梵高的素描是什么水平？✔中国古代科举制度，从隋朝大业三年到清朝光绪三十一年。1300年间相沿不替.是一项行之有效的人才选拔任用机制，在世界古代历史上都卓有影响。清代9位状元的楹联书法作品都颇具知名度，其书法也颇具造诣。于敏中

1644年，清兵入关，明朝灭亡，当时年仅19岁的八大山人，几乎是在一夜之间遭遇了亡国的痛苦，这位皇族的后裔从此开始了流亡和隐居的生活。他先是出家为僧，还俗后又成为一个道士，八大山人后半生的大部分时间就是在这个幽寂的道观中度过的。亡国的痛苦始终困扰着八大山人，长期封闭、压抑的生活，使他从一个贵族子弟变成了一个孤独、冷漠又有几分癫狂的怪人，而对于一个无力改变命运又不甘沉沦的人来说，这素白的纸和黑色的墨就成了唯一可以宣泄的工具，也是八大山人表达愤怒不满的媒介，一种含蓄的表达方式，一种远离客观非现实的绘画诞生了，这也许是一种自我保护的策略，一种自我抒发情感的一种精神上的自给自足，一种大师的孤傲心态，是智慧和理性的，同时也是充满激情的。他与一般的清初遗民艺术家有很大的不同，他以艺术的方式来思考，他的思考已经超越了一般的政治、时间，而具有关于人的生命的真切内涵。有一诗云:一室密歌处，萧萧满席尘，蓬高藏户暗，诗画入禅真。遗世逃名老，残山剩水身，青门旧业在，零落种瓜人。他坎坷的一生，为他的艺术沉积了深厚的文化底蕴。八大山人的画虽然简洁、逼真，但要有切实的领会殊为不易，无论是中国还是西方都有一个共识，画越是简约，就越难欣赏，同样也越难制作，就拿他画的鸟那奇怪的眼神说，就很费解。八大绘画中最难把握的当是其中的精神气质。在他晚年，绘画有一种新奇，形式趋于“怪诞”。在他的画中，鸟不飞，鱼却飞到了天上:大鱼大于石;鹧鸪大于牛;猪如虎，虎如猪;山总是奇形怪状，花有时墨黑如煤，有时却萋萋哀哀:小鸟有时嗷嗷直叫，有时孤寂自怜；鸭子与山融为一体。显然，八大强调他画鱼鸟，是在画“鱼鸟互转”的故事。其基本思想来自.《庄子·逍遥游》，《庄子》中的这篇文章道:“北冥有鱼，其名为鲲，鲲之大，不知其几千里也。化而为鸟，其名为鹏，鹏之背，不知其几千里也。怒而飞，其翼若垂天之云。是鸟也，海运则将徙于南冥。南冥者，天池也。”八大根据庄子这个故事说明，世界的一切都是“善化”的，画的是鸟，却又是鱼，画的是鱼，却又是鸟，在时间的流动中，一切都在变，一切存在都是不确定的。藏于上海博物馆的《鱼鸟图》，画卷很长，构图却非常简单，在作品的起手处，画一拳怪石蹲着两只鸟，中段画一条鱼，略大，画的尾部在不太引人注意的地方着一小鱼，这就是画的全部内容。此画有三段题识，其中第三段谈“善化”。上海博物馆

