四季影展2019春“流动的顿悟”片单及排片公布
四季影展2019春“流动的顿悟”下周正式开展，从3月至6月，我们将在尤伦斯当代艺术中心、法国文化中心陆续呈上自20年代以来的近20部影像佳作。其中包括拉尔夫·施泰纳拍摄于1927年的短片《水》（胶片，现藏于MoMA），罗曼·波兰斯基长片处女作《水中刀》，德里克·贾曼改编自莎士比亚经典的《暴风雨》，塔可夫斯基的名作《飞向太空》，善用水这一意象的亚洲导演蔡明亮的《黑眼圈》，提前透露蔡明亮导演和他的御用搭档李康生也会参与映后交流。还有谢飞导演《湘女萧萧》《香魂女》专场连映，我们也荣幸地邀请到了谢飞导演和影片主创团队来到现场。
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四季影展2019春“流动的顿悟”
排片表
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影片及作者介绍
（影片按片名中文拼音顺序排列）
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▲《暴风雨》海报 ©️ Screenbound International
暴风雨
The Tempest 1979 / 英语 English / 中英字幕 Chinese and English subtitles / 95min
影片根据莎士比亚的名剧《暴风雨》改编，一个讲述背叛、复仇与宽恕的故事。在众多改编该原著的影视剧中，贾曼的《暴风雨》无疑是最实验和先锋的，作者气质浓郁。影片中的每个人物都被改造成不同形式的癫狂，通过幽暗与狂欢的交替将原剧中压抑的色彩全副展现。他在绘画和舞台艺术上的造诣，使得场面具有十足的舞台感。
德里克·贾曼
Derek Jarman
生于1942年的德里克·贾曼，不仅是一个导演，也是一个诗人、画家、植物学家和同性恋权利活动家。他认为自己英国人和同性恋的身份是他生活中最重要的两个事实，这两个母题也是始终纠缠他的艺术中的两个主题。贾曼曾经在英国伦敦大学的皇家学院研习艺术史，60年代中期开始以画家的身份从事艺术活动。由绘画进入电影，使得贾曼有别于传统的导演，他对情节、故事都表现出极大的厌倦，他对电影的形式和传达的抽象思想更感兴趣。贾曼的影片始终执著于先锋实验倾向，在艺术上吸收了来自于绘画与舞台艺术的精髓，同时又将故事发生的实际场景与当前的现实作了许多糅合。
▲《博物馆的来访者》海报 ©️ Lenfilm Studio
博物馆的来访者
Visitor of a Museum 1989 / 俄语 Russian / 中英字幕 English and Chinese subtitles/ 128 min
这部被称为《潜行者》的“继承者”的《博物馆的来访者》诞生于塔可夫斯基去世三年后的89年。影片的故事背景设定于一个荒芜的后天启时代的世界，垃圾成山，江海泛滥，全世界由畸形的智力退化的“堕落者”组成，他们与仍然保持着文明化的人们分隔开，生活在“保留区”之中。整部电影的画面和《潜行者》具有十分相似的质感，在悲凉抑郁的基调上展现出来的无主世界也继承了前者的气质。导演本人作为塔可夫斯基电影精神的继承人，在此再次呈现了同样沉重深邃的主题：在失去救赎的末世中思考宗教和信仰拯救问题。
康斯坦丁·罗普桑斯基
Konstantin Lopushansky
前苏联的电影历史上，以安德烈·塔可夫斯基为代表，涌现了一大批同时代的天才电影人，不仅率先尝试和发展了电影的诗学理念，在现实主义电影之中也留下了浓墨重彩。可惜因为冷战因素，大多数被埋没在历史尘烟中，康斯坦丁·罗普桑斯基就是其中一位。作为小提琴家毕业于艺术学院的罗普桑斯基，因为有机会参加了塔可夫斯基《潜行者》的助理导演工作，在80年代开始了自己的导演生涯。其代表作有《博物馆的来访者》《死者来信》。
▲《二十四只眼睛》海报 ©️松竹株式会社
二十四只眼睛
Twenty-Four Eyes 1954 / 日语 Japanese / 中英字幕 English and Chinese subtitles /156 min
