深度探索798，艺术区里藏着的精品展览，画廊周北京为你揭晓前行地图

第四届画廊周北京将携手22家参展画廊及非营利艺术机构于5月22日-5月31日在798艺术区和线上平台呈现世界级展览与活动。这是一场艺术的高光时刻，也是为你准备的惊艳集锦。

究竟有哪些好展览在等待着你呢？别错过前两期路线👇

展览探秘第三期，我们从798的南线出发：

席卷世界的疫情带来了各种方面的思考

先来UCCA尤伦斯当代艺术中心

加入“紧急中的沉思”

   st

1    stop

 紧急中的沉思 

我们正在世界的不同角落同时经历二十一世纪第一个全球至暗时刻。在商业发展与文化交流因疫情陷入停滞、每日死亡人数不断刷新、紧张局势加剧、各种悬念不定的大背景下，我们不禁陷入沉思："艺术何为？”

“紧急中的沉思”这一展览意味着观众将戴着口罩、彼此间隔两米；刚刚测过体温且温度低于37.2摄氏度；以及通过扫描二维码证明过去十四天没有离京记录——我们从未对观众有过这样多的假设。此次展览在其他计划被放弃或搁置后脱胎成形，它源起于我们共同面对的困境，即流行病学、经济、以及社会组织层面上的不确定性。从我们所在世界的准则出发，展览分五个章节展开，提出对日常、生命有限性、动物性、叙事、全球化和信息的质疑。

展览汇集二十余位国内外艺术家在过去十五年间创作的作品。展览标题取自美国诗人、纽约现代艺术博物馆（MoMA）策展人弗兰克·奥哈拉（Frank O'Hara，1926-1966年）所著诗集的标题。他在一首诗中如此写道："在危难时刻，我们都必须再三思索我们爱的人是谁。"

每一家画廊和机构都有自己独特的艺术之路

東京画廊 + BTAP 成立七十周年之际

为我们带来了怎样特别的展览？

   nd

2    stop

 还会与你相见 —— 

 東京画廊 + BTAP 70周年特展 

作为日本以及亚洲第一家从事当代艺术的画廊，成立于1950年的東京画廊已经走过了70个年头，2020年東京画廊+BTAP将举行纪念画廊70周年系列展览。北京空间将于2020年5月-8月，用本年度首展“还会与你相见——东京画廊+BTAP70周年特展”开启对東京画廊+BTAP极具意义的这一年。届时将邀请東京画廊成立至今合作过的包括徐冰、蔡国强、黄锐、隋建国、宋冬、丁乙、刘小东、何云昌、王舒野、叶剑青、朱建忠、曾健勇等在内的39位中国艺术家参展。展出包括绘画、雕塑、装置、影像在内的八十余件作品。

绘画如何成为绘画？

观看方式和维度的改变带来了什么？

在CLC画廊，听张淼如何回答

   rd

3   stop

 张淼：Halo

张淼一直试图把绘画当成一个门类来看犹如把蝴蝶当成昆虫来看，而忽略蝴蝶的种类和色泽。此时面对作品的时候就成为了“什么使绘画成为绘画”，在这个To be的问题上，他把自己的创作称为 “The still life with brush that is install on the wall”,（张淼总是使用英语去定义是因为相对于中文，英文逻辑更顺利表述，可以大概理解为“带着涂抹痕迹的相对静止的静物或活物占据了空间”）所以当面对绘画不是面对一张绘画而是绘画整体时，它有着叙事的功能却没有在传递叙事，有着笔墨的痕迹却没有作者的态度和立场。艺术家更在意的是作品与观众所产生的思维上的空间，当观众失焦去寻求链接时所产生的空间是自由和有生命力的。

现代主义至今的建筑师都给了艺术家以旁观者的角色在实践中去解决复杂和矛盾并置问题时的经验。把 “什么使绘画成为绘画” 和 “什么使建筑成为建筑” 组装、拼贴、融化在一起（All in one），是一种观看方式和维度的改变，形成了艺术家所说的 “时间的坍塌”，这种坍塌感在海杜克的纸上建筑和诗句里出现，在布莱希特戏剧中的间离出现，在库布里克的电影里出现，在约翰・凯奇的音乐里出现，在把媒介本身当作主体看待并进行创作时，艺术家是创作者也是旁观者，并没有将观众置于确定所以是强加的语境中。在“Halo”中，绘画、雕塑、建筑的All in one是问题和答案的坍塌。

作为“颜料实验者”

沈忱一直在实践抽象绘画的绝对性形式语言

来今格空间，窥见艺术家的心理空间

   th

4   stop

 沈忱：第三回 

 无题/2000年以来的创作 

这次展览的13件作品是艺术家在2004年至2019年十五年间创作的“无题”系列的代表性作品，同时展出了8件色彩研究手稿。从2004年的作品《无题 作品 97-04》开始，沈忱的创作中不再出现纵横交错的线条，而是使用定制的平头笔刷以单一的纵向线条占满整个画布，并且确立了从2004年至今沈忱抽象绘画的绝对性形式语言。这种形式一方面来自于深受中国传统书画书写方式的影响，也指向艺术家自身构建的纵向发展的心理空间，纯粹的纵向线条也为平面的无限延展提供了更大的可能性。一层覆盖一层，空间不断叠加，时间不断延长，过程不断累积，书写性在这种过程中不断重复，行为在这种过程中不断再现，而这个过程一直被理性所控制；另一方面，线条交错的规整，色彩关系的反复推敲，色块之间留白的不断显现，随着层次越来越丰富，作品的精神性越发凸显，而观者的观看和思考方式也因此而改变，艺术家在这种持续的重复性的创作过程中则不断隐退。值得关注的是，这种隐退并非对现实逃避，而是对纷繁现实的多重反思。