读画君首先需要澄清的一点是素描与速写其实不是区别对待的关系，对于艺术家而言速写的深入即是素描。如果说一件专业作品代表了艺术家的心血结晶与艺术追寻的结果，那么素描则是记录艺术家在过程中心路历程的点点滴滴。梵高的素描速写紧紧扣着其对于绘画风格语言的提炼与追索，他的素描几乎完全等同于创作本身。类似于梵高这样的大师告诉我们一个明晰的道理，天才即便在最初基础积累部分也一样体现出他的与众不同和过人之处。欣赏与研究梵高动人的素描会发现极高的学术价值，明确呈现出了一位天才大师的成长过程。为教条化的学院教育提供了更加灵活与广阔的学习思路。为基础而基础的积累完全违背了艺术学习的基本规律，麻木不仁的，没有方向的学习只能背道而驰反而距离艺术核心越来越远。有趣的是把梵高的素描给一位没有接受过任何造型训练和审美经验灌输的人去欣赏，他反而很容易从画中体悟到其中真挚的情感力量。拿去给一位接受了所谓造型训练的人去欣赏其十有八九会认为一无是处，认为技巧不够熟练高超，其中道理不言自喻。从梵高最为早期的素描中就可以窥见里面质朴的元素和真挚的激情，只有天才才能在最初的起步阶段就能够显露出这种执着。其亦师亦友的表兄安东·莫夫不止一次嘲讽过梵高的素描过于“笨拙”，似乎不太适合于从事需要“心灵手巧”的绘画学习。但是恰恰正是这种“拙劲”成就了梵高的伟大艺术。殊不知梵高的技巧绝非奇技淫巧的小把戏，每一笔黑白都是为了表达自觉的真诚，每一种表现的对象都浸满了悲天悯人的情怀。农民、工人、犯人、风尘女……那怕是脚下的破鞋；简陋的民居；一花一草一树；星空昼夜……都被他的画笔自然融入了某种神秘之精神力量。大师的素描非常整体，最大的感官来自于激情。黑白灰通过版画式的区分使得人物与景物的最主要特征一目了然。看似二维凌乱的点线面组织起的画面充满了运动感，天旋地转却又井然有序，依赖的正是大师超凡绝伦的“大技巧”！欣赏梵高的素描请把脑袋清空先，里面是充满悲痛和艰辛的人间百味。难得的是整体观感又是温温暖暖与平平淡淡的感受。以上就是读画君对于梵高素描的真实体悟，喜欢艺术的友友们请关注并点个赞吧猜你喜欢吴冠中：我衷心尊他为现代绘画之父我的邻居吴冠中他的18

中国现代美术始于何时，我认为石涛是起点。西方推崇塞尚为现代艺术之父，塞尚的贡献属于发现了视觉领域中的构成规律。而石涛，明悟了艺术诞生于“感受”。古人虽也曾提及“外师造化，中得心源”，但石涛的“感受说”，则是绘画创作的核心与根本。他这一宏观的认识其实涵盖了塞尚之所见，并开创了“直觉说”、“移情说”等等西方美学立论之先河。这个

三月的一个上午，在楼下遇到他。我问：“吴先生久违，你好啊？”他说：“车子等着我，有事出去。”

十八岁是什么概念？按照现代惯例，那就是成年了。你可以抽烟、买酒、驾车，还可以搬出去，自己活。在九百多年前，有一位十八岁的少年，画了一幅画，之后这幅画便名贯古今。元人溥光曾说：“独步千载，殆众星之孤月耳”，陈丹青也说：“在这幅画面前，我像个傻子”。这幅作品以精微细腻的笔法描绘了中国山水的雄奇和美丽，同时也表达了中国人的山水哲学和自然观念，它就是青绿山水画的巅峰之作——《千里江山图》。而这个十八岁的天才，便是北宋画家王希孟，他在皇帝宋徽宗的传授指点下，穷尽毕生精力创作了这幅名垂千古的鸿篇杰作。《千里江山图》作为十大传世名画之一，只对外展出过

吴昌硕与王一亭在西泠印社前合影吴昌硕，浙江孝丰县人。吴昌硕与虚谷、蒲华、任伯年齐名的“清末海派四杰”。吴昌硕是晚清着名画家，书法家、篆刻家，为“后海派”中的代表。杭州西泠印社首任社长。初名俊，又名俊卿，字昌硕，又署仓石、苍石，多别号，常见者有仓硕、老苍、老缶、苦铁、大聋、石尊者等。《苍松》

猜你喜欢一幅好画的构图规律，说的太好了！这些都是“假画”，但都是国宝！八大山人的几幅怪画！娶了10个老婆，做了100天和尚，画了1000张假画，中国最贵画家说：“再老也要谈恋爱”监制/精微堂

