这位用“错觉”打造魔幻世界的艺术家亲自和我们聊了聊他的秘密

△Leandro Erlich，《泳池》（2001）

任何一个人都可以轻易地在钟楼上攀爬或是小憩，这是怎么回事？

试衣间的镜子无限重叠延伸，这是怎么回事？

站在楼梯口，楼梯向后旋转而不是向下延伸，这又是怎么回事？

△海报中即这次的特别展品：《建筑—上海钟楼（悬浮时间）》

去上海昊美术馆看看阿根廷“错觉”艺术家莱安德罗·埃利希（Leandro Erlich）的大型个展“虚.构”（Construction of Reality），就能亲眼看看这一切不可思议的景象了，他的作品证明了一个道理：眼见为虚。

这是埃利希在中国的首次大型展览，共展出30多件代表作品，涵盖了大型互动装置、影像装置、摄影等创作形式，其中大型的“错觉”互动装置作品有13件。（注：艺术家最为著名的作品之一《游泳池》被日本金泽21世纪美术馆永久收藏，因此展品没有出现在本次展览中。《建筑——上海钟楼》是为本次展览量身定做的特别版本。）

△《虚·构》展览的现场

“虚”意指虚拟、虚幻，代表了艺术家利用视觉的错觉落差呈现作品的手段；“构”，意指建构、构筑，是艺术家在错觉基础上对建筑空间的改造和重建。埃利希有着天马行空的想象，擅长使用镜面、投影、建筑结构来“虚构重现”出现实的“表象”，从而带领观众身临其境，思考身体与空间的关系，个人与社会空间的关系。

我们在埃利希到达上海的第二天和他聊了聊。他喜欢大家叫他的中文小名“雷安”，2002年时他就在上海艺术双年展上展出过他的作品《教室》、《试衣间》，这次又带来了《建筑——上海钟楼（悬浮时间）》，虽然没有在上海长住过，但这些年来上海已经成了他最常到访的城市之一，从这个城市的变化里，他也找到了作品概念的新可能方向。

△艺术家Leandro Erlich

雷安的话：

从2002年到现在，我觉得上海变化很大。我对城市自身的活力更为关注也更感兴趣，但现在有种感觉，所有的大城市总是以这样或那样的方式有所联系，比过去更为紧密，于是它们变得……越来越相似。

当然我们要牢记一点，城市本身永远比它街上的那些时尚流行品牌、快餐店、建筑乃至交通方式拥有更多的东西，居住在其中的“人”是最为重要的元素。不管今天的上海看起来如何摩登，拥有多少和其他世界大都市相似的特征，但它仍然有独一无二的东西，那源于它的历史，“人”的状态定义了文化的性质和质量，他们总会有独特看待事物不同的角度和眼光。

△《试衣间》

我往往用直觉去寻找城市中微妙的不同，当所有人的生活方式都越来越雷同的时候，我想从那些大家都习以为常、认为理所当然的部分中找到可能被忽略的东西。每当我到达一个新的地方，人们穿衣打扮的方式，他们的生活习惯都会让我耳目一新，但那些细节往往需要更长的时间去观察。

我第一次来差不多是2000年，当时注意到一些有趣的现象：人们在公共场所打太极拳、跳交谊舞。我在这里待了一个月，和那些打太极拳的人一起编了一段舞，他们就好像镜像一样互相对照。那是个很不错的作品，我非常乐在其中。

△《教室》

但让你对城市留下深刻第一印象的往往是建筑，特别是它们的外观。我的父母都从事和建筑有关的事情，我在成长过程中不停参观各种建筑的工地现场，那当然对我产生了很深的影响。不过孩子看待事物的眼光和大人不同，他们不会去考虑那些实用性的问题，比如建筑的实际可以面积，或者哪里可以按电梯之类的，而只是好奇这些空间会有怎样的故事。

这也成了我之后理解空间的方法，空间几乎成了一种语言，它创造了我能够表达想法的渠道。建筑当然也是一种艺术形式，但它从来逃脱不掉实用的规则，但在实用之外，空间或者说物品总会告诉你一些故事，透露许多信息。

△《窗外》

我一直在思考的是，我们应该如何让这些元素排列组合，去重新书写另一段故事？

我曾经为香奈儿移动艺术展做过一个有关巴黎的作品，看起来就是雨后街道的积水里倒映出城市的建筑轮廓线。还有这次展览中也可以看到的《窗外》，就好像无所事事的童年下午望出窗外的景色。很多人都会走到我的作品里进行互动，不管它的形式看起来多有趣，但背后总是有一个故事在支撑。

△《窗与梯》

新奥尔良的飓风灾难过去之后，我去拜访了当地，建筑都被毁了，到处都是狼藉一片，于是我做了一片残存的窗户和楼梯。这次的展览中可以看到《窗与梯》的新版本，我把楼梯改成了更为古老的形态，就好像悬浮在半空中。除了作品概念的既定意义之外，我喜欢的一点是它可以发散出多重意义。

「当有人问你“这个作品是怎么回事”的时候，我会说，你可以来告诉我你的理解。」

△《美发沙龙》

我当然很清楚每一件作品创作背后的出发点，但我始终认为观众也有他们的创造性，艺术的意义就是创造一些可以被解读的东西。我们在学校里学到“1+1=2”，但艺术的解读没什么正确答案，寻找它的意义，这才是它的价值所在。不然的话，人类的存在只能被局限在1+1这样的线性规定上。

