与建筑大师合作，他在设计过程中心存「疑问」，享受「发现」

© MUSEu&m

At Design Talk在上海的首次展览迎来了许多日本知名平面设计师的亲临讲座。其中也包括菊地敦己，曾获JAGDA新人奖、ADC奖、日本包装设计大奖、原弘奖等多奖项，活跃于平面、品牌设计、产品、出版、企划等各个领域的日本优秀美术指导和平面设计师。代表作品有青森县立美术馆vi和标识设计、龟之子(KAMENOKO)清洁海绵的品牌重塑等。本次亲临上海，菊地敦己除了带来诸多其知名作品及背后的思考历程外，他个人亲切随和的笑容背后，执着于别出心裁的设计思考方式更是给听众们留下了深刻的印象。菊地相信真正有意思的事情是心存疑问，然后享受求解的过程中获得的新的发现。让我们跟随讲座的主要内容了解一下他在设计过程中的“疑问”与“发现”吧。

点击上方图片查看

菊地敦己 Talks 相关讯息

撰文 | Estelle，Joya

编辑 | Winnie

 01 / 张张、菊地对谈 

█  欢迎菊地敦己先生的到来，您对展会的感觉怎么样？

菊地：平面设计和文字设计是相关的工作，不同国度设计也会不一样。向中国介绍日本设计师的活动非常好，我作为日本设计师也想了解中国的设计。

█  也是这个目的，在场有很多中国设计师，希望菊地今后有更多机会来到中国。

菊地：请问您为什么想到要采访日本的设计师？

█  首先很单纯的就是中国人对于日本有很大的兴趣，另外在中国有很多日本设计师是很有名的，也有不是很有名的，而且对于他们的事情很多也是大家感兴趣的。像菊地这样的设计师是很难请到的，所以今天能请到觉得很荣幸。

菊地：看到我的脸好像也没什么用哦，因为我也不是靠脸活着的。（笑）我一直有一个疑问，作为设计师在人前的说话或者演讲这件事是否正确？但是以自己的作品跟大家沟通也是特别需要的。今天我想分享的是我在各个作品的背后是如何思考的，这些作品是在日本设计的，所以肯定会有不同的背景，目的和元素。所以今天想跟大家分享的主要是我为什么要做这些设计。

█  那么接下来就有请菊地先生。

© MUSEu&m

 02 / 青山县立美术馆标识设计 

菊地：现在大家看到的是青山县立美术馆的一张图。这个是2006-2007年设计的。这是我三十岁左右做的工作，也是我第一次做建筑这个领域的设计。建筑设计本身是由一个在日本比较知名的建筑师青木淳设计的。

© MUSEu&m

© Internet

大家看到的这里每一个都是一个标志，这里的设计是采用了很多标志构成了一个面放在了出入口处。青山县在日本是一个多雪的地方，在多雪的季节日落时分，这些标志的蓝光映射到雪地中，并且折射到建筑上，会让整个美术馆透着蓝光，远看建筑会像是ufo的存在。通常美术馆都会用文字标名字，而在这个美术馆里是找不到的，这是这个项目的一大特征。此项目的设计初衷是：前面的大片雪地，后面的森林，以及灰色的天空都与美术馆融为一体，使美术馆本身成为一道亮丽的景色。

© Internet

青森顾名思义为绿色森林，所以每一个标志都代表一棵树，我在这里想描绘一个简单的故事：绿树神印。从我自身的喜好来说，其实我并不喜欢这种标志类的东西，我觉得单独标志的呈现其本身会带出一种自大的感觉，但毕竟是收费的设计，也不能什么都不做，所以如果我重复使用这个标志，把一个复制成一片，这种强势感就会被弱化。