《职贡图卷》，台北故宫博物院【10】《北齐校书图》北齐杨子华创稿

张大千的一生，是很热闹的一生，最起码的，想睡的女人，都睡了，爱得轰动；想吃的美味，都吃过，吃得尽兴；他说画画是他的副业，主业是厨师，但他的画登堂入室，风靡全球。无论在哪方面，他都活得很极致，不将就不凑合。即使在那个战火纷飞的年代，他的一生，依然是热气腾腾的。2016年，香港，张大千的《桃源图》拍出了2.7亿港币的天价，轰动一时，堪称中国最贵的画家。30多年前，1979年，张大千80高龄，此时的他，须发皆白，一架破眼镜也没了用处，因为前几年右眼因毛细血管破裂堵塞眼球导致视力下降，这几乎终结了他书画生涯，此后，他再难提笔作画。但令人惊讶的是，这位老先生竟然独创了泼墨艺术，即在一张宣纸上，仅用墨水泼洒，营造层次感，而作出山水之画，这是张大千艺术生涯最大之蜕变。80岁那年，他接受了好友黄天才的请求，作一幅长10.8米，宽1.8米的巨幅山水画。本来张大千是拒绝的，无论从体力身体各方面，他都不适宜再作画了。但他就是不服老，画家不画画，和死了有什么区别？他答应下来，夜以继日，呕心沥血，用一年多的时间搜集资料，作腹稿预备处理，1981年7月正式动笔，这幅巨著，以实笔为主，泼墨为辅，气势磅礴，虚实相间，墨绿相映，堪称旷世奇作，名作“庐山图”，是张大千画艺上的巅峰之作。也正是这幅“庐山图”耗尽了张大千最后的生命，作画期间多次心脏病发作送往医院急救，稍微恢复便又重新被抬上画案，医生家人，都劝不住。直到1983年3月11日画成落笔，最后一刻，才驾鹤西去。每每看到这段史料，我都会感慨，得多么极致的一个人啊，才会在80岁高龄，不好好打太极养生，非要画画，在自己已经登峰造极的画艺上，再来一次极致的惊艳。张大千，人如其名，大千世界，浩浩荡荡。他就是用他的极致，在这大千世界里，活得热热闹闹。张大千醉翁亭记登峰造极的画艺：五百年来一大千张大千的画艺有多厉害？齐白石是这么评价的：“五百年来一大千。”齐白石大家都知道，那是我国书画界一等一的泰斗，这话，还是他不好意思夸得过分，要实际说，张大千是千年来难得一个的书画天才，不仅天赋高，而且勤奋。张大千和民国当时著名画家黄宾虹有交往，黄宾虹最喜欢清代画家石涛的画，是当时收藏石涛画最多的人，也是鉴赏石涛画作的顶级权威。张大千也喜欢石涛，但他手上没有精品，于是就向黄宾虹借，黄宾虹一听脸就耷拉下来：“你开什么玩笑啊，这幅画怎么能借？不借不借。”张大千吃了闭门羹，于是心生一妙计，黄宾虹不是喜欢石涛的手卷吗？那我何不临摹一幅石涛的手卷，骗骗这厮。然后张大千就临摹了一幅石涛的手卷，画完了，放在他老师曾农髯那里。碰上有一天，黄宾虹去看曾农髯，见其书桌头放着一幅石涛的手卷，以为是真迹，一下子就痴迷住了，爱不释手，要买。曾农髯说：“这是我学生张大千的啊，你要买，找他吧。”黄宾虹屁颠屁颠儿过来找张大千了。张大千心想，这人和我老师是朋友，用假画骗他的钱于心不忍，也不屑为，还是换他的画吧。于是说：“我岂敢要先生的钱，我拿这幅画换我上次要借的那幅石涛画吧！”黄宾虹非常爽快地答应了，并且立即把那幅画拿了出来。就这样，张大千用自己画的一幅假画，换了黄宾虹的真画。而黄宾虹，一个顶级权威鉴画专家，居然都没看出来。