达芬奇最贵的画还不是《蒙娜丽莎》
达芬奇
画家、作家
雕塑家、发明家
哲学家、音乐家
医学家、生物学家
地理学家
建筑工程师
军事工程师
……
几乎在每个领域都做出了巨大的贡献
▼
或许有部分中国人认识达·芬奇是从小学语文课文《达芬奇画鸡蛋》开始的，这个故事可谓家喻户晓，成为几代人的共同记忆。人们对达·芬奇的追逐，尤其是对《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》等不朽之作的向往狂热而忠实。但大家在讨论《蒙娜丽莎》的微笑如何神秘时，真正了解其中奥妙的却少之又少；在寻找《最后的晚餐》中的背叛者时，能切实感受达·芬奇画中构图精妙、形态生动的人也寥寥可数。
其实，大多数人对达·芬奇知之甚少。
《最后的晚餐》
达·芬奇究竟是如何的一个人
他一生完成的作品不多，但几乎件件都是不朽的名作。他的作品自始至终具有鲜明的个人风格，并特别善于将艺术创作和科学探讨相结合，在世界美术史上堪称独步。他与米开朗基罗和拉斐尔并称“文艺复兴艺术三杰”。
达芬奇生前留下大批未经整理的用左手反写的手稿，难于解读。只有到十七世纪中叶，才有学者整理小部分达芬奇手稿。达芬奇的主要手稿丢失了二百多年，直到1817年才重见天日。
《蒙娜丽莎》局部
今年是达·芬奇逝世500周年，全球刮起了一股“达·芬奇”艺术风暴，观众可以一览这个永远有着跨时代、跨国度吸引力的“跨界奇才”的创作人生。
什么样的画作值30亿？
2017年11月16日报道，当地时间15日晚间，在位于曼哈顿的佳士(Christie\'s)拍卖行，经过长达19分钟的激烈竞拍后，达芬奇的作品《救世主》以4.5亿美元的天价价格成交，折合人民币29.6亿元，创造了人类历史上艺术品交易价格的最高记录。
下面我们先来欣赏一下
这张史上最昂贵艺术品的尊荣
莱昂纳多・达・芬奇（1452 - 1519）
《救世主》
油彩 画板
65.7 x 45.7 cm.
约1500年作
估价待询
成交价： 450,312,500美元
为什么《救世主》会成为旷世巨作拍出天价的价格？
达芬奇画作鉴别难度极大，且真迹稀少，有价无市
据牛津大学艺术史名誉教授马丁坎普（Martin Kemp）教授谨慎估计
世界上有可能存在不超过20幅达芬奇画作
大约15幅已认定的达芬奇真迹
并且，所有的达芬奇的作品都被各大博物馆所珍藏
除了
《救世主》是目前唯一一件是私人收藏
是在市面流通的
并且一直受市场追捧的
达芬奇的真迹
更是抬高了它的身价
▲ 修复前的《救世主》 图片来源：佳士得
旷世巨作《救世主》的传奇经历
曾为英国皇室查尔斯一世所有
并在1649年载入其私人藏品名录
之后由白金汉公爵和诺曼比公爵之子
在1763年首次将其带入拍场
直到一个多世纪之后的1900年才再度面世
转手给英国收藏家弗朗西斯·库克
1958年再由库克的子嗣委托苏富比拍卖
但由于作品被多少次修复
很难辨别真伪
曾经被认为是达芬奇的追随者
尔纳迪诺·卢尼的作品
又因多度翻新一度被误认为是仿品
1958年曾以392元售出
2011年国际专家鉴定其为真迹
并与英国国家美术馆签署保密协议
拒绝对外公布关于此画的细节和发表任何评论
这被学界认为是近百年来最重要的艺术发现之一
几经转手后
最终《救世主》以4.5亿美元的天价价格成交
折合人民币29.6亿元
创造了人类历史上艺术品交易价格的最高记录
成为世界上最昂贵的画作
▲ 《救世主》（局部），基督手部细节，图片来源：佳士得
《救世主》的艺术价值与精湛的画技
《救世主》是达·芬奇在1506年至1513年之间
