25 个影响了世界的服装系列
无论是纽约地铁通风口上飞扬的小白裙，还是流行天后胸前的锥形文胸，服装可以传递出各种信息。某些服装和廓形的诞生，往往是重大社会变革的佐证；我们通过着装来表达无法言说的事情，这反过来决定了我们如何在这个世界上前行，又将抵达何处。从许多方面而言，时尚史，哪怕再不完整，也是人类史。同时，它也是对剪裁、纺织、创新、内部斗争、商业、冒险、何为美以及何为丑的全面回顾。
为此，《T》编辑部组建了一支评审团队，共同评选出「二战」结束至今最具影响力的 25 个女装系列。这支评审团由具有一定声望的专业人士组成：巴黎装饰艺术博物馆时装与纺织品部前首席策展人、时尚界权威人士 Pamela Golbin，纽约造型师兼撰稿人 Matt Holmes，《T》创意总监 Patrick Li，美国时装设计师 Rick Owens，以及意大利画廊 Fondazione Sozzani 创始人兼 10 Corso Como 买手店创始人 Carla Sozzani。
会前，5 位专家分别提名了自己认为值得入选的 10 大系列。而后在 7 月下旬的一个周三，他们通过视频会议再次对名单进行了缩减。这份名单是按照讨论顺序排列的，不代表排名。提名中有好几个热门系列，比如所有人都认为 Comme des Garçons 至少有一季服装应该入选。而不少系列的剔除也是众人艰难抉择的结果。通常来说，很难从设计师的作品中挑出一个系列，虽然这就是我们的任务；同样棘手的问题还在于，很难将服饰本身与秀场的壮观场面剥离开来。
仔细想想，有些系列未必需要在 T 台展示，也不是所有的时装秀都能满足期待。例如，1973 年的「凡尔赛之战」筹款活动由于是团队展示而失去评选资格；在那场极具纪念意义的活动中，5 位法国女装设计师（Marc Bohan、Pierre Cardin、Hubert de Givenchy、Yves Saint Laurent 和 Emanuel Ungaro）与 5 位美国同行（Bill Blass、Stephen Burrows、Oscar de la Renta、Halston 和 Anne Klein）同台斗法。我们也决定评审团成员的作品不参与评审，这也是为什么 Owens 被提名了数次，却未出现在最终名单里。
最后，有两个系列对当今时尚业的发展影响巨大，我们认为它们必须在名单上占有一席之地。第一个系列诞生于 1947 年。一位名为 Christian Dior 的年轻法国设计师推出了极具女性气质的「新风貌」。和披肩领夹克搭配宽松裙子一样，斜肩束腰连衣裙不仅塑造了凹凸有致的身材，也与那个时代朴素的军装形成了反差。第二个系列与之相反，它出自法国女装设计师兼制帽师 Gabrielle Chanel 之手。她在 20 世纪二三十年代的设计传达出了实用主义与独立精神，还认为 Dior 损害了自由女性的利益。1954 年，70 岁高龄的 Chanel 女士重返时尚界，在其经典斜纹软呢套装的基础上，推出了全新的修身短裙和无领穗边夹克，否定了竞争对手的基本理念。
当天下午的视频会议上，既有意料之外的分歧，也有从未预计能达成的共识。不过，所有人都确信的是，时尚不只是摆弄几块面料这么简单，这或许也解释了 Owens 赤膊参会的原因。
Pamela Golbin（以下简称 Golbin）：我能先说两句吗？我想从一开始就把「二战」以来的成衣系列作为一个限定要素：战争刚结束时，法国并不存在现代意义上的成衣；如果我们只关注成衣，那就得从 1973 年开始算起。此前的所有其他系列都属于高级定制。
Carla Sozzani（以下简称 Sozzani）：不，我从 1966 年就开始买 Saint Laurent Rive Gauche 系列的服装。那就是成衣。
Golbin：「吸烟装」（Le Smoking）就是按高级定制系列推出的。
Sozzani：但 Saint Laurent Rive Gauche 1966 年就在法国推出了。
Nick Haramis（以下简称 Haramis）：让我们进入正题吧！
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Yves Saint Laurent 与穿着他设计作品的模特（图 1）；
1971 年春夏系列中的套装造型（图 2、3、4）。
1971 年 1 月，设计师 Yves Saint Laurent 推出了一个新系列。整个系列的灵感仅来源于一件衣服：他的好友、珠宝设计师 Paloma Picasso 在跳蚤市场淘到的一条 20 世纪 40 年代的连衣裙。尽管他将这场时装秀命名为「解放」（Libération），该系列却以「丑闻」（Scandal）更广为人知：及膝连衣裙搭配短款皮草夹克和坡跟鞋，唤起了一些人对战时巴黎的不愉快回忆，而夺目的头巾、烈焰红唇和艳丽的色彩则站在了传统品位的对立面。Saint Laurent 的缪斯 Loulou de la Falaise 从英美媒体上了解到人们愤怒的反应，回忆道：「我们听到人说，『这个系列是给坐在马桶上的人穿的。』」不过，在该系列问世的短短几个月后，时尚潮流开始转变 —— Saint Laurent 预计，这股复古热潮将引领未来几十年。通过挑战传统、模糊高级定制时装与成衣之间的界限，Saint Laurent 打破既往规则，拥抱日常服饰的精神与活力。「时尚反映了我们的时代，」他说，「如果时尚无法传递其所处时代的氛围，那便毫无意义。」
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2010 年巴黎秋冬时装周 Celine 大秀谢幕时刻
虽然经济危机理论上在 2009 年夏天就结束了，但当 Phoebe Philo 推出她为 Céline（Hedi Slimane 2018 年接任创意总监后，将品牌更名为 Celine）设计的第二个系列时，人们才刚开始感受到经济大萧条对文化的影响。这个法国品牌是做运动服饰起家的，Philo 回归本源，推出了百搭服饰，既彰显了审慎的风格，又最大限度地缩小了华服与便服之间的距离。她的设计主打黑、白、海军蓝三色，同时缀以橄榄绿。该系列有多款单品，包括紧身裤和及膝裙，有的还借鉴了错视设计，比如蓝色羊毛裙和黑色皮背心组成的假两件紧身服，或是极其朴素的无领无尾礼服裙，乍一看像是裙子和夹克的组合套装。这种视觉欺骗效果传递出对一致性的追求：两件单品的搭配应该和选一件服饰一样简单。Philo的本质主义让人哪怕在最简单的事物中也能找到独特性。这种独特性必然存在，往往藏于刻意营造的不对称之中。不仅给观者以美感，也证明了这个系列的用心。