张大千在画画秋江野鹜图还有一次。北方有个著名的画家和收藏家，叫陈半丁。这哥们也特别喜欢石涛的画，有一次，他搜求到一册石涛画页，特别兴奋，视为精品，天天揣怀里，当传家宝似的宠着。为了炫耀自己得到了这幅石涛的册子，他特地设下宴席，请当时京城里有名望的艺术家和古玩家都来，说是来喝酒赏画的，实际上也就是来显摆的，好比你买了辆卡宴，不组织一帮亲朋好友来家里看看，自己可劲嘚瑟，都觉得对不起这卡宴。估计嘚瑟过度，场面有点失控，张大千走过去对陈半丁说：“你的画册在哪儿啊，拿出来看看呗。”陈半丁兴奋地拿出石涛的画册。张大千瞥了一眼，“卟哧”笑出来。陈半丁问他：“你笑什么啊？”张大千说：“原来是这个册子呀，我早知道了。”陈半丁不信，张大千立即说出第一页画的什么，第二页画的什么，第三页画的……题的什么款，钤的什么印。陈半丁一边翻看一边对照，越看越惊奇,与张大千所说毫无二致。陈半丁问：“这画册你收藏过吗？”张大千得意地说：“这是我画的。”陈半丁目瞪口呆：“你开什么玩笑！这是我拼了老命才搞到的石涛画册，怎么会是你画的？”张大千拿起笔，当场仿画了一幅石涛的画，全场人都目瞪口呆。湖光山色这两个故事都是张大千造假，造假是很容易的，但造假的程度如此逼真，以至于连黄宾虹陈半丁这种人都看不出来，那就是天纵奇才。因为古画造假，不单单是技术临摹的问题，要想不被黄宾虹这种人看出来，还得有原画者的气韵和格调，这非几十年如一日的积累功底而不能成。画家叶浅予说：“张大千是所有中国画家中最勤奋的，把所有古人的画都临过不止十遍。”书画鉴赏家、史论家傅申评价张大千：“他是身上拔一根毫毛，要变石涛就变石涛，要变八大就变八大，要变唐伯虎就变唐伯虎。”这就好比是你学了截然不同的几门绝世武功，不在山洞里苦练个几十年，断然无法运用自如。这就是张大千最难能可贵的地方，他是真正艺术天赋的画家，而他也没有辜负这份天赋。无论哪个时代，有天赋有机遇的人都很多，但能不辜负天赋，不辜负机遇的人，只有那么几个。所以，几百年来，也就一个张大千。雪江归櫂图张大千在艺术领域的巅峰，应该就是临摹敦煌壁画。1940年10月，张大千带着他的三老婆杨宛君，还有儿子心智来到敦煌。敦煌有什么？敦煌有莫高窟，是这个世界最一流的壁画，可惜千百年来，一直隐藏在大漠深处的石窟中，少有世人可见。张大千此行，就是要一笔一笔地将敦煌莫高窟里的画，全部都临摹下来。这个项目的难度可想而知，敦煌地处沙漠，取水相当不方便，石窟内光线阴暗，长年潮湿阴寒，想要临摹画画非常困难，尤其是石窟内天花板上的画，要撑起一个架子，人躺在上面画。到了冬天，滴水成冰，石窟内很冷，但画画的手不能戴手套，只能放在外面冻。“白天八九点钟，敦煌的太阳射进洞里，一到午后，太阳往南走光线就暗了”，张大千要一手秉烛或提灯，一手拿笔，往往需反复观看多次才能画上一笔。于是，本来规划几个月就完成的事，耗费了张大千整整3年。1943年10月，张大千用20余头骆驼载着临摹的276幅壁画，回到四川，并完成了20万字的学术著作《敦煌石室记》。陈寅恪盛赞张大千：“其为敦煌学领域中不朽之盛事，更无论矣。”甚至可以这么说，正是张大千，使得敦煌石窟中的壁画，成为一项世界性艺术，他的努力，让这些沉睡着的壁画，开始富有永恒的生命力，五百年来一大千，盛赞着实不虚。