二十四只纯净的眼睛，十二个时代裹挟下命运悲剧的孩子。由木下惠介执导，改编自日本著名作家壶井荣同名长篇小说的《二十四只眼睛》，讲述了濑户内海小豆岛上的大石老师和她的12名学生横跨日本战前战后二十年间的命运变迁，是一部经典的反战电影。抒情派导演木下惠介用清新诗意的镜头，包裹战争残留的疮疤，平静却有力地写尽了战争的残酷。影片中饰演女教师的高峰秀子的眼泪，就是对战争最大的无声控诉。不得不提的，是该片的音乐。多首熟悉的民谣，儿歌，《甜蜜的家》、《故乡的亲人》等名曲穿插其间，清婉恬然，如同流过二十四只眼睛的温情，映照了苦难中相依相扶的心灵交融。影片被同年《电影旬报》评为日本年度十佳电影第一名，更打败黑泽明的《七武士》，获得1955年金球奖最佳外语片奖。
木下惠介
Keisuke Kinoshita
木下惠介（1912-1998），日本著名的抒情派导演，编剧。与黑泽明、小林正树、市川昆并称为四骑士。幼年时的木下惠介，被开食品店的父亲经常带着去放映处贩卖食物，由此和电影结缘。他在1933年进入松竹电影公司任摄影助手，其导演生涯始于1943年，在拍摄了处女作《热闹的码头》后，开始在日本影坛崭露头角。在其长达半个世纪的导演生涯里，执导了近50部影片。他的作品多次上榜《电影旬报》评选的年度十佳，更斩获国际电影节奖项无数。反映日本政治、社会的问题是他的电影常诉诸的主题。《日本的悲剧》（1953），《二十四只眼睛》（1954），《楢山节考》（1958）是此类型下他最具代表性的重要作品。《卡门归乡》（1951）为日本第一部彩色电影。
▲《飞向太空》海报 ©️ Films Sans Frontières
飞向太空
Solaris 1972 / 俄语 德语 Russian German / 中英字幕 English and Chinese subtitles / 167 min
《飞向太空》改编自科幻作家莱姆的同名小说《索拉里斯》，讲述了一组苏联科学家到索拉里斯行星上研究“海洋”，后来才发现这看似海洋的东西其实是行星的“大脑”，海洋的波动能影响到宇航员的心智和记忆的故事。为了将《索拉里斯》搬上大银幕，塔科夫斯基和莱姆合作，莱姆参与了剧本改编，但无法控制塔可夫斯基为电影进行的剧情变更。在塔可夫斯基那里，除了人性、爱，这样常见的塔可夫斯基命题之外，电影里涉及了几个科幻故事中也常涉及的命题，例如人和非人的关系。塔科夫斯基自己认为“影片具体呈现了‘意识’这一概念，它得到了很好的表达。问题在于，影片中有着太多伪科学的招数。”本片被提名1972年戛纳电影节金棕榈奖，并获同年戛纳电影节评委会大奖和国际影评人协会大奖。
安德烈·塔可夫斯基
Andrei Tarkovsky
安德烈·塔可夫斯基，1932年生于俄罗斯，是诗人阿尔谢尼伊·塔可夫斯基之子，曾就读于苏联电影学院。自第一部故事长片《伊万的童年》于1962年获得威尼斯影展金狮奖开始，他的电影一直是各大国际电影节的宠儿。塔可夫斯基对电影语言的杰出贡献具有公认的典范意义，他开创了自己独特而完整的艺术风格，使博大深邃的精神主题在庄重沉郁的诗性叙事中展开，获得完美的表达。瑞典电影大师伯格曼曾予以这样的赞誉："初看塔可夫斯基的电影宛如一个奇迹。蓦然间，我感到自己伫立于房门前，却从未获得开门的钥匙。那是我一直渴望进入的房间，而他却能在其中自由漫步。我感到鼓舞和激励：终于有人展现了我长久以来想要表达却不知如何体现的境界。对我来说，塔可夫斯基是最伟大的，他创造了崭新的、忠实于电影本性的语言，捕捉生命如同镜像、如同梦境。"
▲ 《弓》海报 ©️ Finecut Co., LTD
弓
The Bow 2005 / 韩语 Korean / 中英字幕 English and Chinese subtitles / 90 min
影片《弓》是由导演金基德历时17天创作出来的作品。导演在这部影片中营造出了一个独立隔绝的环境，用微妙的元素保持其内部的平衡。片中最大的矛盾来源，都是有意识的在闭合环境中打开通向现实的窗口，也可以看做是独立实验空间中，加入戏剧矛盾变量所形成的的张力模式。片名用“弓”这个题眼暗示出作品最为核心的人物关系矛盾点，用辩证视角来处理禁忌的代际关系。影片极简美学风格与“水”的主体叠加，将宿命论推至喷张的临界点。