Golbin：我选该系列是因为它象征 Philo 真正建立起自己的时尚王国。对我来说，让女性设计师入选很重要，因为20世纪90年代和本世纪初并没有多少女性设计师。Philo 为时尚界带来了非常重要的设计。
Sozzani：我喜欢她的作品，但我认为她不算是真正的设计师。她更像是个了不起的造型师。
Matt Holmes（以下简称 Holmes）：提到 Phoebe 在 Celine 任职的那段时期，我想到的是该品牌的文化影响力。除了时尚杂志外，我还常在世界各地看到 Celine。我对该品牌的了解源于 2011 春夏系列，当时 Kanye （West）穿的睡衣风衬衫就是 Celine 的。我发现男性也可以穿她那些很女人味的服饰，这让我觉得很新鲜。但如果我们探讨的是她作为设计师的开宗立派之举，那当数 2010 秋冬系列。那是一场很棒的时装秀，所有基本要素都在。
Li：Phoebe 任职期间的 Celine 极具影响力。
Sozzani：现在也是。
Li：如果没有她，就不会有那么多高街品牌了。Carla，你刚刚提到了很重要的一点，让我想起了 Virgil（Abloh，Off-White 品牌创始人，生前曾任 Louis Vuitton 男装创意总监）。他更像是一名造型师或艺术总监，而不算真正的设计师，但影响力却是持久的。
Sozzani：她创造的是一门语言。
Li：也可以说是创造了一个世界。
Sozzani：这就是当今女性所缺少的。许多人都在试图效仿她，但目前为止还没有人成功过。
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Balenciaga 2002 春夏系列 T 台及后台
在担任 Balenciaga 创意总监的第 5 个年头，年轻的法裔比利时设计师 Nicolas Ghesquière 将工装裤作为春季系列的主打单品，将滑板文化和嘻哈艺术家影响下的美国街头服饰搬上 T 台。他用蔚蓝或灰粉的轻盈面料做抽象化设计，并用饰带代替腰带。其他设计也有类似的慵懒气质：比如配有夸张后袋的背带裤，以及前侧围兜露出侧腰的黑色宽松棉质吊带裙。这些解构性实用主义的廓形与一系列繁复的、用印度风面料及复古织锦制成的拼接上衣和迷你裙，形成鲜明对比。Ghesquière 以洛杉矶风格、拉斐尔派设计及荷兰设计师 Koos van den Akker 色彩艳丽的毛衣为灵感，为都市着装提供了一个浪漫模板。他还引发了一场关于艺术所有权的讨论。当时人们发现，该系列最引人注目的一些设计复刻了 Kaisik Wong（鲜为人知的美国华裔设计师，于 1990 年辞世）设计的服饰。Ghesquière 并不否认自己挪用了 Wong 的设计。他表示：「人们关注我的灵感来源，这让我受宠若惊。」
Li：要想进入他的世界，直接的途径就是通过他的工装裤。我认为这些工装裤的设计并不简单 —— 尽管也没那么奇怪 —— 它们的影响是不可估量、无处不在的。
Owens：我没选 Nicolas Ghesquière 就是个错误。太蠢了。
Golbin：何出此言？
Owens：因为你让我意识到他在 Balenciaga 的设计有多棒。我附议 2002 春夏系列入选。
Holmes：同意。
1978 年 1 月，模特 Toukie Smith
和其他模特在 WilliWear 的时装秀上
Willi Smith 入行的头两年，他的设计在纽约一小部分时尚人士中悄然流行起来。但直到 1978 年 Smith 推出首场 T 台秀后，WilliWear 才真正成为「我们进军艺术界的一次尝试」，他的商业合伙人兼创意伙伴 Laurie Mallet 后来说。这场时装秀在苏豪区的霍利 · 所罗门画廊（Holly Solomon Gallery）举行，据报道，共有 500 人前来观秀，他们见证了这位后来成为街头服饰缔造者的黑人设计师的亮相。Smith 设计的服饰休闲但剪裁考究，朴素又不失时尚，而且定价合理，这一点对他来说至关重要。「售价从来没超过 100 美元。」他接受《泰晤士报》（The Times）采访谈及自己的 T 台首秀时说。该系列也包括他称之为「紧身阔摆裤」的宽松高腰裤。他的妹妹、演员兼模特 Toukie Smith 负责开场，身着轻薄的米色短袖连身裤，搭配渔夫风格的凉鞋和袜子。该系列以航海与东南亚为主题，质地柔软的夹克和宽松的连衣裙令人舒适自由 —— 对于 20 世纪 70 年代的女性而言，这让她们得以摆脱过去几十年间更女性化的制服。Smith 正在打造一个包容的、性别流动的「街头时装」世界。可惜他于 1987 年因艾滋病并发症离世，享年 39 岁，没能实现心愿。
Li：这不是高级时装，而是一种民主主张，但不太受到世人理解。事实上，作为一名黑人设计师（彼时并不常见），他开辟了新的领域。那些服装很漂亮，我也很喜欢他们由建筑公司 Site 设计的那家门店。他的作品拥有一套完整的视觉体系，但他没能得到应得的认可。
滑动查看 Donna Karan 1985 秋冬系列
「7 件休闲装」（Seven Easy Pieces），正是 Donna Karan 1985 年创立的同名品牌背后的理念。Karan 为 Anne Klein 做了 10 余年的服装设计，她对日常穿搭很有想法，也善于找到受众：她的目标客户是那些热衷时尚但又无暇真正关注时尚的人。（这一理念如今被称为「胶囊衣橱」；事实上，近 40 年后的今天，许多女性在穿衣打扮时仍感到不知所措。）就时机而言，这是一个天才之举：1990 年，美国劳动力中的女性占比从 1970 年的 37.5% 提高至 45% 以上。Karan 的许多混搭单品都是为了突出女性曲线（最核心的休闲单品是紧身衣），而市场上的其他设计则倾向于在女装 中融入男装廓形。Karan 设计的关键是，这些服饰可以从早穿到晚。原系列中的其他服饰包括一件精裁外套、一件羊绒毛衣、一条裹身裙和一 件经典白衬衫。Karan 保证，这些高品质的基本款永不过时 —— 这一理念已成为美国时尚界的主要卖点之一。
Owens：Pamela，这是你选的吗？我正打算推荐这个系列！
Golbin：我觉得有必要选出一位美国女性。她确实遵循了 Claire McCardell 和 Bonnie Cashin 的传统，以一种出人意料的方式将形式与功能相结合。通过「7 件休闲装」的理念，她为美国和其他地方的每位女性打造了一个职业装衣橱，这成为品牌的象征，后来也出现在该品牌的广告等其他媒介中。（Donna Karan 1992春夏系列的广告中设想了美国首位女总统的就职典礼和执政场景。）这个系列既展现了她在 Anne Klein 积累的经验，也展示了她随后创造的时尚宇宙。
