艺术热搜展览学院/“幻觉大师”雷安德罗•埃利希大展“太虚之境”在中央美术学院美术馆 开幕
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开幕时间：2019年7月10日16:00
展览时间：2019年7月11日-8月25日
展览地点：中央美术学院美术馆
主办单位：中央美术学院美术馆
支持单位：天禹文化集团有限公司、常青画廊
艺术热搜热展览：“雷安德罗·埃利希：太虚之境在中央美术学院美术馆开幕
北京的仲夏之际，无疑是一个各大艺术展惊艳登场的时节，7月10日，备受关注的艺术家雷安德罗·埃利希（Leandro Erlich）携个展“雷安德罗·埃利希：太虚之境（Leandro Erlich: The Confines of the Great Void）”在中央美术学院美术馆重磅亮相。本次展览是这位阿根廷籍艺术家目前体量最大的个人展览，展出了横跨艺术家25年创作历程的20件大型装置艺术作品，其中大部分为互动性作品且首次在中国展出，也是继艺术家于2017年日本东京森美术馆和2019年阿根廷布宜诺斯的艾利斯拉丁美洲艺术博物馆个展后的又一重要个人展览。
嘉宾合影
展览由中央美术学院美术馆策划并主办，由中央美术学院院长范迪安担任总顾问，中央美术学院副院长苏新平担任艺术总监，本次展览的策展人则由中央美术学院美术馆馆长张子康和阿根廷国家艺术博物馆馆长安德烈斯·杜普拉特（Andrés Duprat）共同担任。
艺术热搜小组
开幕现场
在“太虚之境”中与作品互动
邂逅与艺术第一无二的故事
雷安德罗·埃利希，《游泳池》（2004），日本金泽21世纪美术馆展出现场（2014），铁制钢架，木，钢化玻璃，泳池扶梯©Keizo Kioku
图片版权：金泽21世纪美术馆
一座好似从天而降的《游泳池》、从地面《连根拔起》的房子、一扇门缝里露出光亮的紧闭的《门》、几只漂浮在如镜水面上的小船……
一个个由雷安德罗·埃利希创造出来的装置场景吸引着你走进、挖掘并沉浸其中，好像一场不真实的幻像，当你不断深入作品中的时候，往往你也成为了作品中不可缺少的一部分，每一个观众也许都会在不同的作品互动中与艺术有一种独一无二的邂逅。似乎每一个作品都是艺术家要叙述的一场故事，而观众无疑就是故事里面的主角。
“我更倾向于介绍自己是一名工作在真实与感知领域的观念艺术家。”雷安如是说。
雷安的作品已经吸引了全世界范围内许多观众的参与和体验，并且经由互联网和社交媒体的发酵，而被更广泛的观众群体所了解，激发了世界各地观众源源不断的灵感，产生了无数的社交媒体照片和互动参与。
某种意义上，雷安的艺术正是通过观众参与到创作的最终环节，成就了其作品观念的最终彰显。也让人们意识到，艺术的形态正以如此深入公共空间的存在，被观众和艺术家共同改变，这正是雷安德罗·埃利希的作品所具有的独特魅力。借由雷安德罗·埃利希的作品，让我们有机会思考当代艺术及其展览，如何在新媒体文化的催化下，与观众形成全新的观看关系。
关于艺术家雷安德罗·埃利希
雷安德罗·埃利希（雷安），1973 年出生于阿根廷，现工作和生活于布宜诺斯艾利斯和蒙得维的亚两地。在过去的二十年里，他的作品频繁在国际上展出，并且在诸多重要博物馆和私人收藏家的永久收藏中占据主要地位。他在亚洲享有特殊的声誉，近年在日本东京森美术馆（2017）和日本金泽21 世纪美术馆（2014）举办的展览吸引了数十万游客。