金基德
Ki-duk Kim
金基德是韩国当代最重要的导演之一。一个用画面说话的导演，一个永远关注边缘人的艺术家，每一部作品带有金基德独特的个人魅力。从没接受过任何有关电影或者美术的正规教育，却在10年中拍了12部电影，作品在各大电影节上大放异彩。2004年金基德曾凭《撒玛利亚女孩》获柏林电影节最佳导演奖，同年威尼斯电影节上凭《空房间》夺得最佳导演奖，2012年凭《圣殇》获得威尼斯金狮奖。他的作品每每饱受争议，却一直保持着极高的口碑。
▲ 《黑眼圈》海报 ©️ 导演蔡明亮
黑眼圈
I Don't Want to Sleep Alone / 2006 / 汉语普通话 马来语 孟加拉语 台语 Chinese Malay Bengali Taiwanese / 中英字幕 Chinese and English subtitles / 102 min
《黑眼圈》是蔡明亮首部回到马来西亚拍摄的电影。影片缘起于马来西亚经济衰退，大量外劳突然成为非法流民的现实背景。虽然，最终放弃了外劳的题材，蔡明亮在这部电影中仍然保留了主角们外来人的身份。相较于导演的其他作品，《黑眼圈》更多的关注到人与人之间的接触，以及对于这种接触的渴望。影片用一张床垫串起了所有的剧情，李康生在其中一人分饰两角，同时扮演游民小康与另一名瘫痪男子。这部电影获得2006年威尼斯未来电影协会特别奖。该片还有一部纪录片《沉睡在黑水上》，同样由蔡明亮拍摄。
蔡明亮
Ming-liang Tsai
虽然蔡明亮出生于马来西亚，但他的电影从拍摄到故事均扎根于中国台湾。他毕业于中国文化大学，专修电影与戏剧，1983年完成其首部自编、自导、自演的电影《房间里的衣柜》，第二年蔡明亮作为编剧参与的电影《小逃犯》又获得第21届台湾金马奖最佳剧情片奖，在这之后，独特的风格以及对电影艺术性的坚持，让他不断获得业界的认可。他具有代表性的长镜头无对白表演，以及作品中特有的构图和光线都让他的电影具有极强的识别性，娓娓诉说着现代社会中人的生活、欲望和孤独。2013年拍摄完《郊游》后，蔡明亮有意拓宽了创作领域，从短片《行者》系列，到影像装置，逐渐成为美术馆的常客。
▲ 《灵感》截帧 ©️ Zeman Foundation
灵感
Inspiration 1948 / 捷克语 Czech / 中英字幕 English and Chinese subtitles/ 11 min
《灵感》是一部玻璃玩偶动画。制作玻璃艺术品的艺人受到窗外雨滴的启发，仿佛看到舞者和一个不高兴的小丑在自己创作出的水晶王国中起舞。短片的镜头刻意利用和表现，玻璃及水面的反射、焦散和折射。配合动态的灯光和景深模糊，令本片的画面效果更显华丽梦幻。
卡尔·齐曼
Karel Zeman
卡尔·齐曼是捷克老一辈动画大师，1910年11月生于奥斯特罗梅尔。在捷克被奉为人民艺术家。捷克斯洛伐克木偶电影创始人之一。他的作品多是科幻题材，木偶和卡通画两类风格都在他的作品中有出现，最为人熟知的莫过于将真人电影和动画结合在一起的定格动画。齐曼自1943年起担任木偶片的美术师与导演，由于其作品中经常有创造性地运用特效和动画，所以被称为“捷克梅里埃”。其创作影响了整整一代动画创作，如史云梅耶、蒂姆·伯顿及特瑞·吉列姆等都深受其影响。
▲《利维坦》海报 ©️ Harvard Sensory Ethnography Lab
利维坦
Leviathan 2012 / 英语 English / 中英字幕 English and Chinese subtitles/87 min
《利维坦》是由哈佛感官人类学实验室在2012年出品的一部纪录片，记录了马萨诸塞州海岸上的一次捕鱼活动。在《圣经》中，利维坦是一头海怪，也是梅尔维尔（《白鲸》一书的作者）用来借指巨鲸的典故，而《利维坦》正是在《白鲸》所描写的水域——北大西洋海域中拍摄。十几台摄影机被绑在渔民身上、弃置在甲板上、扔进死鱼堆里、用胶布绑在木杆上放进海里随波沉浮…这样的拍摄手法使镜头完全贴在人身，鱼头和船首，制造了一种被黑暗笼罩，无法洞察整体全局的影像压迫感。导演、摄影统统隐没，不作评判，没有指向，任观众在虚幻抽象的黑暗和边缘体验中投射自己的所思所感。本片提名洛迦诺电影节金豹奖，并在多个国际电影节进行展映，是哈佛感官人类学实验室最为革新的作品。