© Internet

这是美术馆内的文字，包括里面的整套标识系统也都是我设计的。这里的文字的特征包括，水平，垂直，以及倾斜45度，再没有别的形式了，这种设定也是有它本身的设计意图的。美术馆的字体有一个特征是基本上字体都会比较小，因为如果字体大的话会显得空间很乱。所以我对于美术馆这一类场所的文字设计一般会采用品质感好，文字的尺寸偏小的方式去做设计。但是这样一来出现的问题是，虽然空间干净漂亮了，但是因为导视字体偏小而导致人们会在美术馆迷路。那反过来出现这个问题的时候，我们是否就不管空间洁净而把字体放大一些呢？这或许是很多设计师在做设计时所面临的问题。当然，空间的整洁与漂亮不是设计唯一的目的，而给人营造的空间舒适度才应该是最重要的。这些文字的设计灵感来源于工地上的脚手架，如果文字能对应这些横屏竖直的支架应该就会比较有舒适感。

© Internet

对于整个美术馆的文字设计初步估算应该在200个左右，不是特别多，但是一旦开始了文字设计之后我才发现，越来越多的地方需要追加文字，比如说寄存须知，参观导览，设施指示等的文字都需要设计，导致最后需要设计的文字总体数量已经超了500个。对于大多数地方的文字设计用的都是直线的形式，包括无障碍卫生间的轮椅标识一开始也是想用直线的语言做设计，但是如果真的用直线表示轮椅的话会给人一种推不动的感觉，所以轮椅的车轮是非直线的唯一的特例。

 03 / 池田晶纪展海报 

菊地：这是日本一位著名的摄影师池田晶纪的个人摄影展。我通过这张海报想传递的信息是：以中轴为中心，大家都想往中间靠。也就是说在这个平面中有一种重力效应。像中间的文字是居中的，左上角的照片是想往中间靠，右边的文字也是同理。众所周知，很多海报都有一个特征，那就是强调主题，而其他不是很重要的信息在海报中就会被放在很小很不起眼的地方。而我个人不是很喜欢这种表达方式，我觉得如果海报上不是很重要的信息的话那就不要放上去，只要是放到海报上的内容那么从某个角度来说应该都是比较重要的内容，所以我不希望这些内容被无视或者被弱化。主题有主题的作用，也需要承担传递氛围的角色，以及上面例如时间方面的必要信息也有不可忽视的作用，所以我希望这些信息在这张海报中能得到一个很好的平衡。

© Internet

我们平面设计师的工作大部分是接项目，当我们接到项目之后要完成这个工作该有的目的，从小的来说就是要使这个项目成功，或者说是要让公司获得利润等等这方面的目的。但是我觉得平面设计师的工作永远不局限于这一些。平面设计会展现在不同的地方，恰好在某种程度上会影响到整个社会的思考方式，或是影响到整个社会的思想。所以我不太想留下只体现某种权利或是某种信息类型的海报。当然从神秘的角度来说有些内容是需要被删去的，但是如果此信息为必要信息的话，我会让它与其他信息通过共生的方式来呈现在海报上。

 04 / Bread & Espresso品牌 

菊地：这是一个面包店的设计，包括店的命名，平面设计以及室内设计都是我主持设计的。这个设计最主要的特点是，我只是把文字简单的罗列，这个包装上没有任何logo类的存在，但是提手部分用的是红白相间的条状设计形式。在我们通常看到的品牌的标志设计来说，一般的图案和文字形状的组合方式都是固定的，但是我在这里没有采用相同的设计语言，而是打乱了这种固定的组合方式，比如说如下两张图文字和图案的组合方式是不一致的，而且我所使用的图案其实是比较大众的，在生活中是随处可见的。比如说像理发店或者路边的警示牌上到处都有同样的图案。文字也是非常简单的，也没有再赋予更多的个性，初看之下会觉得这个设计是没有什么特色的。

© Internet

© Joya

当我们把它与其他的品牌标示放在一起的时候，会给人一种别具一格的感觉。它的形状其实没有任何个性，我们所设计的东西并不是靠其本身内在散发个性，这个内容所使用的产品，时代，背景，等等因素会影响到它的个性。通常如果您收到一个设计委托去做一个咖啡店或是面包店的logo，可能您会上街去做调研，然后去观察人气比较高的店面的logo是怎么设计的，然后参照这个设计做一个类似感觉的对吧？这种想法在我看来是万万不可以的啊！这样一来的话新的设计就会变的没有个性。