大咖谈艺术家雷安德罗·埃利希
中央美术学院副院长吕品晶致辞
阿根廷文化参赞豪尔赫·萨托尔发言
中央美术学院美术馆馆长 张子康
阿根廷国家艺术博物馆馆长 安德烈.杜普拉特先生
作为本次展览的策展人之一，阿根廷国家艺术博物馆馆长安德烈.杜普拉特先生在展览开幕中谈到：此次展览是阿根廷作品国际化重要的一步。2001年就是雷安德罗·埃利希先生28岁的时候，就因为他出众的才华，代表阿根廷参加威尼斯双年展，参展的作品就是游泳池，我也非常荣幸由我亲自将这个作品的名字写在阿根廷参展作品的名单中。我个人也和雷安德罗·埃利希先生亲自参与到部分作品的组装中，所以我是雷安德罗·埃利希先生作品的亲身的见证者。
著名策展人北川富朗先生
著名策展人北川富朗先生认为：在当今世界，我们看到呈现了越来越这样的趋势，就是建筑形势越来越均制化，城市越发同质化，各地的历史、风土、文化逐渐被遗忘和丢弃。艺术逐渐走进了白盒子，艺术就像科学室里做的实验一样。雷安德罗·埃利希先生勇敢的站出来，将这个白盒子放大、连接，做出了无人敢做的挑战。艺术应该是反应人与自然的艺术，不断用艺术的力量，向地球环境恶化，资本主义下，艺术伦理道德的丧失发起质问，他成为全球最有影响力的艺术家，我与他先后合作过五次，今天他的大展在当今和未来发展受到关注的中国首都举办，意义重大！
天禹文化集团有限公司董事长宋沛然
媒体眼中的雷安与“太虚之境”
在以当代艺术介入公共领域，通过将熟悉的日常元素进行扭曲、颠倒、剥离而制造视觉惊奇和感知惊奇方面，雷安无疑是世界级的大师。他年纪轻轻就载誉无数，作品频繁在国际上亮相。他同时也是当代最受欢迎的艺术家之一，观看他的展览如同亲身体验一场“爱丽丝梦游奇境记”——常识被打破、期待被颠覆、认知舒适区被连根拔起，取而代之的是一种参与魔术般的新鲜感。
——南方都市报
对于北京的艺术界来说，这个夏天并不平静。先是毕加索早期作品展、荒木经惟花主题展吸引眼球，接着环铁艺术区、罗马湖艺术区的腾退、拆迁事件牵动着每一位相关的艺术家，而国际画廊佩斯北京关闭北京空间（仍保留办公室）的变动则令人惋惜。在这样一个复杂的、分层式的现象共存的环境下，阿根廷籍艺术家雷安德罗•埃利希在央美美术馆的个展“太虚之境”的名字，恰如一个概括的映射：一座可以在上面攀爬而不用担心掉下来的“高层”《建筑》、从地面《连根拔起》的房子、一扇门缝里露出光亮的紧闭的《门》、迷宫样的《试衣间》或错觉似的《美发沙龙》《教室》……历经横跨艺术家25年创作历程的20件大型装置、互动作品，不同空间和场景的叙事转换的体验，宛如经历一场艺术家版的“盗梦空间”式的“北京折叠”，或者相反，“北京折叠”式的“盗梦空间”。
——scope艺术客 张宗希
作为一个概念艺术家，他的作品探索了现实的感知基础，和我们通过视觉框架来审视这些基础的能力。日常生活里的建筑是雷安的艺术里反复出现的主题，旨在在我们所信与所见之间建立一种对话，正如他试图拉近博物馆或画廊空间与日常体验之间的距离一样。
——绝对艺术
据悉，本次展览将持续到8月25日。
现场作品集锦
雷安德罗·埃利希，《游泳池》（2004）
中央美术学院美术馆展出现场（2019）
铁制钢架，木，钢化玻璃，泳池扶梯
《游泳池》是雷安德罗·埃利希的标志性作品之一，曾在第49届威尼斯双年展的阿根廷国家馆和纽约现代艺术馆PS1展出。目前这件作品被日本金泽21世纪美术馆和荷兰瓦瑟纳尔沃林登博物馆列为永久展品。