滑动查看 Hood by Air 2014 秋冬系列
2006 年，Hood by Air（品牌缩写「HBA」更为知名）由设计师 Shayne Oliver 与他人联合创立，被视作「奢华的街头服饰」，但那些不熟悉 Oliver 作品的人可能会低估这一称号的含义。2014 年，一名时尚记者写道，Oliver 的无政府主义品牌是「当下纽约时尚界最怪诞、最疯狂也最有趣的事物之一」，结合了「嘻哈、朋克、运动、双性、俱乐部服饰、哥特风和部落美学」。她指的正是 Hood by Air 当年的秋冬男装系列，由男女模特演绎，一群 voguing（源于 20 世纪 70 年代末美国纽约哈林区舞厅的舞蹈风格，由黑人和拉丁裔男同志创立）舞者留着严格的九一分发型进行表演，让秀场气氛达到高潮。Oliver 有着特立尼达血统，他认为自己在布鲁克林成长时常去的舞蹈俱乐部对他有重要影响。Hood by Air中的「hood」既代表布鲁克林皇冠高地街区（Crown Heights），也是在致敬 20 世纪 90 年代他常搭地铁前往的曼哈顿市中心的滑板爱好者胜地]。在该系列中，Oliver 设计了皮革和仿麂皮材质的工装裤、风衣和厚底军靴 —— 当然，也少不了 Hood by Air 的基础款黑T恤，上面印有彩色 logo。许多单品都有很多不太实用的拉链，和模特的部分假发（像流苏一样串于头顶）一样，这些单品展示了瞬间的选择（是否拉上拉链、戴不戴假发），这种风尚就是当下所说的服装的「流动性」。
Holmes：Shayne 出现时，有如流星撞击地球一般。作为一名黑人酷儿造型师，我觉得这让人很兴奋。时尚界当时非常期待绩优股和企业的出现。那场时装秀让表演艺术理念在纽约重新受到重视。彼时，一切事物都会被抹去，仿佛时尚只能存在于布莱恩特公园（Bryant Park）。从 20 世纪 90 年代到 2009 年这些场地拆除前，纽约时装周的大部分时装秀都是在距离服装区几个街区之远的布莱恩特公园的帐篷里举行的。而 Shayne 的出现引发了多米诺骨牌效应，让更多地下文化思潮进入主流观念。直至今日， Hood by Air「69」印花衬衫仍在曼哈顿坚尼街（Canal Street）出售。我们当地熟食店的女老板就有一件。这是一种没那么个人的时尚。
Haramis：我相信你还把它跟 Rick Owens 的时装秀做了类比。
Holmes：嗯，当然，我那时认为 Shayne 成功接棒了。
Owens：我很爱 Shayne，但我还是会选他的前辈 Jean Paul Gaultier。
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Jean Paul Gaultier 1983 春夏系列
时装秀上的胸衣裙装
在 Jean Paul Gaultier 长达 50 年的时尚生涯中，他最有辨识度的设计当数配有尖锐锥形文胸的紧身胸衣。1983 春夏系列「Dada」见证了该设计的诞生，这比麦当娜在《金发雄心》（Blond Ambition）巡演上穿锥形胸衣要早 7 年多。曾经有一段时间，人们认为内衣外穿是丢脸又羞耻的行为，这在如今看来可能有点奇怪，毕竟紧身胸衣和内衣风服饰又重新流行了起来。Gaultier 颠覆传统，推出了束胸连衣裙：紧身、无肩带、过膝、浅珊瑚色且带有淡淡的印花（这位法国设计师的灵感源于他小的时候祖母穿的内衣）。裙子凸起的罩杯指向乳头，就像 20 世纪 50 年代的子弹文胸一样。Gaultier 并不是第一个在秀场上展示锥形胸衣的人 —— Yves Saint Laurent 受班巴拉人（Bambara）的启发，曾于 1967 年呈现过类似作品。但到了第二年，Gaultier 的文胸在比例设计上更加极端，橙色褶皱天鹅绒连衣裙上的文胸，犹如荒谬主义的交通锥一般。接下来便是流行文化的演绎了。
Li：Gaultier 很重要，因为他能把水搅浑。
Golbin：这是最棒的反叛行为，以各种形式展现出来，秉承了「吸烟装」系列的精神。但结局不是男装女穿，而是内衣外穿。这是在重新发明一种服饰，以及服饰文化的再创造。
Owens：不过，我认为 Gaultier 妙就妙在，反叛背后是精致的品质。这让我们很尊敬这种越界行为。
Li：他为 T 台带去的快乐也极具启发性。
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1965 年，Courrèges 设计的带吊带的皮革
桶形裙子（图 1）和褶领衬衫（图 2）
André Courrèges 在 Balenciaga 工作了 10 年之久，有时被称作「高级定制界的勒 · 柯布西耶」。如果说他的导师 Cristóbal Balenciaga 是从过去挖掘灵感，那他则是着眼于未来。作为一名训练有素的土木工程师，Courrèges 以严谨的建筑方法设计，尝试运用几何形状，同时创新人造革、涤纶等纺织原料。1964 年，他在秋冬系列中推出 A 字裙、低腰裙和平底摇摆舞靴，轰动一时。次年，他将这些想法整合起来，发表了被时尚媒体誉为「Courrèges 轰炸」的新设计。系列中剪裁精致的长裤套装，以及极具革新性的、搭配了踝靴的膝上短裙 —— 全都用的是他喜欢的纯白搭配浅红和亮红色。那场时装秀概括了他对时尚的革新愿景：他希望将女性从上一个 10 年里呆板、过分讲究的造型中解放出来，并传递 20 世纪 60 年代全新的自由感。「你不再只能漫步人生。你可以奔跑，可以舞蹈，也能开车，还能坐飞机。」他曾说道，「服饰也必须是随你而动的。」
Golbin：Courrèges 来自 Balenciaga，定义了全白服装的现代衣橱理念。他推出了迷你裙和裤装，这是当今穿搭中最重要的两大元素。
Li：完全同意。我们继续吧。
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Alexander McQueen 2005 春夏系列后台