 © Joya

我的一贯的做法与大家一样，也会先去做调研，但是找到大多数logo的设计方向之后，我会决定不做跟他们同类的。当然并不是说所有的设计都要走这条路。但是如果说在一个行业里面永远都是比较相似的东西，而没有一股新鲜的活力注入的话，那么对于这个行业是一种不健康的环境，所以我想思考一些不一样的方式。当然有一种比较传统的做法是利用现有的素材和思路去拓宽和类比，但是我的思路是希望带入一些新的表达方式来实现同样一个目的。

 05 / 菊地敦己个展 

菊地：正如之前所提到的，平面设计师一般会接到一些委托的项目，然后再开始做相关的设计。但是在我还未成为平面设计师之前，我内心有一种欲望去不断做些新的，与需求无关的东西。所以作为平面设计首先是自己有欲望去设计一些东西，然后再接受一些委托，在自发性的设计与客户的委托之间找到一个平衡点的时候，产品也就随之出现了。

 © Joya

接下来我将介绍几年前自己开过的一个展览。当时的主题是：“创意是免费的，是自由的，但是产品是需要成本的。”这是一个两层式的展览空间，里面的展品是以无裱装的形式展出的，另一个展间展出的是一些具体的商品。每个展品会有一些解说，比如说：类型，主题，价格，等其他相关信息。

© Joya

比如说这也是海报的展出，这只是一个放大和缩小的变化，他们各自有独立的标价，最小的是100日元相当于人民币6块左右，很便宜对不对？（笑）最大的是5万日元相当于3千人民币，有点贵对不对？（笑）所以这个其实就是把平面设计的作品用尺寸来论价值。大家其实去买咖啡的时候也有这种感觉，按量的不同价格也会有所差别。

© Joya

这里展现的是同一种图案，同一种揉团形式的五张纸，是很偶然得到的结果，被复制的五张纸。接下来有一个很有意思的思考。刚刚有提到，各种物品都有标出各自的价值，所以在作为示范作品的同时也是作为一个商品存在的。

© Internet

© Joya

右侧的图像是1600美金，左侧的火柴盒是1美金，其实用的都是完全相同的数据。因为火柴盒还有背面，所以设计的工作量比起图像来说其实是不相上下的。所以想问大家作为设计和创意来说哪个价值更高呢？我觉得完全是一样的。右侧的这幅图像因为是作为观赏用，所以有做图框把图像装裱起来，而左侧是作为火柴盒的用途被制造的。在我自己的创意来说这两者之间是没有任何区别的，但是生产量肯定是不一样的。火柴盒大概生产了1000盒左右，而图像不太能量产，作为商品被售卖大概有十张左右。作为商品定价难道是右侧的是作品，左侧的是商品所以价值就更低一点吗？其实我觉得不是这样的。其实只是从生产原材料的角度来得出的价值。

前面大家看到的都是在物理空间展示的作品，现在看到的是在互联网上展示的一个动图。这个数据是一个原始数据，操作者可以在网上进行编辑，把它放大，缩小，旋转，改变颜色以及下载成pdf格式，等等。任何人都可以无偿登陆以及下载的。复制这个数据是免费的，但是这个设计自身的价值是没有变的。比如说，如果我自己的一盒火柴被拿走，那么我损失了一盒火柴，自己的财产是会减少的。但是数据不同，无论它被多少人复制过，数据本身并不会有损失，创意也没有损失。从这个角度想，其实我们现在生活在一个不可思议的世界中，这是一个有形物质与无形物质并存的世界里。如何在这个世界里实现价值，这个想法可能因人而异。大家也知道现在有很多知识财产保护的法律法规，但是我个人不喜欢一切权利，所以我的想法是无论大家复制多少遍我的作品都没关系，而且这些都是免费的，创意是不收费的。当然我们生活在这个世界上会被各种因素所影响。如果说我自己创作的东西，被人拿去而起到了作用的话这也是一个很好的事情，能使我创造的东西发挥出更大的价值。虽然我的这个想法被同行无数次斥责和批评过，但是我仍然想保持我的想法。我的作品如果被不同人复制从而产出不同的作品并且出现在各种各样的物品上面。那么刚刚那副1600美金的画会因为如此就卖不出去了吗？我觉得不是这样的。