当我们在一座博物馆中看到一个实物大小的游泳池时，已经足够吃惊，而当观众发现穿戴整齐的人在水底行走时，则可谓相当震惊了。这当然是一种经典的雷安式幻象。玻璃之上覆盖着一层薄薄的水，模拟了水池的效果。站在水面上方的观众向下凝视时，会看到一个浅蓝色的地下室内空间。站在水面下方的观众则会体验到光线在自己身上追逐嬉戏，同时也可以透过“水面”向上张望。
这一魔术般的体验在提供了水下愉悦之旅的同时，也呈现了两个空间的绝妙分离。事实证明，《游泳池》这个作品激发了世界各地观众源源不断的灵感，产生了无数的Instagram照片和互动参与。
雷安德罗·埃利希，《连根拔起》（2015）
中央美术学院美术馆展出现场（2019）
此件作品曾在德国卡尔斯鲁厄艺术与媒体中心展出。大家普遍认为，现代城市与未开发的自然是相互割裂的，就好像是说人类的创作活动从某种程度上原本就是无机的。不仅我们人类在自然世界中作为有生命的存在，而且我们脚下的土地也是植物、石头和土壤等有机物质的家园。此外，都市中的土地，其由时间和个人历史的不同地层所构成。房子也是人类的“巢”，代表了建构在“土地-家庭-生物”这一网络之上的生命。《连根拔起》这件作品提醒着我们，要构建一个完全与自然和历史相互割裂的城市是不可能的；与此同时，它也向我们发出信号来警示我们与当下现实的失联。
雷安德罗·埃利希，《建筑》（2004年）
中央美术学院美术馆展出现场（2019）
写真布喷绘，灯，铁，木和镜子
在这件知名的装置作品中，观众可以反地心引力地悬挂或站立在一幢传统建筑的表面。为了实现这个效果，一面巨大的镜子以45度角固定在建筑物表面（或固定于地面或地板上）。来来往往的观众可以自发地与作品进行互动，也可以跟其他参与者一起互动。拍照留念是这件经久不衰的作品的固有部分。该作品曾在世界各地展出（法国、澳大利亚、阿根廷、日本、乌克兰和英国）。其最初创作于2004年的巴黎“白昼之夜”艺术节，雷安试图以此建立一个与城市景观之间的对话，同时它又可以作为一个公众集合的地点。
此件新的《建筑》的灵感来自于唐人街的经典招牌和防火外墙。唐人街原本远离中国本土，但现在却被放置在中国的中心城市。这种方式更是体现了表象和本质之间永存的距离，以及我们如何能轻易地接受一个旅行者对某个城市或其文化的印象。相比于克服这个障碍（尝试使用一个“纯正的中国建筑”），这件装置更是指向身份的内在混合和再生产的还原性。
雷安德罗·埃利希，《电梯游说》（2006/2018）
中央美术学院美术馆展出现场（2019）
金属结构、投影屏幕，投影仪和播放器
3.5 x 3.5 m
我们在生活中经常会碰到这样的情景：站在电梯前等待电梯门打开。这件作品里，一个真实的电梯门后展示了一个大型的LED屏幕，屏幕上循环播放着人们在不同情境里的画面：拥挤的电梯厢里有拿着气球的小孩、孤单的男人和在画面里逐渐减少的聚会参加者。当我们看到这些狭小的空间里令人紧张的亲密感时，会产生一种不安的冲动想要走进去。这件作品最初是为肖恩•凯利画廊创作的，与雷安作品中反复出现的建筑雕塑与视频雕塑（《地下铁》，《国际快车》）相呼应。
雷安德罗·埃利希，《反射港湾》（2014）
中央美术学院美术馆展出现场（2019）
金属框架，覆板，船