为法国路易十二所画的二十幅耶稣基督主题作品之一
作品描绘了身穿青金色与深红色长袍的耶稣基督，
右手高举象征祝
左手托水晶球
画中的基督为世界祈福的主题在500年前的法国和佛兰德地区非常流行
而半身像是典型的文艺复兴风格
水晶球上集中展现了其无与伦比的绘画技巧
来传达这绝对完美球体的透明度
水晶是最纯粹的石英
并在文艺复兴时期被认为蕴含神奇的力量
是王权与世界的标
基督握住水晶球
就好像“在掌中托住全世界的福祉与子民”
▲ 《救世主》（局部），水晶球细节，图片来源：佳士得
他通过在球体中极其精心刻画的微小斑点来展现水晶的质地
Modestini 指出
当用显微镜观察《救世主》水晶球中的斑点时
你会惊讶的发现
每一个斑点都用中性色调做底色
都被白色的花饰与黑暗的阴影笼罩
而且每一个的尺寸和因光线产生的效果都不同
不得不得感叹达芬奇精湛的画技
创造出无以伦比的美丽
该画作被称为“男版的蒙娜丽莎”
▲《蒙娜丽莎》（局部），眼周细节
VS
▲ 《救世主》（局部），眼周细节，图片来源：佳士得
达芬奇在蒙娜丽莎的脸部施以多层非常薄的涂层
这个技法也同样运用到的耶稣面庞上
这两幅画作一样
创作时间的跨度很大
负责人弗朗索瓦称
《救世主》是他经手所有大师里面的最好作品
▲ 《蒙娜丽莎》，1503年-1507年 巴黎卢浮宫藏
这是达芬奇的著名肖像画作品，它代表了达芬奇的艺术思想。画面描绘了一位恬静端庄的美丽少女，她充 满着对生活的喜悦和信心。画家敏捷地抓住少女一瞬间微笑的表情，表现出她微妙的心里活动，给观众以丰富的联 想。肖像以柔和的色调、细腻的手法刻画了少女的脸部、颈部和手部。这种甜美的艺术风格和文艺复兴时期对人性 的歌颂，以及对女性美的欣赏观念是完全一致的。
圣母子与圣安妮 意大利 达芬奇 法国，巴黎，卢浮宫藏
此画描绘圣母玛利亚的母亲圣安妮，她膝上坐着怀抱基督的圣母。基督正抓着一头小羊羔并试图骑上它，一边 还调皮地望着母亲，而外祖母正微笑地注视着可爱的小外孙。整个画面洋溢着圣家族天伦之乐的欢快情绪。画面构 图的严密和人物神态的和谐都是前所未见，被誉为艺术奇迹。他的这种构图原理和轻柔如烟的笔法对佛罗伦萨艺术界影响极大，米开朗基罗和拉斐尔深受其惠。
抱貂女郎 意大利 达芬奇 板上油画 纵54.8×横40.3厘米 克拉科查托斯基美术馆藏
此幅精美的肖像画，描绘了气质高贵、外表文静的切奇利亚·加勒兰妮，她是米兰的多维哥·史弗萨公爵的情妇，备受宠幸。画家运用光线和阴影衬托出切奇利亚优雅的头颅和柔美的脸庞，怀中抱着的毛色光润、形态逼真的白貂使画面生动了起来。白貂在这里取其象征意义，成为他的个人化身，达芬奇的肖像画真正做到了形神兼备而 得到世人的推崇。
明暗的处理，是这幅肖像画中最引人注目之处，光线和阴影衬托出切奇莉亚优雅的头颅和柔美的面容。
达芬奇不断尝试阐述照亮室内人物脸庞的光线来源理论，他使用明暗法（光亮和阴影的均衡）创造间接照明的幻觉。所谓间接照明，是使用墙壁或屏幕来反射光线，这种理论被认为非常现代化，与今天摄影家使用的方法不谋而合。
丽达与鹅 意大利 达芬奇 板上油画 纵112×横86厘米 佛罗伦萨乌菲齐美术馆藏
此画是达芬奇同名作品的摹本，原画已失。达芬奇很少采用神话做题材，此画是唯一的一幅。图中少女丽达居住在孤岛上，宙斯仰慕她的美貌，化做天鹅与她幽会。文艺复兴以来，这一题材被许多画家采用，大概是由于这段神话充满了浪漫主义的神人合婚的反封建色彩。画中采用装饰的手段来表现。鹅被加以夸张并且拟人化，丽达脸上的笑容，是“蒙娜丽莎”笑容的翻版，但裸体是画家人体解剖研究的成果。画面背景有深度感，远山、村落、河流与前景开满鲜花的草地相呼应，画家对人生和大自然采取了赞美和讴歌的态度。