维瑞娜·帕拉韦尔＆吕西安·卡斯坦因-泰勒
Verena Paravel＆Lucien Castaing-Taylor
帕拉韦尔及卡斯坦因-泰勒均为哈佛感官人类学实验室核心成员，人类学电影作者。两人早在2012年就合拍过著名纪录片《利维坦》，对纪录片的视听语言进行了大胆尝试，让沉浸式新型纪录片的概念为人所熟知。哈佛感官人类学实验室，是由人类学家吕西安·卡斯坦因-泰勒在2006年开创，这一机构跨越了学术与艺术，将视觉环境与人类学研究结合在一起，将人类学的视角运用到纪录片的摄制中。近几年出品的纪录片逐渐在各大电影节斩获重要奖项，向人们展示了纪录片形式的多元性。
▲《千禧年的天使#6》截帧 ©️艺术家程然和麦勒画廊
千禧年的天使#6
Angels For The Millenium (#6) 2012 / 单频有声录像 / slient / 7′45″
《千禧年的天使#6》是程然创作于2012年的一部录像作品。一溺水的男子在画面中如从天而降一般，由下而上进入水中，舒缓、平静，后被救生员缓缓带离。幽暗缓慢的七分多钟犹如一场肃穆、庄重的仪式。形式上，这部短片引用了美国录像大师比尔·维奥拉历史性的录像装置《千禧年的五个天使》（2001）中，令人难忘的水中沉浸漂浮的人物。程然杜撰出一位“第六号天使”，更是将画面倒置，来呈现一个与其相反的价值观或者立场，投射出对教条、对信仰的质疑。该作品不仅是对《五个天使》中精神层面探索的一次反拨，更是一次对固有的录像创作手法与语言富有想象力和戏谑的试探。
程然
Cheng Ran
程然，新媒体艺术家。1981年生于中国内蒙古。2004年毕业于中国美术学院，现工作生活于杭州。他一般使用影片和录像作为创作的媒介，来表达个人的情绪，和对大众难以消解的人生问题进行探索，如生死，身份认同，信仰等抽象话题。其影像语言受到了来自20世纪后半叶艺术电影的启发，亦糅合了电子音乐、摇滚乐的表演和视觉元素，有时也加入近乎中国水墨绘画的美学元素。他的作品在世界诸多画廊、艺术机构中展出。他曾获AAC奖评选的“年度年轻艺术家”奖，入围OCAT－皮埃尔·于贝尔奖。除开新媒体艺术家的身份，程然还写小说，做声音表演..是个十足的跨界者。他对每一个领域都保持好奇，用程然自己的话说“当这个界限变得模糊时，可能就会出现我想要的”。
▲《水》海报 ©️ MoMA
水
H2O 1929 / 无语言 no dialogue / 无字幕 no subtitles /14 min
《水》是拉尔夫·施泰纳的第一部影像作品。片中对“水”所有形态的研究在液体的反射和运动的灵动之美当中呈现。作为一部上世纪20年代创作的艺术影像，仅凭借水这一基本元素，作者让画面传递出丰富的感受，展现物质本身形态的纯粹美感。作品中“水”的状态或垂掉如线，或展开如布，或平流如帘，镜头的伸缩及摇动构成水中倒影粼粼如拨弦，直至今日，这部抽象的记录性短片仍充满魅力。
拉尔夫·施泰纳
Ralph Steiner
拉尔夫·施泰纳是一位美国摄影师，也是20世纪30年代前卫电影制片人中的关键人物。他在1930年拍摄的短片《Mechanical Principles 机械原理》中，展示了很多有趣的机械微观运动，深受机械爱好者的喜爱。施泰纳的作品以刁钻的摄影角度和抽象的主题而为人著称。其实验电影风格被认为是推动早期美国先锋电影发展的核心，他的视觉风格直到今天都还在影响着当代艺术家们的创作。
▲《水窗中的颤动婴儿》截帧 © Light Cone
水窗中的颤动婴儿
Window Water Baby Moving 1959 / 无语言 no dialogue / 无字幕 no subtitles /13 min