任何质疑时尚是否是艺术的人都应该重温 Lee Alexander McQueen 的作品。McQueen 成长于伦敦一个工人阶级家庭，十几岁时便进入裁缝行业。就读时装设计专业期间，他凭借自己的毕业作品系列「开膛手杰克跟踪他的受害者」（Jack the Ripper Stalks His Victims）赢得了人们的关注，其中包括一件印有荆棘图案的粉色丝缎外套；他还将自己的头发缝进衣服的内衬里，致敬维多利亚时期恋人互赠头发的传统。接下来的系列在面料上各有特色，但每个系列都展现出类似的叙述视角，以及对细节的无比关注。同时，他也痴迷于冲突、惊悚等主题。1995 秋冬系列「高地强奸」（Highland Rape）以英格兰对苏格兰的剥削为主题，低腰裤是该系列的亮点，他开创了 20 世纪 90 年代末和 21 世纪初的超低腰牛仔裤时代，评价褒贬不一。到 2005 春夏系列「这只是一个游戏」（It's Only a Game）推出时，他已经设计了大量作品，通过这场奇思妙想的时装秀（场景设定为美国与日本之间的一场国际象棋比赛），他选择重新演绎早些年的设计理念，将这些理念与棋盘上的不同棋子相对应。例如，马毛点缀的连衣裙令人想起他的 2000 秋冬系列「Eshu」，象征骑士。该系列的成衣在怀旧的基础上加以改良，将日本和当代美国的风格与 McQueen 标志性的 19 世纪宫廷风完美融合。待 36 名模特在 T 台上的格子内悉数站定，地面投影出一张棋盘，模特随着机器指令迈动舞步。McQueen 对于东西方元素的解读在当下或许会引来更多审慎的目光，不过即便在那时，他也早就习惯了为自己的设计辩护。
Sozzani：我很了解 Lee。他年轻时和我共事过一年。我喜欢他的剪裁，尤其是外套，几近完美。我特别喜欢这个融合了女性气质与男子气概的系列。他的棋盘秀现场，实在是太有感染力了。
Haramis：我认为这引出了一个有趣的观点，即时装秀与时装系列、表演与服装本身之间的区别。
Golbin：过去 20 年间，这场时装秀起到了非常重要的作用。我提名 McQueen 最后一个系列 —— 2010 春夏系列（这位设计师在同年 2 月结束了自己的生命），大秀非常精彩。但正如 Carla 所言，2005 春夏系列不仅凝聚了他的创新精神，也涵盖了使其他设计师受益的剪裁与单品。
Li：我提名的目的是想强调他的影响力及其对文化的持久影响力。对我而言，McQueen 的时装秀太过精彩，掩盖了服装本身的光芒，尽管这些设计都很漂亮，制作也很精良。
Sozzani：应有尽有：剪裁、面料、搭配！
滑动查看 Thierry Mugler 1979 秋冬系列
在 1979 年发布秋冬系列「未来旋涡」（Spirale Futuriste）前，Thierry Mugler 已声名大噪，他善于玩转科幻小说中的比喻手法，为模特披上金银锦缎，棱角分明的肩部设计使模特有如女仿生人。但在 1979 秋冬系列中，他的视角变得具象起来：在 Mugler 的大秀中，女性都变成了奇形怪状的宇宙飞船船员，穿着高领束腰外衣（有的衣服上还配有时髦的兜帽）、金属光泽的飘逸外套和闪闪发亮的裤子，绕着星系旋转，衣领边缘与面具相连，像恶棍的胡子一般。晚上，她们穿着全息礼服和打褶斗篷。不过旋涡是贯穿全场的主题。模特的马尾辫造型精致，反重力似的高高耸立。Mugler 的灵感源于太空时代，但他和 Courrèges、Pierre Cardin 或 Paco Rabanne 都不一样。他的设计既卡通又有戏剧性，但不同于《杰森一家》（The Jetsons）或《星际迷航》（Star Trek）。他完完全全在做自己。他和 Claude Montana 在呈现未来形象上可谓棋逢对手 —— 两位设计师那一季都在巴黎大堂专为成衣秀新设的帐篷区域里办过秀，而「未来旋涡」一直被认为是 Mugler 首个具有商业价值的系列，或许也是他最有想象力的一个系列。
Sozzani：这个系列非常漂亮。Azzedine（Alaïa）为该系列做了无尾礼服。Thierry 在秀场笔记中对他表示了感谢。
Owens：这就是我选它的原因，因为我知道 Alaïa 参与过那个系列。但同时，这个系列的神秘感远超人们对 Mugler 的期待。相较于他后来设计的性感万人迷女神造型，这个系列有一种军国主义的复古未来感。
Golbin：Mugler 提到了 Azzedine，也证明他的成衣在很大程度上是以结构为基础。工艺十分精湛。与此同时，这两人又与 Jean Paul Gaultier 和 Claude Montana 一同开创了一个全新的创意时代。
滑动查看 Balenciaga 1967 春夏系列
1968 年 5 月，西班牙女装设计师 Cristóbal Balenciaga 宣布，他在巴黎乔治五世大街 10 号（10 Avenue George V）经营了 31 年的沙龙即将歇业。「支撑高级定制时装的时代结束了。」谈及这个决定时他说，「真正的高级定制是奢侈品，再也无法继续了。」无疑，这一决定让他的客户和时尚媒体都悲痛不已；离开时，他为时尚界留下了很多成就，包括重塑女性轮廓，通过巧妙的剪裁和极简的板型实现纯粹的立体感。1967 春夏系列的时装秀就是一个很好的例子：主打朴素的连衣裙和斗篷，其中有些只有一条缝线。透明丝织斜裁婚纱搭配僧侣头巾般的头饰，这样简洁的设计令人沉迷，展现了 Balenciaga 对教会服饰的终生迷恋。2021 年，Balenciaga 现任艺术总监 Demna 举办了该品牌 53 年来的首场高级定制时装秀，他觉得原版婚纱改无可改，索性重新做了一条，用不透明的尼龙面纱替代原来的头巾。后来，Demna 表示：「这条裙子尽显 Balenciaga的天才设计。」
Owens：在我看来，1957 年，也就是他推出短裙套装和宽松麻袋风衬衫裙那年，正是他为品牌定性的时候。之后的一切都是延伸。我几乎没法把他当年的设计缩小到一个特定系列；他在早年间便缔造了我们今天熟知并津津乐道的 Balenciaga。
Golbin：总的来说，1957 年对时尚界而言是重要的一年。那一年，Christian Dior 离世，Yves Saint Laurent 接任。当时确实存在两大派系：一边是 Dior 创造的「新风貌」系列，强调线条分明且女性化的廓形；另一派则以 Gabrielle Chanel 和 Cristóbal Balenciaga 为代表，这两位「圈外人」为时尚宝典增添了不同的廓形理念。诚然，1957 年对 Balenciaga 来说也是关键的一年，但我更想选择 1967 年的这个系列，因为它实现了极简的连衣裙构建，一根缝线就制作出一条婚纱。他的整个设计轨迹就是将服饰尽量简化，让表达回归纯粹，而那件婚纱就像个谜。因此，没错，1957 年很重要，他在那一年推出了宽松麻袋风连衣裙、荷叶边蕾丝娃娃裙等各式各样的创新设计，但我所选的是他几乎倾尽毕生心血所创作的作品。他的职业生涯在 50 多年前就开始了，而该系列的诞生似乎证明他达到了自己的终极目标：大道至简。