该装置最早是于2014年为韩国首尔现当代艺术博物馆的盒子项目而作的。不同于以往依赖镜子及其映像的作品，雷安这一次运用完全坚实的物品来制造映像的错觉。这些船漂浮在并不存在的深色水面上，受暗处的机械系统控制，微微地（也是人为地）晃动着，像是夜晚的港口随微风摇曳的倒影。该作品曾在位于布宜诺斯艾利斯的特雷斯德费布雷罗国立大学博物馆和位于纽约的纽伯格艺术博物馆展出。它鼓励我们思考一个深奥而费解的问题：在我们习以为常的认知模式与呈现于我们面前的物理世界之间，或许有一道鸿沟。
雷安德罗•埃利希，《交通阻塞（重要次序）》（2018）
中央美术学院美术馆展出现场（2019）
沙，车形模具，胶合板
尺寸不一
此件作品首次展出于2018艺术巴塞尔，并被设计为一个“自己动手”式装置。藏家将会收到一个装有一组模具的公文包，他/她可以用这些模具完成自己的《交通阻塞》。 这件雕塑作品也是为迈阿密的真实海滩所做的大型装置，它凸显了雷安艺术中的重要主题：有机世界和人类世之间的关系。雷安将人类创造的世界称之为“人类宇宙”；他还积极地探索，我们迫切想要建立在所理解的自然和所认为的人为之间的等级制度。“交通阻塞”中的车辆脱胎于沙子这一易变的材质，最终又逐步没入它们的所源之地，就如同我们留下的痕迹最终也会回到地球。
雷安德罗•埃利希，《日间的白亮航班，夜晚的暗黑航班》（2015）
中央美术学院美术馆展出现场（2019）
玻璃钢树脂，金属结构，影像，显示屏
235 x 109 x 14 cm，2分32秒循环播放
两件看起来像是飞机窗户的作品，一件白色，一件黑色，静静地并排挂在一起。在白色的窗户里，我们看见白天飞行时的蓝天与积云；而黑色的窗户里则是夜间飞行时可见的明暗交织形成的广袤的灯光夜景。这两幅画面里都潜藏着一种空中旅行时的冥想之声，是一种悬浮在机舱内，翱翔于地表上空的无处不在的美。每个窗口的颜色都促使我们思考所见与所处情境之间的区别。
雷安德罗•埃利希，《房间（监视II）》（2006/2017）
中央美术学院美术馆展出现场（2019）
影像装置，纯平监视器
2.91 x 3 x 0.40 m
作品中播放着一个房间的监控录像，录像经由25个监视器从25个不同角度拍摄而来。房间极为平凡，装饰简陋，自然而然透露出了一种自我审查的模式。这件作品最早构思于2006年，当时正值英国政府宣告已在全国范围内布置了两百万个CCTV摄像头。随着最近爆出的Facebook丑闻事件，以及网络上大量共享的消费数据，《房间》既是对大环境现实的警示，同时也指向着我们所栖居的小空间。
雷安德罗·埃利希，《窗与梯——依靠历史》（2009/2017）
钢，树脂玻璃，木
590 x 200 x 120 cm
这件作品最初呈现于2008年新奥尔良双年展的“愿景1”。该双年展成立的初衷是为2005年经历了飓风卡特里娜之后的城市灾后重建提供协助和支持。在目睹了散落在该城市第九区的断壁残垣之后，雷安创作了这件作品。与其他作品（如《家具升降机》）类似，这件装置创造了一种“不可能的”景观：从一幢废弃大楼空壳里掏出的一扇窗户，被一架单薄的梯子举起来悬置在空中，除此之外没有任何别的支撑物。这一脆弱的建筑表现，在飓风卡特里娜的语境中显得尤为尖锐，而当前这一版本则描绘了那些已经逝去且遥不可及的寄托。
雷安德罗·埃利希,《楼梯》（2005）
中央美术学院美术馆展出现场（2019）
综合材料
尺寸不一