《水窗中的颤动婴儿》是美国著名实验导演斯坦·布拉哈格的一部实验性纪录短片，他将镜头对准第一任妻子珍•布莱凯吉怀孕的身体，纪录了他的第一个孩子诞生的过程。画面整体为温暖的羊水色温，光影轻盈，充满温柔的爱意。 多重曝光、拼贴式剪辑、水溶性的色泽，尤其使半沉浸在水中的女人怀孕的身体呈现出前所未有的美。影片后半部分以布拉哈格崇尚的“未被规训之眼”(untutored eye)毫不避讳地直视了分娩之痛。裸露、开合、撕裂、生产，婴孩出世。观众用目光“亲历”了一位母亲必经的终极疼痛。该片也引发了一些伦理上的讨论——电影如何凝视身体？我们的观看有边界吗？
斯坦·布拉哈格
Stan Brakhage
斯坦·布拉哈格（1933-2003），美国著名实验电影导演，20世纪实验电影大师之一。他在近半个世纪的职业生涯里，创作了形形色色近400部作品，探索各种形式，方法和技术。他惯常用非叙述的手法来表达主题，其拍摄内容都十分大胆，如“性”“婴儿出生”“尸体解剖”等。他的直接在人造塑料上绘画，胶片刮痕，拼贴电影以及多重曝光等艺术创作手法，使他的电影以视觉体验为先，呈现一种“原始感受”。他曾说过：“我是一个艺术家，我相信个人表达的自由是任何艺术的起点。我热爱电影，电影作为美学表达手段，其与生俱来的各种可能性是最令我振奋的。”布拉哈格的很多作品都受到国际电影节的青睐，获得奖项无数。
▲ 《水的故事》© Les Films du Jeudi
水的故事
A Story of Water 1961 / 法语 French / 中英字幕 Chinese and English subtitles / 18 min
《水的故事》拍摄于1958年，是向马克·塞特纳致意的短片。马克·塞特纳曾与戈达尔和特吕弗共事过，影片原本是由特吕弗导演，后期戈达尔修改了大量对话并进行了剪辑，所以一般认为这是戈达尔与特吕弗的第一次合作。特吕弗与戈达尔等新浪潮导演深受巴赞真实电影美学理论和意大利现实主义的双重影响，作品具有强烈的纪实性及浓重的个人传记色彩，形成真实、诚恳的风格特征。他们的作品挑战传统电影观念，否定传统道德，将古典叙述形式与艺术电影的叙述形式融为一体，对于当代世界电影产生深刻的影响。《水的故事》是隐喻远大于实质影像或者文本的短片，在特吕弗的许多影片中，他都把人的感情推向一个极端的处境，以安排和讲述人物的命运，对婚恋中的人的精神状态，有着比心理医生还要深刻生动的把握。
让·吕克·戈达尔＆弗朗索瓦·特吕弗
Jean-Luc Godard&François Truffaut
让·吕克·戈达尔，法国和瑞士藉导演，法国新浪潮电影的奠基者之一。他曾经在瑞士的尼翁接受教育，之后在法国念高中，继而入读巴黎大学。戈达尔在索邦大学的日子里对电影产生兴趣，毕业后数年间伙同年轻的电影人制作人和影评人推动法国电影新浪潮。戈达尔的电影通常被视为挑战和抗衡好莱坞电影的拍摄手法和叙事风格。他也把自己的政治思想和对电影发展史的丰富知识注入他的电影。在他的作品里可以经常发现存在主义和马克思主义哲学的影子。
弗朗索瓦·特吕弗，法国导演。从小酷爱文学和电影，15岁在巴黎发起电影俱乐部。1953年进入法国农业部电影处，后在《电影手册》和《艺术》杂志任编辑和撰稿人，成为著名影评家。他的电影名作有《四百击》、《朱尔与吉姆》、《日以继夜》、《阿黛尔·雨果的故事》、《最后一班地铁》、《隔墙花》等。特吕弗终身难忘他的童年生活，早年的坎坷经历，被他一遍遍用非常真切自然，而又十分忧郁的影象形式再现出来。这些电影作品呈现了一个叛逆传统、反抗次序的电影艺术家，以及他的心路历程。跟别的新浪潮导演相比，特吕弗避免了政治化倾向，风格雅俗共赏。他认为电影应该模仿生活，但比真实生活更浪漫化。
▲ 《水妈咪》© Les Films du Jeudi
水妈咪
Mommy Water 1953 / 法语 French / 中英字幕 Chinese and English subtitles / 19 min
让·鲁什的艺术影像《水妈咪》虽然没能摆脱传统民族志的画风，但一脉相承的诗意依旧有足够的辨识度。殖民者的城堡渐渐隐退昔日荣光的时代背景，将一场葬礼放在影片的中心，首尾相望则生生不息，“海永不干涸”。同样的殖民与宗教主题，影片将殖民背景淡化，真实地记录了西非海岸加纳地区渔民的生存状态和原始风貌。
让·鲁什
Jean Rouch