艺术的有趣之处在于，

人们拥有诠释的自由。

人们接纳一些东西，出于政治或者社会的原因，或者是心理上的因素，每个人对听到的东西都会有一些不同的理解。我觉得他们的理解都是对的，只是他们把这个想法与他人分享的时候，又会出现一些变化，正是这种流动，慢慢会让文化变得更丰富。

△《六个循环》

我现在正在写一本书，主题就是人们在我的作品里做过些什么，他们如何看待我的作品。完成一件作品后我往往就离开展览现场，但观众的参与会让它发生不同的意义变化。我刚入行的时候还没有Instagram这样的社交媒体，至今也没有Instagram的账号——如果我也身在其中，就会想着如何发照片，会太清楚它的规则，就无法看到那种魅力。

我想要置身事外。但让我惊讶的是，Instagram上有许多照片都标了我名字的TAG，人们随手拍的照片都是创造的一部分，这让作品有了一种持续不断成长的状态。

△《坚硬的水》

很多人会用“错觉”来概括我的作品，尽管这个词是准确的，但我更偏爱“认知”。“认知”是你的原始本能，呱呱落地之后，我们通过眼睛、耳朵等感官去认识世界，父母、学校、社会会告诉我们更多，我们也渐渐学习到感知无法直接接触到的知识，比如花草树木、星辰大海的原理。

成年后我们渐渐停止发问，而是把一切都认为理所当然。但感知始终存在，找到它也是我作品的目的之一。我希望大家可以重新有惊讶的能力，“这和我印象中的东西不一样！”楼梯不该是平行的应该是垂直的，在你疑惑的那个片刻问题会冒出来，然后你会再次细看作品，可能又会生出新的角度和想法。

△《电梯迷宫》

我最早作品之一是有关布宜诺斯艾利斯的建筑和城市中的纪念碑的，我做了一个一比一等比大小的纪念碑模型。想象一下：你已经熟知上海美术馆的位置和模样，却在几公里之外又出现了一座一模一样的建筑，会发生什么事？

建筑是一个地标，如果有两座建筑，人们会有困惑，哪一座才是你说的那座？再细想一下，这是否和我们现在日渐模糊的城市面貌有点类似？在上海的星巴克里你能听到英语、法语、日语，而在马德里或者巴黎的星巴克里你却能听到上海话，让你确认自己身在何处的坐标系到底是什么？

△《电梯》

每一次展览我都需要根据场地调整作品，并不是每一次都能有昊美术馆那么完美而巨大的场地，我也在很小的美术馆里做过展览，完全就不是同一回事情。不过我从来不会因为场地而牺牲掉作品的需要和想法，毕竟我已经做了25年的装置，所以总会把现场的实际情况考虑进去。

△《邻居》

我不是画家，并不是完成一幅画，把它搬出工作室，挂上美术馆的墙就算完事儿了。这次的展览中我们想尽可能向上海观众展现作品的多个侧面，空间的每个角落都被仔细考虑过。场地的变化也意味着创作可以一直继续，作品每次到一个新的场地的时候，其实就是一种重新创作的过程，而场地也会给我带来全新的灵感。

这次的展览是我作品一个全面的回顾，但我的作品从来不按线性的时间线发展。我平均每年会有四到五个项目产出，但说实话，制作的速度跟不上我想法冒出来的速度。哪一个想法可以继续？我的甄选标准很简单：首先是一个清晰的我想表达的概念，其次，有一种激情敦促我排除万难把它完成。

作品有它自己的“命”，我们在成长过程里会意识到自己的生活中能拥有的部分非常有限，你有想法和雄心，但一旦有意外发生，你要学会改变和放手。

△《楼梯》（照片里为艺术家雷安本人）

《盗梦空间》以及《奇异博士》等等电影里都有提到空间的折叠和扭曲，但它们都在我的作品面世后出现，我也常常在一些电影里看到和我作品类似的场景，如果说我的想法对他们有所启发，我也很欣慰。

电影给我很多灵感，但主要是老电影，它们让我意识到，观看者可以打破旁观性，而置身为演员之中。古典艺术常常会和观众保持距离，这会让我感到无聊，我为什么要去解读其中的既定意义？好像需要专业人员特别给我讲解其中的细节才可以。如果你需要解释，那就会造成问题，人们应该被激发兴趣，并主动采取行动。

△《房间》

更年轻一些的时候我已经扛过了一种压力，那就是如何面对自己和他人对作品越来越高的期待。幸运的是我一直有新的作品产出，而且我认为有句话说的很对，评价一个艺术家的创造应该看他作品的总和，特别是那些第一眼看起来不起眼的东西，因为它们还有变化和成长的可能性。

我有一个12人的团队，他们帮我解决各种里里外外的事物。但创作的瓶颈是我必须独自去面对的，有时夜半三更想不到解决的方法，可能再苦思冥想到凌晨也不会有答案，反而在第二天打网球或者做什么无关紧要的事情的时候，解决的方法自己跑了出来。某种程度而言我已经习惯了困境，它不会打击我的自信，也不会让我手足无措，反而让我越战越勇，但孤独，也是在所难免的部分。

展览日期：即日起至10月15日

开馆时间：

周二至周五：13：00 - 22：00 

周六至周日：10：00 -22：00

昊美术馆地址：上海市浦东新区祖冲之路2299弄1号

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