Owens：哇，你可真是部百科全书。
Li：这就是我们应该谨记将设计师与系列区别开来的地方。二者很难独立于彼此，但我们的挑战在于选择特定的系列。Balenciaga 是某类廓形的大师，我不想让他入选是因为如果这个系列入选了，那么几乎他的任何一个其他系列都应该入选。但 Pamela 关于 1967 春夏系列的阐述打动了我，让我看到 Balenciaga 令服装回归纯粹的努力。他留下的时尚遗产不是一蹴而就的，而是经过了 10 年的发展。
Owens：我关注的是他崭露头角的时候，因为一个人出现在公众视野中，一定是因为他在改变什么 —— 变得引人注目，震惊了所有人。
滑动查看 Vetements 2015 秋冬系列后台
「酷」在没有场合衬托的情况下是什么样子？这是每一代年轻人都需要自行回答的问题。2015 年成立的品牌 Vetements 给出了它的答案：从日常服饰中寻找灵感。该品牌推出了一批宽松皮夹克、尼龙飞行员夹克等板型稍大的中性服装，袖子长到可以盖过模特的手指。Vetements 曾由格鲁吉亚设计师 Demna（Gvasalia）执掌，他的弟弟 Guram Gvasalia 担任公司首席执行官。人们可能会将这种夸张的通用主义追溯到美国的「normcore」风格（故意穿得很普通、无特色），尽管其刻意的朴实无华也会让人想起苏联时期的简朴风。例如，慵懒的碎花吊带裙搭配一副质感与橡胶清洁手套极为相似的黄色手套。这在一定程度上受到了俄罗斯造型师 Lotta Volkova 的影响，她是 Demna 的朋友，后来成了时装秀不可或缺的顾问，负责造型和选角工作。如果说 Vetements 的通用性审美很容易为快时尚所复制，那么该品牌也重申了普通人的个人主义。有的模特外形普通、有的有趣、有的非常美丽 —— 但所有人在举止上都很谨慎，似乎不愿意在穿着打扮上投入太多。
Holmes：该系列曾在巴黎的一家俱乐部展示，此后 Demna 开始真正收获人们的关注。当时，我身边的每个人都在穿这个系列。这个系列也充分展现了他对 Vetements 这个品牌的期待。
Golbin：Matt，我同意你说的。他提出了一种与奢侈品不同的视角。应该选择 Demna 为 Vetements 设计的系列，还是他为 Balenciaga 设计的系列，这让我纠结了一阵。但通过 Vetements 这个品牌，他尝试颠覆整个时尚体系。
川久保玲与团队，摄于 1997 年，纽约
某种程度上说，时尚一直都在塑造身体 —— 从伊丽莎白时期繁复夸张的廓形，到维多利亚时期紧身胸衣展现的身体曲线，无不如此。在重塑服饰与身形的关系这一点上，日本设计师川久保玲可以说是无人能出其右。在其「囊肿」（Lumps and Bumps）系列中，川久保玲推出了一系列连衣裙和短裙，其中一些使用了性感、充满女人味的条纹棉布，搭配不自然和不甚美丽的隆起。川久保玲通过该系列成功颠覆了服装设计的传统模式，大胆地让服装与人体自然形态背道而驰。她那些臃肿的服饰设计以恶作剧的形式回击了当时盛行的风潮，即认为女性应屈从于男性凝视 —— 事实上，是各路人马的凝视 —— 也反驳了时尚就是为了以某种方式来改善身体形态的观点。这种变形的设计不是为了吸引他人，而是为了表达异议。在川久保玲的手中，身体就是一块画布，她可以在上面玩转关于性别、美和性的想法。该系列有点类似墨迹测验（人格测验之一），有人在这些扭曲的设计中看到了孕肚、女学生的背包，甚至是 20 世纪 80 年代美国职业女性的时髦垫肩。
Haramis：终于有一个我们都同意的选择了。
Owens：最开始，我觉得这有些取巧，设计师利用了类似历史上人造伞裙的形象，在新一代面前以夸张的形式展现出来。但我能从中看出这对女性而言可能是一种更深层次的解放，所以说，Carla、Pamela，我同意你们的观点。
Sozzani：这个系列告诉我们，无须性感。对我来说，这是关于自由的重要宣言。
Golbin：我还想说，这个系列首次承认了身体的多样性。虽然模特本身都很瘦，但这些衣服提供了看待女性身体的新方式，这在当时是相当特别的。川久保玲在说：「看看这个世界上可能存在的体形 —— 各不相同，又都无比美丽。」
Holmes：我觉得这个系列改变了性感的定义。
Kate Moss 身着 Helmut Lang 1998 春夏系列
让我们忽略这一点：终极实用主义者 Helmut Lang 在这一季把自己的时装秀调整到了整个时装月开始之前，不再与纽约的其他设计师同步，从而形成了如今的时装月格局，即纽约时装周先于欧洲开始，而不是晚于欧洲。也别去想他在下一季通过光盘展示了自己的新系列，以及由此引发的种种。1998 春夏系列最能体现 Lang 经典的时装理念，而这一理念仍定义着当今的时尚界：黑白剪裁鲜明而朴素，男女皆宜；牛仔裤、背心、T 恤等普通服饰跃升为秀场必备单品；还有魔术贴背心、可调节臀围设计等谈不上精致但实用的细节。Lang 的设计以实用性为核心，引用勒 · 柯布西耶的话说，他的作品就是时尚界「可以居住的机器」。诚然，Lang 在日常生活中寻找美感，将整洁而普遍的城市制服搬到T台之上，公众可以从他的设计中看到与 20 世纪末的生活状态一脉相承的精明务实之感。在街头服饰兴起前，Lang 便已擅长挖掘那些不起眼的普通单品，然后用巧思重新设计，展现出它们感性而精致的本质。
Holmes：我真的很期待看到大家提名的 Helmut 的系列。他设计的服饰兼具实用性与现代感，我一直很喜欢他的选角理念，他邀请朋友和艺术家来担任模特，形成了一个社群。
Li：这是我记忆中最早看到男女装同台展示的服装秀之一。我想这未必是最早的，但 Helmut Lang 的设计语言完美反映了那个时刻。
Sozzani：如果你闭上眼睛回想 Helmut Lang 的设计，脑中浮现的就是这个系列。太有他的特色了：大多是剪裁考究的黑白服饰，男女可以交换着穿。
Li：这也是反映人们渴求实用主义的一个早期的例子。在「后 Calvin Klein时代」，他确立了设计师牛仔的理念，并把它变成了一种套装。
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Issey Miyake 1989 春夏系列时装秀造型