城市空间和公共生活充斥着怎样的矛盾？

艺术家葛宇路在北京公社为你讲述

   th

5   stop

 葛宇路同名个展 

北京公社将于5月22日推出艺术家葛宇路的首次同名个展《葛宇路》，展览将持续至2020年7月4日。

葛宇路1990年出生于湖北武汉，2013年毕业于湖北美术学院影像媒体专业，2018年于中央美术学院获得实验艺术硕士学位，现工作、生活于环京地带。葛宇路的兴趣多集中对城市公共空间及公共生活的观察，试图通过作品调侃生活中隐藏的矛盾，消解固化的权力结构，制造新的动态关系。他近期参与的部分展览包括“情的时代”爱知三年展，日本名古屋（2019）；无界艺术季，扉美术馆，中国广州（2019）；“家的变迁”，金泽21世纪美术馆，日本金泽（2018）；中国当代艺术年鉴展，民生美术馆，中国北京（2018）；“应力场”第四届美术文献展，湖北美术馆，中国武汉（2017）；CAFAM双年展－空间协商，中央美术学院美术馆，中国北京（2016）等。他曾入围2019艺术8青年奖以及第十三届AAC艺术中国年度青年艺术家（2019）。

蜂巢当代艺术中心即将呈现的三个展览

同时探讨历史、时空、科技的话题

满足你的无限好奇心

   th

6   stop

 段建伟：浮生 

艺术家段建伟在蜂巢的第三次个展“浮生”将围绕对于近作的梳理展开，同时勾连早期的重要作品探究其独特造型系统的内在成因。段建伟的作品一直以来都具备一个大格局的时空观。从时间的维度上来看，段建伟笔下极具中原色彩的人物身上同时展现着日常的延展性和富有仪式感的瞬时性。从空间上来讲，段建伟所描绘的是一种中国农业社会的缩影, 作品对于人物关系的微妙处理无不渗透着中国社会传统而深远的民族性。段建伟的作品由此具备了将中国本土农民形象与文艺复兴早期非日常的宗教人物形象进行调和的有效性，并不断磨合出脱离此时此刻的时空之外的人的精神面貌。

 蒲英玮：时间，历史，我们 

本展览将集中呈现艺术家蒲英玮所全新创作的五幅历史性系列组画《时间，历史，我们》，以及与此命题相关的装置与录像。这些作品将是个人与集体国家与种族记忆与当下土地与迷狂的多相重叠，它将横贯于展厅之中，作为一切叙事的可能的链接。在其近期的绘画“革命现实主义字体”中，蒲英玮将“绘画性”视为一个“历史的、感知的、伦理的、资本的”政治性话语空间，并且通过一系列不间断地工作（涉及展览、写作、讲演、翻译、设计），试图呈现出一个诉诸于美学的、一个构建中的理想社会的草图。

 钱泓霖：数位遗骸 

本展览将体现数位躯壳的“遗迹”现场，透过艺术家钱泓霖一直关注的创作主题“身体与记忆”，从“数位遗骸”的概念出发，营造出一个科技末世论的未来，数位科技没落后的时空中，人类科技存在的证明产物——一副被抛弃机械残骸的遗迹现场。这一生命体消失最后的景象既神秘又哀婉，人类曾经将自己的情感和对世界支配的欲望利用科学理性与科技投射于大自然。而在这一梦破碎的未来时空中，大自然再一次接纳和包容人类所遗留的遗骸，在此人类与动物、人类与机器、自然与非自然之间的界限再一次消失和融合。

现在到达山中天艺术中心

他们以开馆首展参与到画廊周北京2020的活动中

不要错过国内首个呈现屏幕艺术起源的展览

   th

7   stop

 从屏幕到观念——50年的历史 

山中天艺术中心以“从屏幕到观念——50年的历史”作为开馆首展，该展览是国内首个呈现屏幕艺术起源的展览，由国际策展人乔纳斯·斯坦普和肖戈联合策划。从约瑟夫·博伊斯到劳伦斯·韦纳，通过30位前卫艺术家的作品对在线屏幕艺术进行溯源。在后疫情时代，人人与屏相伴。该展提醒我们以史为鉴，展望未来，同时为探索、理解和讨论当代艺术如何在线上环境中发挥作用，提供了独特的可能性。

💡

小提示

798入园时需佩戴口罩，扫健康码，并测体温

🚶‍♀️行人可从北1门、西4门或南门进

🚗 车辆请从南门或西4门进

延伸阅读

↓ 点击下方“阅读原文”，下载画廊周北京全新App

    了解“画廊周北京2020主单元”的更多信息