画作题材取自希腊神话，海仙女丽达嫁给斯巴达王廷达瑞俄斯，后者忘了向阿佛洛狄忒祭祀，便遭报复。阿佛洛狄忒让宙斯化为天鹅，自己变成鹰追逐天鹅。丽达在湖中沐浴，天鹅飞落湖边，丽达把它搂抱怀中，导致受孕，生下4只蛋，孵出4位天使般的儿女。画面的草地上有4个破壳躺在地上仰视母亲的小孩。全裸的丽达占据画面中心，右手搂抱着鹅颈。她体态丰腴，脸上挂着“蒙娜.丽莎”般的微笑。天鹅张开右翅紧抱丽达，仰望着她的面孔似欲亲吻，丽达羞涩地将面庞避向右肩。背景是一座深色古代废墟，衬托出丽达洁白无瑕的玉体。
基督受洗 意大利 达芬奇 湿壁画 176.9×151.2厘米 意大利，佛罗伦斯，乌菲兹美术馆藏
在这幅画上，达芬奇奉老师之命，只画了左侧两个小天使中左边一个，可是就这一个侧面形象的天使，从人物造型和脸部的神情表现来看，要比老师所画的其他几个人物生动得多。达芬奇着重描绘的是一个天真无邪、毫无神秘色彩的儿童形象。儿童头部的卷发、身上的衣褶以及他与据说也是他画的后面的自然背景之间的和谐关系，给人以极其真实可信的感受。
尽管是初露头角，但可以看出达芬奇在人体结构与自然形象方面的深入探究，已经优于他的老师。色彩表现符合规律，形体的写实性十分强烈，因而给人以神态毕肖的印象。画布上这个跪着的小天使，目光炯炯有神，他认真而又好奇地注视着眼前所发生的事件。这一切似乎使他深入幻想的境界。当老师委罗基奥看了之后，也颇有自愧勿如的心情。自此以后，达芬奇又被老师介绍给一位在陶器釉绘上有独特技艺的画家卢卡·德拉·波比亚，让达芬奇进一步向这位色彩大师学习绘画的技艺。
受胎告知 意大利 达芬奇 意大利，佛罗伦斯，乌菲兹美术馆藏
这是一幅木板上的油画,现藏于佛罗伦萨乌菲齐博物馆。描写的是《新约全书·马太福音》第一章第一节马利亚受圣灵感动的故事,它属于达芬奇早期的杰作之一。圣经上说,马利亚许婚了木匠约瑟后,没有同房,就受到圣灵感召而 怀了孕。在路加福音第一章中是这样记载的:
天使加百列奉神的差遣,往加利利的一座城去,这城名叫拿撒勒。到一个童女那里,是已经许配大卫家的一个人，名叫约瑟,童女的名字叫马利亚。天使进去,对她说:承蒙大恩的女子,我问你安,主和你同在了。马利亚因这话很惊慌,又反复思想这样问安是什么意思。天使对她说:马利亚,不要怕,你在神面前已经蒙恩了,你要怀孕生子,可以给他起名叫耶稣。
《受胎告知》是现存达芬奇最早的作品，是没有老师的指导独立完成的一件作品。构图虽没有创新，而背景山水的描绘却已注意到了空气氛围的表现，以及达芬奇在探索客观真实中所作出的努力，他尽量想表现物质世界的本来面貌。这表明他一开始就致力于解决写实与典型加工的辩证关系。这除了有一点自由构思外，这幅画的场景都是达芬奇遵循一般的透视画法来构思的。后来位于欧利维特峰的圣巴托罗梅欧修道院还订购了这幅作品。
这种题材以前的画家已有各种表现，达芬奇采用了横幅，是为了展现美丽的贵族庭院生活，让视野更开阔些。借助宗教故事中天使加百列与圣母马利亚对话这一段情节，既满足社会需要，也给绘画技巧的探索提供方便。于是他选用对称的形式，画了跪在草坪上传达神旨的天使，和正悠闲地在庭院读书的马利亚两个形象。
这里的天使报喜富有戏剧性。马利亚的神态虽然平静，左手往后一缩的动作也显露出她内心的惊讶。她似乎不能自恃，怀疑她是否听错了天使的话。整洁美观的大庭院是运用科学的焦点透视法来展现的，宅院内华贵的建筑以及马利亚跟前的雕花桌子，都经过仔细的透视推敲。两个人物身上的衣褶是经过大量习作之后肯定下来的。所有这一切,都是为寻求绘画平面反映事物的准确性，但也显露出画家早期绘画上的刻板。