谈及三宅一生标志性的褶皱风格服装，人们总会联想到他在 1993 年创立的 Pleats Please Issey Miyake 品牌，但他的褶皱制衣工艺首次亮相却是在品牌 Issey Miyake 诞生之际。1989 春夏系列中，钴蓝、亮黄、浅橙的背带喇叭裤，高腰、修身，搭配了双排扣短外套，裤子上的褶皱则是点睛之笔。褶皱也使得透明薄纱上衣如蝉翼般轻盈。褶皱面料的连衣裙和外套呈现出硬挺的视觉效果，其他贴身衣物则贴合身体线条，光滑柔顺。早在 20 世纪初，设计师 Mariano Fortuny 就发明了丝绸褶皱专利技术。Miyake 接过 Fortuny 的衣钵，用一系列实验将褶皱工艺带入新阶段，同时向古老的折纸艺术致敬。但他并未采用传统方法，而是先裁剪缝合面料，再用热压法制造褶皱；形成紧密的褶皱需要大量面料。多年来，Miyake不断改良这一工艺，将褶皱设计推到极致。这位开创性设计师于 2022 年 8 月去世，享年 84 岁。
Li：这一季很特别，整个系列以褶皱为特色。Fortuny 开创的工艺被彻底改造为「三宅风格」。在我看来，一位设计师之所以能流芳百世，原因就在于其独特的廓形、材质或主张。正是特殊面料造就了独特的「三宅廓形」。
Golbin：褶皱工艺完美融入了服装。
Sozzani：这些衣服还能机洗，简直太棒了。这一系列女装的重要性还在于衣服不挑身材。
Owens：我喜欢 Miyake，但如果由我决定，我会为山本耀司保留一席之地。
滑动查看 Yohji Yamamoto 1995 春夏系列
所有设计都是自传。Yohji Yamamoto 1995 春夏系列的灵感来自他的祖国日本。但在此之前，他一向尽量避免将自己的作品与日本联系起来。或许正因如此，这场秀才这么具有感染力。当时，Sozzani 说：「（这场秀）简直美如诗，这才是时尚的真谛，才是让人魂牵梦绕的东西。」山本耀司满怀深情，从传统日式和服中汲取灵感，将其诠释为修长的长袍大衣和僧侣风服装。肥大的垂坠感衣袖和轻薄丝绸上的樱花等经典图案，无不体现出山本耀司对日本民俗与传统的沉思。尤其是，这一系列运用了传统手工绞染工艺，让每件衣服在色泽上都有所不同。
Golbin：我们怎么能漏掉山本耀司呢？他和三宅一生、川久保玲都来到了巴黎，都为重新审视女性身体作出了重要贡献。
Li：我喜欢系列中手工绞染的元素。
Sozzani：说来伤感。编辑 2002 年版山本耀司自传《自说自话》（Talking to Myself）时，我发现，他和川久保玲在 20 世纪 90 年代初分手（二人于 20 世纪 70 年代末结缘，相恋十多年）后不久，作品就不如从前有趣了。在我看来，这一系列是他沉寂3年后的回归之作，让他再度一炮而红。这并不意外，这季作品的确非常了不起。
John Galliano 1986 春夏系列
John Galliano 1986 春夏系列「堕落天使」（Fallen Angels）与 William Blake 的作品同名，风评不佳。评论家认可 John Galliano 的才华（时年24岁的他从服装学院毕业还未满两年），但认为他在伦敦约克公爵军营（Duke of York's Barracks）的发布过于浮夸，用力过猛，太像 Vivienne Westwood 的风格。模特全身涂满粉底，头发凌乱，额头上还有湿乎乎的黑色印花；走秀时，他们或赤脚，或穿着 Patrick Cox 设计的 Hobo 流浪鞋，鞋上沾满泥土。有记者将这场秀里的模特形容为「18 世纪精神错乱的难民」。「堕落天使」尽管在商业上表现不佳，却是 Galliano 的重要手笔，以致时隔 30 多年后，当他设计 Maison Margiela 2020 高级定制系列时，仍要从中汲取灵感，比如「堕落天使」系列压轴的宫廷风高腰长裙。裙子过水之后，纯白色面料紧贴身体，让人联想到新古典主义的垂坠衣物。这些作品意在向 19 世纪初的法国女性致敬，她们痴迷古董，身患「薄纱病」。传说，这是因为她们穿着浸湿的薄纱长裙招摇过市、卖弄姿色而染上的病。
Sozzani：我原本想提名他 1984 年在伦敦圣马丁艺术与设计学院（Central Saint Martin）展出的毕业作品。当年我在场，他的作品充满浪漫气息、令人印象深刻。但我都快忘了我有多喜欢「堕落天使」系列。
Owens：关于 Galliano 怎么赋予面料轻盈质感，又剪裁得恰到好处，我一旦打开话匣子，就停不下来。我从未见过这样的设计。如果说 Christian Lacroix 和 Alber Elbaz 的作品就像泡沫蛋糕一样空气感十足，那么 Galliano 的出品则是最轻盈的。
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Azzedine Alaïa 在 1992 春夏系列时装秀
后台检查模特身上的服装
1990 年，55 岁的突尼斯裔法国设计师 Azzedine Alaïa 迁居巴黎玛黑区，将家和工作室都安顿在历史悠久的博韦宫。装修时，他发现路易十五的情妇 Jeanne-Antoinette Poisson 曾经住在这里。她性格活泼、富有教养，俘获了国王的心，后来成了蓬帕杜夫人。这则引人浮想联翩的花边新闻是 Alaïa 1992 春夏系列的灵感来源。他用多达 100 多款成衣，体现了设计师高超的法风造诣，也展现了工艺上的精益求精（可以说，他的剪裁无人能及）。Alaïa 被誉为「紧身衣之王」，用极致摩登甚至性感的设计尽显丰臀的裙撑、丝质骑装外套、英式镂空刺绣、宽大衬裙等红极一时的华丽元素。在他的诠释下，这些元素融入凸显乳沟的方领上衣、剪裁考究的套裙、激光切割花纹的皮革腰封、干练的白色衬衫裙、凹凸有致的优雅铅笔裙，以及蓬蓬的层次丰富的超短裙。这一切既是对凡尔赛宫廷服饰致敬，又不失新意。2018 年，Alaïa 基金会举办了名为「服装系列的神秘魔力」（The Secret Alchemy of a Collection）的展览，揭开了 1992 春夏系列的时尚密码，展示了该系列所蕴含的精湛工艺和精致细节。有些设计师是创意大师，有些是令人惊叹的工匠，而 Alaïa 则是为数不多、两者兼备的天才。
Sozzani：这场秀之后，他淡出时尚界近 10 年。我认为这是他最出彩的一个系列，剪裁、针织、皮革、切割样样在线，百科全书般呈现了他所有作品的风采。Alaïa 是伟大的女装设计师，没有他的设计师名录都不算完整。
艺术家 Marina Faust 身着
Maison Martin Margiela 1996 春夏系列的
自拍照，她身上的这件外套由质地轻盈的面料制成，
印着厚重的男士冬季大衣的图像