让·鲁什是著名的法国大导演，同时也是一名人类学家。他是法国真实电影创始人之一 ，这一流派与美国的直接电影美学相近。鲁什六十年在非洲的拍摄方式，理念由“分享人类学”而来。由于深受超现实主义影响，鲁什很多作品介乎剧情片和纪录片之间，创出名为“虚构民族志”的风格。因而也被纳入法国新浪潮。其重要作品《我是黑人》（Moi, un noir）开创了跳接技术，其后由让·吕克·戈达尔进一步普及。1978年，鲁什与Jean-Michel Arnold联手在巴黎蓬皮杜中心创立国际纪录片电影节，即法国真实电影节（Cinéma du Réel）。高达在1959年4月第94期《电影手册》如此说道：“鲁什的职位说明一切：人类博物馆研究员，还有定义电影人更好的方法吗？”。
▲《水影》截帧 ©️ Light Cone
水影
Les Ombres Aquatiques 2016 / Super 8mm / color-b&w / silent / 11' 00
LES OMBRES AQUATIQUES是艺术家菲利普·科特在2016年完成的一部纪录短片，法语ombres和aquatiques分别是中文“影”和“水”的意思。艺术家用8毫米摄影机简单记录下了水族馆里各色动物在水影间的游动，无任何文本背景或情节。随着时间流逝，观者开始注意到光线如何穿透水体，鱼、海葵、水母是如何在看似透明的媒介里运动。无论是“纪录”还是“观看”，都为一种静观意志的聚合。
菲利普·科特
Philippe Cote
Philippe Cote，菲利普·科特，1965-2016，法国艺术家，策展人，旅行者。自1998年开始创作，Cote共创作了近30部影像作品，包括20余部超8电影。这些作品在法国本土和国际电影节上均有展出。他早期的作品多研究身体，物质，光，颜色等抽象事物。他的创作方向开始转变在2006年，专注于旅行纪录片的创作，用敏感诗意的镜头，纪录了他在各地旅行时所拍摄到的云、火和水等自然现象。他同时还从事实验电影的策展，是巴黎实验电影节选片委员会成员之一。
▲《水中刀》海报 ©️ Screenbound International
水中刀
Knife in the Water 1962 / 波兰语 Polish / 中英字幕 English and Chinese Subtitles / 94 min
《水中刀》是犹太籍导演罗曼·波兰斯基的长片处女作，当时的波兰斯基只有27岁，仅仅用三个人物角色，一条破帆船和一片大海就已经把人生种种刻画的淋漓尽致。作为波兰战后第一部与战争创痛无关、直击人类生活的影片，《水中刀》在艺术的表现力及人性的刻画上都令人印象深刻。它绝望和冰冷的视角中带着艺术的淳朴和真挚，影片内核的骚动相较于后期纷繁的“电影手法”，更具有冲击力。从文本上而言，这部电影并没有对任何人进行道德评判和价值衡量，波兰斯基将将度量的尺交给了观众，用镜头的纯粹去审视世界的冷。也正因如此，即便放在57年后的今天，他的冷静和敏锐也并为因为镜头语言的简朴而失去光芒，反而经过时间的识别后更加鲜艳。
罗曼·波兰斯基
Roman Polanski
罗曼·波兰斯基，犹太裔著名导演，编剧，演员。1960年毕业于波兰国家电影学校并回到了其出生地巴黎。在校期间，已经展露出非凡才华的他，自处女作长片《水中刀》在电影节露面就开启了可谓传奇的电影生涯。在近60年的创作生涯中拍出了《钢琴家》、《不道德的审判》、《苔丝》、《苦月亮》、《穿裘皮的维纳斯》等数量庞大的经典电影。波兰斯基对于电影这一艺术媒介有着超乎寻常的掌控能力，可以根据内容轻松调配不同电影语言，这也使其电影展现出棱镜一般多彩的风貌。抛开创作，波兰斯基亦因其坎坷的经历被欧美公众所熟知，他怀孕的妻子被曼森家族虐杀，他个人因性侵未成年人被美国通缉31年等都是震惊世界的大案。2008年，纪录片《 罗曼·波兰斯基：被通缉的与被渴望的》正式上映，回溯的便是后一个案件背后的故事。
▲《香魂女》海报 ©️谢飞导演
香魂女
Woman Sesame Oil Maker 1993 / 汉语普通话 Mandarin / 中英字幕 Chinese and English subtitles / 105 min
