括他画的蒋碧薇，一种很优雅的略带忧郁沉思的，一种沉浸于自我内心世界的，那种捕捉，非常传神。
蒋碧薇是青年徐悲鸿的缪斯女神，徐悲鸿油画中的蒋碧薇高雅、慵懒，散发着迷人的气质，从这些画中仿佛可以感受到这对年轻夫妇正沉浸在甜蜜的爱情中。只有十七岁的蒋碧薇为了爱情，与徐悲鸿私奔，他俩的结合曾经引起一时轰动。以致于他们分手时，也是满城风雨。徐悲鸿后来与学生孙多慈相爱，但两人最终没有能走到一起。这幅徐悲鸿为孙多慈创作的画像，极少公开亮相，此次也入选到徐悲鸿大展中。
与这幅油画遥相呼应的，是徐悲鸿另一幅著名国画作品《风雨鸡鸣》图，创作于1937年，七七事变后，后来学界通常将这幅作品解读为画家借用雄鸡不屈、昂扬的精神，来号召民众振奋一心，抗击侵略。
红梅：从学术研究的角度，我们对无论多么杰出伟大的艺术家的解读，不仅仅是他的公共形象的那一面，历史贡献的那一面。他首先是一个人，因为艺术是关乎人的，当艺术的最本质是关乎人的时候，怎么样让这个人不是冷冰冰的，不是符号化的，是真实的，有血有肉的，这是一个例证。《风雨鸡鸣》中的公鸡既可以解读成，他唤起民众的一种雄性的力量的，雄壮的，也能感受到他一个人，那么殷切地在用心血，在呼唤他的心上人的那种苦楚。
徐悲鸿以画马著称，其实不仅是马，许多猛禽猛兽在他的笔下都得心应手。这幅《会师东京》，创作于1943年，离二战结束还有两年，抗日战争早已进入相持阶段，画中雄狮、母狮、幼狮前后错落，占领了日本的富士山。在闲章的位置，是一个小小夕阳，寓意日本已经日落西山。
徐悲鸿的画名太盛，以至于他的书名为画名所掩。徐悲鸿其实也是书法大家，他对篆、隶、行、草样样精通，并且能将几种书体融汇贯通，自成一体。通常人们只能在他画上的题跋中看到他的小字，此次大展一并展出了徐悲鸿的大幅书法作品。
红梅：他碑学出身太高了，是康有为亲自带的入室弟子。作为碑学的最重要的大师，康有为亲自教他。让他临碑拓，包括从秦，魏晋以来，康有为收藏有大量的孤本，绝本的，特别精美的碑拓都给他看。所以他在康有为家住的时候，一方面他教康有为的女公子文化知识，更多的时候他跟康有为在交换艺术观点，在欣赏大量的康有为的藏书法。
徐悲鸿终其一生，对中国传统文化、古代书画的保护与收藏不遗余力，他在有限的财力支撑下，积累了蔚为可观的收藏。徐悲鸿有他独特的收藏视角，他看重写实画风，因此收藏的人物画居多，他轻名重品，不太看重是否出自名家之手，而是看作品的艺术水平高低。徐悲鸿的古画收藏中，最著名的莫过于《八十七神仙卷》，他还收藏有一幅扬州八怪金农的《风雨归舟》图，他认为这幅画是“中国古画中奇迹之一”。在现代画家中，徐悲鸿与齐白石私交甚笃，他收藏有多幅齐白石的作品，最难得是这幅齐白石的山水画。
张子康：齐白石跟徐悲鸿可以说是最要好的朋友。从我个人来说，我觉得他从国外回来以后，一直在做中国画改革，所以说他看到中国画有很多非常优秀的艺术。中国画与西画之间，其实他想把这两个东西给打通，然后形成一种新的风格。其实齐白石当时是画传统绘画，当然是非常出色的。
徐悲鸿最有影响力的作品，还是他创作的几幅大型油画，每一幅大型油画作品都可以看作是他的人生宣言，艺术檄文。创作完成于1930年的《田横五百士》彰显了他的英雄主义情结，他欣赏田横为大义而牺牲自我的精神。《徯我后》创作于1931年，“九一八事变”后，国民政府当局消极抗战，徐悲鸿借此作品表达了被压迫人民渴望得解救的心愿。《愚公移山》创作于1940年，当时他游学印度，国内抗日战争也正相持胶着，“愚公移山”寓意知难而进，有志竟成。
徐悲鸿一生致力于“复兴中国艺术”，为此而改良中国画，引进、传播外来画种：素描、油画，提倡写实主义艺术道路，开创现代意义的大型历史画创作先河，他是少有的以自己的作品与国家、与时代同呼吸共命运的艺术家。2011年，历时四年扩建而成的国家博物馆重新开馆，在国博西大厅的正面墙上，一幅宽36米、高12米的巨型浮雕首次面世，它的原作正是徐悲鸿的《愚公移山》。
编辑：王竹、巴塔木
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