作家 Rebecca Mead 曾在《纽约客》杂志上如是写道：「Margiela 制作的衣服就是衣服。」最能体现这一点的莫过于 Maison Martin Margiela 1996 春夏系列了：理性中巧妙地透露着漫不经心。不同于传统意义上的「设计」—— 如设计一件厚实的针织毛衣或一条华丽的亮片半裙，Margiela 邀请摄影师朋友拍摄这些单品，将图片放大至实物大小，然后印在普通的轻便服装上。这些设计构成了此次被称为「错视」（Trompe L'Oeil）的系列，可谓破坏了标榜工艺、原创和真实的时尚圣经。Margiela 从未接受过媒体采访。看到这些设计，就仿佛听到他在问：「毛衣是什么？还有什么能比亮片礼服的照片更真实？」这印证了 Margiela 作为时尚界顶流哲学家和鬼才的声誉。褪色的黑白印花给衣服赋予了普鲁斯特风格，令人印象深刻，难以忘怀，但同时，也体现出记忆的转瞬即逝。
Owens：在我看来，设计师的传世之作都出自其职业生涯早期。在那个阶段，他们让我们打起精神、关注他们。Margiela 就是如此。我敢打赌，Carla 当时就在秀场。
Sozzani：没错。那场秀非常有趣，女模特们把脸遮住，让观众的注意力集中在衣服上。通常，看秀时，我们不是在看模特就是在听音乐。但 Margiela 能让你关注他的设计。
Golbin：在超模主宰时尚的年代，把脸遮住、单纯展示服装本身，是非常激进的做法。
Li：Margiela 就是神。
Sozzani：如果能收录他所有的系列就好了。
Vivienne Westwood 1976 年「煽动分子」
系列中的绑带服饰
如果说性手枪乐队（Sex Pistols）引发了伦敦上世纪 70 年代的朋克运动，那么位于伦敦切尔西的国王路 430 号（No. 430 Kings Road）就是这场运动的非官方大本营。1971 年，还是老师的 Vivienne Westwood 联合当时的男友、音乐制作人 Malcolm McLaren、他的朋友 Patrick Casey 在那里开了一家名为「尽情摇滚」（Let it Rock）的商店。渐渐地，这家商店变成了一个创意实验室，店名和装潢几经调整，反映出服饰的演变。1976 年，店铺更名为「煽动分子」（Seditionaries）。直到那时，Westwood 花了 5 年一直在实验的绑带裤、破洞的马海毛毛衣才真正火了起来。印有色情图片和标语的T恤、撕破的连衣裙和装饰有铁链与安全别针的上衣，无不体现当时的叛逆情绪，Westwood 和 McLaren 则成了叛逆王国的第一伴侣。Westwood 在与 Ian Kelly 合著的回忆录《西太后：薇薇安 · 威斯特伍德》（Vivienne Westwood，2014）中写道：「我不觉得自己是时装设计师，而是希望通过打扮自己和打扮他人的方式来对抗腐朽的现状。最终，这一连串想法变成了朋克。」
Li：Vivienne Westwood 很擅长给大众带来颠覆式的东西。她吸收了另类文化，将另类着装风格融入普通人的穿搭。在我看来，她就是想挑战大众，魅力十足。
Golbin：别忘了，她可为性手枪乐队做过衣服。
Sozzani：这就是一场革命。我记得 1967 年，我穿着长裤从伦敦回了家。在学校里，女性不能穿裤子。为此，我的校园卡还被没收了。
Golbin：我觉得我们并不知道当时女性穿裤子意味着什么。举个例子，（那时）在巴黎，女性不能在正式场合穿裤子。如今，女性能穿裤子了，这要归功于对旧习的反叛。
Chanel 1983 春夏系列
Karl Lagerfeld 入主 Chanel 后的首个系列本该是一场灾难。这位德国设计师试图在这家时装屋的传统和他相对年轻的品位之间取得平衡，将该系列定位为「摩登且精致的性感」。考虑到 Chanel 客户群的感受，他又将这种性感与「拉斯韦加斯式的性感」区别开来。结果，该系列大获成功，使 Chanel 成为上世纪 80 年代最前卫的时装，但又不失创始人特有的优雅气质。1971 年，Chanel 女士离世，Chanel 从此失去掌舵人，直至 Lagerfeld 登场，让紧身裙、短外套、大翻领、直角肩、高跟鞋等元素大放异彩。他于 1983 年的首秀以 Chanel 女士在 20 世纪二三十年代的作品为灵感。其中有件黑色长袖修身礼服，Lagerfeld 在颈部、腰部和手腕处缝制了大量人造珠宝，向 Chanel 女士对人造珠宝的热爱致敬，也为 Lagerfeld 执掌 Chanel 长达 36 年的辉煌历史开了个好头。
Sozzani：这个系列有超短裙吗？
Golbin：没有，但 Chanel 的套装、「双C」logo 和其他元素都齐了。Lagerfeld 之于 Chanel 正如 Galliano 之于 Dior。他完美提炼了 Chanel 的精髓，将其融入现代语境。我问自己，「这份名单该选开山鼻祖还是后起之秀呢？」如果是 Chanel，那我选择后者。
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Charles James 设计的四叶草连衣裙手稿及成品
设计师 Charles James 生于英国，起初他在芝加哥，是个女帽设计师，后来成长为被 Christian Dior 所说的「我们这一代最伟大的天才」。他的主顾既包括社会名流，也有 Chanel 女士和 Elsa Schiaparelli 等设计师同行。30 余年的设计生涯中，他凭借新奇的剪裁工艺创造了无数经典，如 20 世纪 30 年代早期的「的士裙」（Taxi Dress）和 1953 年的四叶草礼服（Clover Leaf Dress）。前者是第一件能将全身拉链一拉到底的连衣裙；后者则是他的巅峰之作，由 30 块图案面料拼接而成，重达 10 磅，最初是为名媛 Austine Hearst 参加艾森豪威尔总统就职舞会定制的（不过，完美主义的 James 在舞会结束数周后才完成礼服，所以舞会当天，Hearst 穿的是其他礼服）。礼服上身，繁复的设计隐匿于层层叠叠的黑色天鹅绒与象牙色薄纱之下，随着女主人的步履轻轻起伏。他的作品令世人瞩目。2014 年，纽约大都会艺术博物馆举办了 James 作品回顾展，在 X 射线、动画和数字投影仪的帮助下，人们才得以解读 James 的时尚语汇。1978 年，在他去世前几小时，James 对救护车上的医护人员说：「我是西方世界公认最伟大的时装设计师。」到生命的最后一刻，他虽然身无分文，但对自己的才华深信不疑。
Owens：是我选了他。他也许会被视作时尚史的一朵奇葩。我从没想过要忘掉他，也永远不会。
Sozzani：他是最伟大的设计师，理应收录在册。
Golbin：Rick，我知道你会选 Charles James，所以我就没选。
Owens：你真无情！这竞争可激烈着呢！