© Joya

所以我觉得价值不会减轻的这件事是一件非常有意思的事情。所以如何来形成一个产品的价值是一个非常困难的事情。在我的个展上各个展品都是有被定价的，所以我觉得金钱也是衡量一个作品价值的一个方面，但是仅仅只是一个方面，而不是衡量所有价值的基准。当然设计如果是想为了商业而存在也是可以的，但是平面设计不应该局限于此。在坐的各位平面设计师可能也深有体会，作为平面设计师的工作时间是相当长的。但是为什么即使是这样仍然有很多人在从事这个行业呢？肯定是因为做这件事本身是一件很有意思的事情所以才会让人继续做下去。所以有很多人不仅仅是实现了工作的价值，也实现了工作之外的价值。比如说虽然这个设计中包含了客户的要求，但同时设计师也表达了自我。在这里面就会有艺术的成就感。还有创意被运用在不同的产品或者商品上最终会给社会带来正面的影响。这个时候你应该会有给社会贡献力量的满足感。所以我觉得平面设计师是可以实现多种价值的工作。所以虽然这个世界有些黑暗，但是大家可以通过这种方式来传递正能量的。这是一个非常先锋的行业。

 06 / 菊地敦己谈自己的设计之道 

█  请问您作为平面设计师，在与作品风格不同的建筑设计师合作的时候，您的设计灵感来源是什么呢？

菊地：首先我会去现场看，然后在建筑的现场来考虑这个问题。最开始就是一个第六感，会产生出几种思路。如果有的思路是自己之前已经做过的话，那我可能会换另一个思路，然后在这个过程当中我会慢慢发现有一些意义是可以赋予在这个过程当中的，在这个过程当中，思路会不断的变得清晰，然后当我回过头想的时候，我会发现原来一开始我是按照这个概念去设计和思考的。所以我做的工作并不是写一个创意直接把它制作出来，而是思考制作，再思考再制作，在这个不断重复的过程当中让自己的创意成型。因为如果没有重复的这个过程的话，很难做出很好的作品。我基本上每天都有做新事物的想法，所以我会不断的与不同的事物进行沟通来产生不同的思路。

█  在当今这个时代信息迅猛发展与变化的大背景下，您觉得平面设计未来的发展方向是什么呢？

菊地：第一个想法是以后纸媒会越来越少，但平面设计最大的意义是固定在一个平面里面，这是一个不移动的艺术，我觉得无论历史如何变迁，对平面设计的需求仍会不断的涌现出来的。

 © Internet

比如说像这种构图，其实在最开始如何改变这些图形的位置都可以，但是当这个构图一旦成型的时候，那么这些图形就不可以移动了，这些图形存在于不同的位置是有一定的必然性的。从艺术的角度来看平面设计也是未来可期的。作为平面设计师，我更倾向于让我的作品引起大家的思考，现在很多事情的存在形式是发现问题和解决问题过程，但是如果大家每天都按部就班的这么做，可能有一天你会发现自己对这件事情太过于清楚反而就不思考了。我觉得当把事情理清楚的同时要心存疑惑，在质疑的过程中有新的发现，这是比把问题解决掉同等重要的事情。其实真正有意思的事情是心存疑问，然后求解的过程中有新的发现这才是最有趣的事情。与此同时会发现解决这个问题可能有不同的方式，这个发现也是很重要的。当平面设计为商业服务之时肯定是需要实现客户的需求使其盈利的，但是平面设计不应该停留于此，他应该有更多更有意思的事情存在的。

