Goldsmiths： MFA Fine Art Degree Show2021

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London Degree Shows, Summer 2021: Goldsmiths

MFA Fine Art Exhibition

2020年疫情席卷全球，为以实践为主要途径的艺术创作制造了许多困境。MFA Fine Art 2021的毕业展正是在这样的背景中诞生。在短短的时间内，不到30位艺术家通过大量装置，绘画，声音，数字多媒体等形式展现出惊人的想象力和鲜活的艺术创造力，试图通过作品与观众进行一场深刻而富有批判性的对话。

正如Nicolas Bourriaud曾经的评论，艺术品没有排他性，它只是现存整体形式中的一个子集（Nicolas Bourriaud, Relational Aesthetics, (Dijon: Les Presses Du Réel, 1998, 2009), 19.）。这使得这次的毕业展更加试图通过观众的反馈来赋予作品新的意义，并依旧延续了不对作品做任何说明与解释的金匠传统。本期专辑将以观众的角度为大家献上再一次的部分作品回顾。

[1] Nicolas Bourriaud, Relational Aesthetics, (Dijon: Les Presses Du Réel, 1998, 2009), 19.

 01*

Christopher Hartman

 What I want to say is this

Christopher Hartmann这一系列的油画作品体现了对色彩和光彩的强烈感知。高饱和度的色彩搭配，以及对光线的敏感捕捉，细腻且丰富的画作手法生动体现了物品在光线下的质感，极具个人特色。

Nike运动鞋，宽边CK底裤，白色棉袜，这些每天出现在我们视野里的物品成为了Christopher画笔下的创作素材，极大的引发观众共鸣。光洁的肌肤，明亮的色调，Christopher几乎删除了所有的瑕疵和缺陷，让人的肉体似乎是完全光滑和无瑕疵。

“细节是故意漂白的，使这些身体看起来是通用的，重复的 - 类似于社交媒体过滤器或当代主流的统一” Christopher 这样描述道。明亮而无可挑剔的颜色象征互联网的现代年龄，他所选择的调色板已经用来具体模仿屏幕的亮度。Christopher笔下人物的肌肤，草皮，草和天空都是有目的地过度饱和，为的是让他们看起来奇怪又陌生。这或许是Christopher想要表达的对技术驱动世界的评论。

 Waiting for something yet to be

 02*

MH Sarkis

MODULE Nº 1 [SPROUT]

MH Sarkis的作品探讨了女性主题，动态关系，潜在后人文主义和技术乌托邦(或反乌托邦)框架内的软实力。潜在后人文主义是由哲学家Ted Schatzki提出的两种不同的哲学假设。一种被他称为客观主义，试图抵消主体或主体间的过分强调而带来的人文主义弥漫，并将重点关注在非人类的动因上， 例如动物和植物，或者计算机或其他东西。另一种强调实践，尤其是社会实践，而不是构成个体的个人(或个体主体)（Schatzki, T.R. 2001. Introduction: Practice theory, in The Practice Turn in Contemporary Theory eds. Theodore R.Schatzki, Karin Knorr Cetina & Eike Von Savigny. pp. 10-11）。MH Sarkis通过响应机器人和基础机器学习的有机介入，在实践中轻柔的将这些概念编制揉合在一起，有时还带有一些自嘲。

MODULE Nº 1 [SPROUT]是一个混合新型媒体安装（手工簇绒地毯，钢铁，机器人，触控技术），作为一个原始配置模型，它会从一个突变成很多，直至吞没整个房间。

墙上的挂毯是由一部数字化织机制作而成，灵感来源于MH Sarkis与人工智能的互动，以及眼部追踪电影。在使用将影片不同色调转换成特定编织模式的软件后，织机软件开始工作，并完成挂毯。在此过程中，MH Sarkis手动控制机器完成2034次扭转。

MH Sarkis曾参与2018 Shape Open（由Yinka Shonibare MBE资助），并在Saatchi艺术平台上大获好评。近期，她的作品将在伦敦SPACE艺术空间的"2068"展出。

 03*

Evelina Hagglund

Out of language, Photo by Damian Griffiths

在Evelina Hagglund的作品中，线条，金属被强烈的表达在平面和三维空间。她将石墨绘画在粗麻布和棉布上，去探索物体与线条的体验感。在它们被进行语言上的定义之前，这种体验感和探索被放在首要位置。Evelina Hagglund试图将对作品的理解从几个方面同时进行，而不是限制在单一的阅读之中。“命名，或者说定义，是一个权力项目，从政治角度来说，这是我们数百年来处理文化，历史，身体，土壤的方式。”她说。

 04*

Nana Wolke

 Night Songs

无论是红色调色板的温暖，还是蓝色调色板的冰冷，Nana Wolke创作的画面给人一种寂静的带有某种阴谋，犯罪，灾难的气氛。“这位喜欢玩弄紧张气氛的艺术家，在处理当代存在感时的流畅，以及视觉文化杂乱无章和不确定性时，总能给人一种陶醉的感觉。”Charlotte Jansen在评论时说道。

Nana walker利用了红色的狩猎灯，捕捉重演那些从电影和流行文化中借来的,现于眼角的瞬间。暧昧的笔触，细腻的纹理，以及存在于肉体上的张力，展现了好像存在记忆中的图像，并重新创造了现实。

05*

Rodrigo Cesar

这个名为camera lumen的系列作品由喷墨在爱普生250gsm哑光打印纸上完成。作品给人一种模糊且晕眩的视觉冲击，就像是永远无法对焦的镜头，物体本身的样子也隐藏在其中。Rodrigo Cesar用这种特殊的方式，表达科技带来的焦虑和不安感。

‘Second landscape’是Rodrigo Cesar在本次展览中展出的第二个主题，铝上的UV打印的创作手法表达了艺术家对数字媒体入侵后的反思。这位居住在伦敦的葡萄牙艺术家，通过画面中强烈对比的彩色线条，使观众联想到日常生活中电子产品屏幕故障的场面。这种实验性摄影创造出眼花缭乱好似系统故障般的图像，实际上是通过个人和推测的辩证法在探索记忆与身体。

06*

Diana Zrnic

每幅画作的主人公手里都握着一部黑色的物体，在我看来是一部手机，又像是一块巧克力，感觉每个角色都离不开这块黑色物体。它无处不在的出现在每一个作品中，是我们太依赖这块黑色物体，还是黑色物体试图进入主人公的身体，每个人有自己的解读。

在数字和现实之间来回切换，Diana Zrnic通过将两者融合，为其探索不同类型的空间和不同类型之间的互动创造了一条途径，尤其是物理性的和数字化之间。她的绘画基于对和图像再次想象和数字化再次改造，而网络美学为她提供了各种可能的形式。秉持“兼而有之”的原则，而不是“非此即彼”。Diana Zrnic倾向于质疑。我们是如何受到危机的影响的？这些危机不仅以知识为标志，而且以反抗和需求关注的方式表现出来。

 Suddenly everywhere

参展艺术家均为金匠学生

所有文字及大部分图片由金匠学生

Zinnia Wang，Alice Sun提供

感谢MH Sarkis, Damian Griffiths, Evelina Hagglund提供的照片

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