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Marc Jacobs 与模特在 Perry Ellis 1993
春夏系列时装秀的后台（图 1），
以及秀场上的造型（图 2）
在 Marc Jacobs 跌宕起伏的设计生涯中，其早期作品最具争议。1992 年底，Jacobs 任美国学院风运动品牌 Perry Ellis 的创意总监，以深受太平洋西北地区音乐人喜爱的褴褛旧衣为蓝本，推出了广受批评的「颓废摇滚」（Grunge）系列。在他的指挥下，顶级名模在 T 台上演了一出廉价风的高端制衣秀。格纹法兰绒衬衫，印花 T 恤外搭吊带连衣裙，钩针编织羊毛衫，休闲卫衣配勃肯鞋、马丁靴、毛线帽，无不让业内专家大跌眼镜。资深时尚记者 Suzy Menkes 忍无可忍，四处发放印有「Grunge is Ghastly」的胸针，最终导致 Jacobs 丢了饭碗。然而，事后看来，他作为潮流风向标的声誉反而更加稳固。该系列一扫 20 世纪 80 年代流行的洛可可风（代表品牌包括 Christian Lacroix、Thierry Mugler），转而投向引领下一个 10 年风潮、略显沉闷的极简主义风（代表品牌包括 Calvin Klein、Helmut Lang）。该系列证明，Jacobs 当时就知道如何用服装去表达当下的情绪，将其具象化，深深烙印在人们心中。他曾在 2015 年表示，设计「颓废摇滚」系列时，他就是不想迎合大家的期待。3 年后，经 Perry Ellis 许可，Jacobs 再度发布该系列，受到了狂热追捧。
Li：这已然是业界标杆。我们需要对这个系列多加思考，所以我不想漏掉它。
Golbin：又一个不受媒体待见的。
Holmes：我觉得这个系列很有影响力，它一经推出就引起了轩然大波。
Li：Shalom Harlow 和 Amber Valetta 穿这个系列的样子简直太令人难忘了。
Golbin：我同意 Patrick 的意见。Perry Ellis 的这一系列的确非常重要。2003 年，Jacobs 与村上隆合作，推出 Louis Vuitton 春夏系列（1997 年，Jacobs 就任该品牌的创意总监），深刻影响了我们对艺术和时尚联名的态度。尽管如此，谈到 Jacobs 的作品，我还是希望收录他设计的此次 Perry Ellis 系列。
德国品牌 Jil Sander 由同名设计师创立，崇尚精致极简主义，曾在 20 世纪八九十年代广受欢迎。1999 年，该品牌被 Prada 集团收购，双方合作并不顺利。2005 年，当比利时设计师 Raf Simons 接任创意总监时，品牌已风光不再。曾主打男装设计的 Simons 表示，比起「极简主义」的说法，他更喜欢「纯粹」的概念，并用亮色系和街头风取代了该品牌标志性的简约风格。在 Jil Sander 2011 春夏女装系列的秀场上，Bernard Herrmann 为电影《惊魂记》（Psycho，1960）创作的交响乐原声与 Busta Rhymes 的经典嘻哈歌曲《再来一点》（Gimme Some More，1998）同时响起，模特身着皇家紫、泡泡糖粉、珊瑚红和柠檬绿的涤纶尼龙混纺长裤与及地长裙走下 T 台。然而，令观众目不转睛的并不是模特的臀部，即多数时装的重心，而是腰际的褶裥短饰边、大幅的褶饰和抽绳。同时，模特上身大多搭配白色T恤。该系列有一件杏橙色直筒连衣裙，嵌有两片拼叠的巨大褶皱，装饰着海军蓝和苜蓿绿相间的条纹，既有 Supreme 长方形标志的街头风，又有中世纪画家 Carmen Herrera 抽象画线条的高级感。10 多年后的今天，这种「高级」与「低级」元素的混搭已经司空见惯，但可以说是 Simons 让这种做法成了常态。
Haramis：Rick，你选的是 Simons 同名品牌的另一个系列。
Owens：它让我想起 David Bowie 的《Station to Station》巡回演唱会。那种阴郁和新式的男子气概在当今时尚圈依然盛行。
Li：但那个系列只有男装吧？所以不符合我们的要求。
Owens：是的。那就选这个系列吧，对男装女装都有很大影响力。
滑动查看 Prada 2000 春夏系列后台
意大利设计师 Miuccia Prada 发布 2000 春夏系列时，女装已褪去 20 世纪 80 年代的奢华之风，在 90 年代颓废摇滚的暗黑美学以及与之截然相反、充满迪斯科韵味的少女风格轮番影响下，形成了当时的极简主义（可以想象一下 1999 年 Kate Moss 和 Naomi Campbell 穿着 Versace 锁子甲吊带裙漫步的场景）。千禧年伊始，Prada 开启了新的时尚元年。这一系列保留了简约的流线型，但设计灵感更多来自专业视角而非流行文化。褶皱铅笔裙搭配高领毛衣、纽扣衬衫和开襟羊毛衫；面料轻薄至半透明或全透明，让若隐若现的乳头成为该系列标志之一。设计采用中性色调，主要是白色、驼色、可可色和不同饱和度的淡紫。该系列的印花数量不多，也很低调。比如，一件蝴蝶结衬衫上印着看似豹纹的棕色小爱心，一条白色低腰丝质短裙上印着 Warhol 式重复排列的黑色和灰色口红图案。这种俏皮感表明，职业化与女性化并不完全对立，至少远不如 X 世代晚期女性认为的那般不可调和。Prada 在 20 世纪 70 年代接管家族企业，将业务领域由最初的旅行箱包和豪华配饰扩展到成衣。纵有80年代严肃至极的权力套装和 90 年代中性当道的裤装，Prada 仍借此次千禧系列重新定义了女装，让女性在洒脱干练的职业感和风情万种的女性美之间自由切换。
Golbin：Miuccia 的影响力毋庸置疑，但要选出她设计的某个系列并非易事。
Haramis：那你为什么会选这个系列呢？
Golbin：我觉得这个系列充分体现了她的时尚基因，作品里都是她认为最基本的流行元素。我本以为我们会提名好几个 Prada 系列。我还想再加入一些意大利设计师呢。
Sozzani：都怪我。肯定少不了意大利人！我投 Gianni Versace 一票。他设计的服装垂坠感出众。越是回味他的作品，就越会发现他在用料上的别出心裁。我选 Versace。
Li：选 Versace 也好，Gucci 也好，Prada 也好，都有道理。在我看来，它们都挑战了成见，推动了文化发展。他们摒弃了怀旧情结和所谓的正统观念。也只有这样做，才能不断创新。
Sozzani：要我说，我们该考虑意大利成衣之父 Walter Albini。他极富创新精神，但我们也的确总是忘记他。
Golbin：Carla，你不会还要提名 Armani 或 Valentino 吧？
Sozzani：当然要啦。