提到中国女性的电影，《香魂女》是绕不开的一座历史标杆。这部由中国第四代领军人物谢飞导演创作的作品，反映了中国农村两代女性命运悲歌。与著名华人导演李安的《喜宴》共同摘取德国第43届柏林国际电影节最佳影片金熊奖。本片中对香二嫂及环环的刻画层层推进，不急不缓。视觉造型和视听语言都非常讲究。打破戏剧式结构，提倡纪实性，追求质朴自然的风格和开放式结构，注重主题与人物的意义性以及从生活中、从凡人小事中去开掘社会与人生的哲理。略带黑色电影后期的现实题材电影，尽管是93年的作品，放在当下，依然有现实意义。
▲《湘女萧萧》海报 ©️谢飞导演
湘女萧萧
Married to A Child 1986 / 汉语普通话 Mandarin / 中英字幕 Chinese and English subtitles / 110 min
《湘女萧萧》改编自沈从文的原著小说《萧萧》。这部荣获1988年法国蒙彼利埃国际电影节金熊猫奖、1988年西班牙圣赛巴斯蒂安国际电影节堂吉诃德奖的电影作品，在时代大背景下，展现出“空间概念胜于时间概念的特质”。影片具有80年代罕见开放特征，对性风俗的表达具有一种殊异的自然与淳朴的解构。淡化原罪观念，强调繁殖力的‘实用主义’，对保守礼仪制度的反思深刻而委婉。与文学中中规中矩地隐含了另一个萧萧的命运相比，影片具有明显的现代性，戛然而止的转折将反思留给了观众。
谢飞
Xie Fei
生于1942年的谢飞导演，是中国“第四代导演”代表人物之一。在其艺术生涯中曾创作出《湘女萧萧》、《本命年》、《香魂女》、《黑骏马》等佳作，表现出很高的艺术水准，在国际上大放异彩。其中《湘女潇潇》获得第4届法国蒙彼利埃国际电影节金熊猫奖；《香魂女》获得第43届柏林国际电影节金熊奖；《本命年》获得第14届西柏林国际电影节银熊奖。在改革开放初期，其作品在电影形式上深受当时意识流、法国新浪潮等启蒙，尝试用不同的电影手法去探讨生活的本质，在现实主义的悲剧中揭示人性的复杂。
▲《仙人掌之河》截帧 ©️ Kick the Machine
仙人掌之河
Cactus River 2012 / 无语言 no dialogue / 无字幕 no subtitle / 10 min
《仙人掌之河》是阿彼察邦纪录他的御用女主角Jenjira Pongpas的生活片段的一部黑白实验短片 - 用超速和慢速的影像呈现了流逝的琐碎日常和当时的水、风等自然风物。像许多泰国人一样，Jenjira确信一个新名字会给她带来好运。所以Jenjira成为了Nach，意思是“水”。Nach与她老公居住在湄公河边。多年来，她向阿彼察邦述说这条河，她的生活，以及她对未来的信念。她告诉阿彼察邦，她相信，由于中国和老挝的水坝建设，湄公河里很快就会没有水。实验变速的影像呈现了两条河流的流动- Nach的生活的流动和湄公河的流动。（编辑自阿彼察邦自述）
阿彼察邦·韦拉斯哈古
Apichatpong Weerasethakul
阿彼察邦· 韦拉斯哈古是泰国独立艺术电影的旗手级人物，同时他也以影像艺术家的身份活跃于全世界的美术馆和艺术机构。阿彼察邦关注的主题包括梦境、自然，性(包括他本身的同性恋经历)，西方对泰国和亚洲的认知等，在形式上也突破了传统的叙事方式和拍摄方式。他影片的主要特点有淡化影片的意义、淡化演员的功能性、淡化道具感等。自第一部长片《正午显影》被《电影评论》列为年度十佳以来，阿彼察邦陆续横扫了几乎所有重要电影节大奖，包括提名第63届威尼斯国际电影节金狮奖，以《能召回前世的布米叔叔》一举斩获戛纳金棕榈。除了自己创作，阿彼察邦还成立了公司Kick the Machine，致力于推动实验电影和独立电影的发展。
▲《一条叫做底塔斯的河》海报 ©️ The Film Foundation
一条叫做底塔斯的河
A River Called Titas 1973 / 孟加拉语 Bengali / 中英字幕 Chinese and English subtitles / 159 min