吉内薇拉·班琪 意大利 达芬奇 美国，华盛顿，国家艺廊藏
透过《吉内薇拉·班琪》画中的眼神，美中有忧伤和茫然。猜想是因为担心不知所嫁的老公是老是丑映射她的内心。画中并没有运用线，反而运用“阴影”加强立体感。仔细看你会发现衣服中有薄纱且与胸前的扣环仍清楚保留约一公分的空隙处理, 这也是达芬奇高超之处。
这幅《吉内薇拉·班琪》，一反15世纪艺术追求线条分明的传统，以逆光夕照的色调渲染他所倡导的透视效果。
此后，达芬奇1472年入画家行会，70年代中期个人风格已趋成熟。
这是达芬奇（1452-1519）最早的肖像画，创作这幅画时，他仍是韦罗基奥（Andrea da Verrocchio）画室中的学徒。尽管这幅创作于1475到1480年之间的画，是油画颜料的早期实验，年轻的达芬奇已经展现出自己对于这种媒介令人吃惊的掌握程度。在对卷发和皮肤的晕涂法处理上，体现出令人震惊的自然主义手法，他将手指蘸入湿颜料中，软化笔触；棕色的叶子最初是鲜绿色。最初的画板已经过切削，作品中曾经有模特的胳膊和手。
吉内薇拉·德·班琪是一个富有的佛罗伦萨银行家的女儿，这幅肖像受诗人和人文主义者贝尔纳多•本波(Bernardo Bembo)委托，他是威尼斯在佛罗伦萨的大使。吉内薇拉背后有一片铅笔柏（意大利语中为ginepro），这既是对她名字的双关之语，又象征了她的贞洁，与她低调的服饰和箴言“美仰慕美德”。画板背面绘制了放在斑岩上的一枝铅笔柏枝叶，还有一个月桂叶花冠和一枝棕榈枝。大使与这位名媛兼诗人之间有着柏拉图式的纯洁友谊，并在梅第奇宫廷中得到传扬，在那里正流行着新柏拉图式的理想。
柏诺瓦的圣母 意大利 达芬奇 俄罗斯，圣彼得堡，艾米塔吉博物馆藏
在达芬奇《柏诺瓦的圣母》这幅画中，画家利用顶端的两扇圆拱的窗户设计，将观赏者的注意力引导到坐在板凳上的圣母玛莉亚与圣婴耶稣。位于中央偏左位置的圣母将没穿衣服的圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵花圣婴右手探出想要拿花，同时伸长另一只手抓住母亲。于是，玩弄花朵这个动作构成了整幅画的主题，而画面垂直的中心轴不偏不倚正好通过三只手和缓交错的地方，成为全画的中心点。
玛莉亚穿着一身精致飘拂的蓝袍外加红裙与露出的红袖;她在胸前别了一只胸针，将蓬松的卷发精心地编成辫子。在这幅画中圣母与圣婴之间的顾盼与姿态尽溶于画的内在世界中，其所散发出的亲密感与同质性很难让观赏者将注意力从他们身上移开。
持康乃馨的圣母 意大利 达芬奇 德国，慕尼黑，古代美术馆藏
圣母穿着暗蓝色的衣服，外加红袖红裙，身披金色的斗篷，胸前别了一只胸针。圣母将圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵康乃馨。圣婴正伸出手想要抓住康乃馨。据传说，粉红色康乃馨是圣母玛利亚看到耶稣受难时留下的伤心泪水，眼泪掉下的地方就长出康乃馨，因此粉红康乃馨成为了不朽母爱的象征。红色康乃馨则是象征殉难的基督徒的血，似乎预示了圣婴以后的遭遇。
此画前景中摆着一瓶花，圣母的肘部几乎就要碰到花瓶。萨瓦里笃定该画是达芬奇跟韦罗基奥学徒时期的作品，画中的圣母带有韦罗基奥作坊的特点——苍白的、北欧人式的脸，金黄色的卷发，双眼望着下方。最能反映达芬奇特色的地方是圣母身后穿过凉廊的风景，那是一排崎岖不平，犬牙交错的山峰。
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