█  请问您与客户合作的过程中是如何与对方沟通设计的呢？   

菊地：在接到合作项目与甲方沟通的时候我不会去执行全部意图，不会完全按照诉求去做，因为客户在表达自己的诉求的时候可能未必能做出正确的陈述，可能大家都有这种经历，当你按照客户的诉求做完了设计拿给客户看的时候，他并不认同。这是为什么呢？是因为你做的东西不是他想要的东西。其实这就是一个事前沟通的问题。所以最重要的不是去听客户说什么，而是要去分析他为什么这么说，他真正的需求到底是什么。所以说不是去理解他所说的所有的语言，而是去理解他背后的立场以及背景情况，这样子的话，你在创作的时候才会有更宽广的疆域去考虑。打一个简单的比方，一个女孩子对男孩说：“我很讨厌你。”这个意思是真的讨厌他吗？当然这里面可能是有讨厌的事情，因为语言这种东西会有很多的细节在里面，所以不要把单词或词汇做一个单独的理解。

█  您为很多大牌的企业做了平面设计，设计成果也很受大众欢迎，请问您在做设计的时候会不会去考虑什么类型的设计更容易被大众接受？

菊地：我通常不会去考虑如何被接受，我对设计本源的坚持就是实事求是，比如说客户如果要求我在设计中作出我无法实现的承诺，我是不会承诺的，因为如果答应后续产生的问题会比较严重。平面设计有传递信息的功效，如果我能够对我的客户或者是大众提供一个清楚的描述，是平面设计的功能所在。所以首先我会整理对于这个客户或者是大众我能提供的承诺有哪些，其次我会去寻找同类的的设计没有做过的一条路。如果能做好这两条的话，做设计就不会有太大的失败。通过这样的过程是否会有很大的成长呢？这个就需要看内容的本质了。

© MUSEu&m

 关于日本平面设计展 

点击上方图片查看

日本平面设计展 展会讯息

 主办方 

At Design Co.,Ltd总部位于日本东京，坚信设计能够创造价值，并与日本各领域、近百位设计师合作，力行实践，运用设计赋能商业，通过教育培养设计力量。

At Design Consult：与日本一流的创意人一起，运用先进并具有成功实绩的创新经验，为中国企业打造适合中国市场的商业模式、产品，提供满足中国消费者需求的服务；

At Design School：与一线知名设计师共同开发设计课程，设计师亲授专业知识，培养实践应用能力；

At Design Talks：对话环球创意人，还原设计与商业、教育的真实生态，拓宽思考疆域，与设计师一起深层探索设计思维的影响力。

MUSEu&m于2016年初成立于上海，立志于用设计和艺术为空间赋能。

经过3年多的设计/展览实践，与近千名设计师、艺术家进行过合作。旗下“移动的头脑博物馆”不是一个人的空间理想，而是一群人的“联合创作空间”实验。我们与越界·世博园合作，作为独立的艺术发声，为我们社群的艺术家、设计师、策展人、文艺爱好者提供交流和展示的平台。

 合作方 

越界·世博园位于上海市黄浦区半淞园路388号，毗邻上海当代艺术博物馆，是锦和商业于2016年打造的集创意、设计、艺术、时尚、互动等一系列主题元素和创新功能于一体的品质街区和跨界融合空间。园区曾作为2010年上海世博浦西片区城市最佳实践区开放，也曾是上海南市发电厂，是一座历史与工业的双遗存创意街区。总建筑面积约5万平方米的园区有多个开阔的公共活动空间，曾成功举办各种潮流互动的创意活动。目前，已入驻红星电影世界、有在设计酒店、亲子餐厅、健身房、广汽设计工作室、北欧NORHOR家居、高定婚纱礼服等商户。

 合作媒体 

撰文 | Estelle，Joya

编辑 | Winnie

版权声明

版权归作者所有，

如需转载请联系作者获得授权

 THE END 

推荐阅读