《一条叫做底塔斯的河》是印度导演李维克·伽塔克的代表作品。电影的开篇就是美到令人窒息的画面，广角镜头中的底塔斯河波光粼粼，带着来自大吉岭喜马拉雅山的馈赠，滋润着这片广袤的孟加拉平原，河流中星星点点的渔船，铺撒渔网，岸边树木郁郁葱葱，隐隐可见其中散落的村庄，庆祝节日和丰收的喜悦，雨季中走过茂密的树林...所有这些美好的画面都出自于女主人公西芭娜的回忆，那是她一生中最美的记忆。西芭娜在美好中见证人世间所有的痛苦和不幸，面对底塔斯河的干涸，土地分裂，生命逝去，感悟这个国家的宿命。
李维克·伽塔克
Ritwik Ghatak
李维克·伽塔克是一位孟加拉电影制片人和剧本作家，是与雷伊、达特齐名的印度现代艺术电影的旗手。他的电影主要因其对社会现实的细致描述而被人们铭记，其作品作品深谙离别的伤感，总是围绕着一次次的分离展开，不管是爱人间的分离，母子间的分离、生与死的分离，人与土地的分离，灵魂与肉体的分离等等。伽塔克的创作生涯为印度独立艺术电影勾勒出清晰的发展轨迹，同时也为非宝莱坞电影树立起更多参照面。伽塔克在其职业生涯中获得了许多奖项，包括1974年印度国家电影奖的最佳剧情片，以及1970年印度政府向他颁发了Padma Shri艺术奖。
▲《0.7％的盐》截帧 ©️艺术家蒋志
0.7％的盐
0.7％ Salt / video / silent / 2009 / 8'35''
在《0.7%》中，阿娇站在镜头前被鼓风机吹起头发，刚开始巧笑倩兮，渐渐梨花带雨，最后泪痕满面。现实社会中，女性总是被设想为柔弱的，爱哭被视为女性的“天性”之一。与撒娇、娇羞行为一样，在很多时候，哭泣行为也是女性承认自身弱势地位而获得男权话语认同的方式之一。当一个女性在该哭的时候没有哭，经常会被理解为“没有感情”、“不知廉耻”等，而男性压抑泪水的行为却成了“坚强”的表现。在蒋志的这件作品中，选择“艳照门”后的阿娇来扮演影像中从笑转哭的女性，试图让“眼泪”背后的社会意义冷却下来，把充满着符号价值的眼泪还原为0.7%盐水这样的物理存在，仅此而已。（策展人：鲍栋）
蒋志
Jiang Zhi
蒋志，70年代生重要当代艺术家之一，1995年毕业于中国美术学院，现居北京。蒋志的创作媒介涵盖范围很广，包括录像、摄影、绘画、装置、文字等。从其艺术生涯早期开始，蒋志便在摄影的同时写小说，这也使其对于诗歌创作有了深入的兴趣。蒋志常常将自己定位为诗歌，社会学和艺术的交叉点。在作品中他将熟稔的，私人的以及世俗的社会经验编织在一起，与此同时保留了日常生活与我们阅读文本之间的张力。他的作品微妙，开放，充满诗意的活力。
*所有影片皆为官方授权正版
本季策展人
沈仲旻(Ag)
1985 年生于上海。写作者，主要涉及短篇小说、评论与报道，曾任职于《外滩画报》，现著有短篇小说集《无限的卧室》,《上海地理注疏》。Ag的工作也涉及影像、策展领域的创作与研究。
国际影像文化促进会
World Organization Of Video Culture Development
国际影像文化促进会（简称：VCD影促会）于2017年夏天在北京正式成立。作为一个非营利机构，它致力于搭建一个观影、学习和交流的平台，向公众普及和推广艺术影像。一方面，VCD影促会以举办影像资料展、文献展、讲座和学术研讨会等方式为更多人提供影像艺术教育；另一方面，它也通过自身平台挖掘更多优秀的影像艺术作品，在为其提供放映机会的同时助力青年影像艺术家持续创作。
四季影展
Lumen Quarterly
作为VCD影促会的主要落地项目，四季影展立足于长期稳定地为观众展映高质量的艺术影像作品，并通过主题论坛，讲座，文献梳理等方式优化观众的观影体验。有别于其他影展，四季影展更加看重个人经验在文化有机体中的作用，并试图由此出发，以最开放的态度，将艺术电影、实验影片、短片、动画，影像艺术等多种类的影像作品有机的结合在一起。为此，影展以我们所熟悉的春、夏、秋、冬为时间轴展开，每三个月邀请一位艺术家或文化人士担任策展，按主题挑选影片，长期不间断地进行展映。通过这种穿插比照式的放映方式，VCD影促会希望能够开放性地引起话题，使观众以更开阔的视野对包括电影及更多形式在内的动态影像本身产生更直观感性的认识。
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