这件作品由一个与实物等比例的螺旋形楼梯构成，其构成了一个楼梯井。然而，整个结构被旋转了90度，看起来如同楼梯侧躺着。观众垂直站立即可直视这件装置，并向“下”一直凝视到楼梯井，体验到一种不和谐的冲突之感。当观众从侧面（而非从上往下）看出现在这个空间里的另一个人时，他们会感到更加头晕，甚至失去方向。《楼梯》是雷安具有标志性的一件作品：一个看似熟悉的空间（在细节和外观上栩栩如生）变成了一个具有截然不同的规则和特点的领域。在剥离其功能之后，这个建筑从它最初的使用中被解放出来，成为了一件自发的艺术品。
《迷失花园》局部
从一个中国古典园林的窗户可以看到各种各样的绿色植物。位移现象再次出现在这件作品中，透过玻璃，观者可以从一个对角线的角度看到他（她）自己的映像，这个映像并没有反射在应该出现的地方，而是反射在不应该出现的地方。在这件作品里，令人舒适的有机植物缓解了这种反射位移所带来的怪诞和惊奇的体验。
所有的花园都是建筑项目，是我们从零开始创造和构建的微小世界。在这里，园丁培育幻象，并将其种植于人类秩序的严谨框架内和我们不断努力管理的居住环境里。
雷安德罗•埃利希，《教室》（2017）
中央美术学院美术馆展出现场（2019）
木，窗户，桌椅，门，玻璃，灯
尺寸不一
《教室》是从《精神分析师的办公室》这件具有突破性意义的作品中延伸出的新版本。埃利希在一间空荡荡的教室里打造了这件作品。观众看到自己的投影出现于眼前废弃的空间中，并体验到一种奇异莫辨的幻觉。这部作品既引人不安有引人入胜，它呈现了一片探索的空间，令置身于其中的人们同时扮演着观察者和参与者的角色。不论文化或地域如何差异，教室在几千年里一直被奉为传授知识的场所。在一个因技术而紧密关联的世界里，更为传统的联结形式已开始瓦解，而小屏幕将跨越时区和语言的我们无缝连接在一起。这片景观被空荡荡的椅子和黑板所占据——以20世纪80年代北京一所典型的高中教室为例，它引导我们去思考我们得到了什么，失去了什么。
雷安德罗·埃利希,《试衣间》（2008）
中央美术学院美术馆展出现场（2019）
嵌板，镜框，镜子，凳子，帘子和灯
尺寸不一
雷安提供了一个既熟悉又私密的场景：时装店的试衣间。窗帘是绒布的，镜子是镀金的。所有的视觉提示都让我们想起了舒适性及其相伴的稳定性。但当我们在镜子里寻找自己的映像时，它却并不在那里。事实上，那些应该将我们的图像反射回去的“镜面”是由空气构成的。由于（这种情况）经常发生在雷安的作品中，我们从最初的不适到逐渐习惯，再转变成探索后的喜悦。我们可以穿过镜子进入一个迷宫，从认为是私人空间的场所进入与他人共享的体验，在原本应该出现自己的地方发现新的面孔。
雷安德罗·埃利希，《美发沙龙》（2017/2019）
中央美术学院美术馆展出现场（2019）
木，镜子，椅子，美发工具，铝制条，灯
尺寸不一
观众走进一家理发店，店里的镜子和椅子被擦得铮亮。有的镜子能映照出自己；但奇怪的是，另外一些镜子并不如此。此外还令人困惑的是，房间的其他镜子里竟然还出现了陌生人的脸。实际上，这个空间旁边搭建了另一个具有完美对称性（以及非对称性）的场景；这个一模一样的房间紧挨着“原版”房间。联结它们的是敞开的窗户而非镜子。这件作品与《试衣间》类似的是，本该是自己的形象却被另一个人的脸所取代，如同坚硬的玻璃变成了流动的空气：一个微小的空洞。在这些对日常生活的隔断中，其实贯穿着连接的可能：从个人世界的自我沉醉中转移出去，进入到集体体验当中。
——“挑战者”系列即将推出——