张大千在敦煌临摹壁画观瀑图渣得透顶的情种：再老也要谈恋爱很多人不知道，张大千在是画家之前，就是个情种；张大千在会画女人之前，就睡过很多女人。这点和齐白石很像，齐白石一生和很多女人纠缠不清，末了末了，84岁高龄住个院，还泡到了协和医院的护士长。张大千比齐白石悠着点，但也踩遍无数女人的裙角。张大千的第一个女人，是她表姐，叫谢舜华，长得漂亮，性格温婉，从小和张大千长大，像个大姐姐似的照顾张大千，有什么东西呢，就先想着张大千：“这里有好吃的，来，给你吃。”张大千闯祸了，谢舜华通常能帮他搞定。这让张大千常常能感受到一种母性的温暖。谢舜华几乎能满足他对于女人的一切幻想，而他也能在那个女人身上感受到安心。这个世界风吹雨打，波云谲诡，所以你得有矛有盾，有野心，但一定有一个人能让你放下所有戒备和盔甲，就那么静静的像猫一样温顺地呆在她身边。对张大千来说，谢舜华就是这样一个人。张大千和池春红白云隱居18岁那年，张大千要去日本学习染织，谢舜华去送，哭得梨花带雨，从怀里拿出4个鸡蛋，躲在村子后的林子里，等着张大千。临走的时候，谢舜华把鸡蛋拿出来，往张大千手里一塞，哭着说：“我等你，早点回来。”张大千刹那热泪横流，狠狠地说：“等着我，等我一回来，就娶你。”谢舜华拿这句话当成了永世承诺。但他们俩，谁都没有想到，承诺竟然变成了诀别。谢舜华打小身体就不怎么好，张大千走后，更是对他日思夜想，久念成疾，得了血痨，去世了。远在日本的张大千惊闻噩耗，课都没上完，也不顾国内军阀混战，匆匆忙忙买票赶回来。谢舜华已经落坟，张大千心如死灰，想来想去，找了个寺庙出家了。给自己定法号“大千”。自此青灯古佛伴，面思如来面思卿。漁村夕照但张大千估计自己都没想到会这么快被打脸。出家三个月之后，张大千他哥跑来找他，让他还俗，“你一个年纪轻轻的大好青年，连女人都没摸过，好意思出家吗？”张大千不愿，非要呆在寺庙里。他哥好说歹说，没说动。最后说：“回去吧，咱爸又为你找了一门亲事。”张大千听毕心一动，哦，原来是回去结婚啊，又找了一个女人。张大千动摇了：“要不回去看看？”于是从禅定寺还俗，老老实实回四川去了。这是张大千人生中第二个女人，叫曹正容，典型的传统大家闺秀。张大千对她没有丝毫感情，尤其排斥这种父母指定婚姻，所以他和曹正容的日子，也就是凑合着过。就这么凑合着过了2年，曹整容依然生不出孩子，这在那个时代的家庭里，可是个大事儿。于是张大千他爸又寻思着给她再找一个，张大千一听，太好了。于是，老张生命里的第三个女人登场，名叫黄凝素，性格泼辣，豪气奔放，和你今天站在重庆解放路看到的川妹子一样，穿超短裙，透视衬衫，漏肚剂眼儿，带着墨镜，白白的脸蛋，翘翘的屁股，壮壮的大腿。张大千很是喜欢。曾经的丧爱之痛，以及要入寺为僧的壮志，已经忘得一干二净啦。张大千与黄凝素李检法定林萧散图自此之后，张大千的桃花运，就跟坐上了高铁似的。1920年，在上海认识李秋君，上；1927年，在朝鲜认识池春红，上；1934年，在北平认识16岁的怀玉，上；同年，又在北平认识杨婉君，上；1947年，认识徐雯波，上。张大千曾说：“凡美人者，一等肥、白、高；二等麻、妖、骚；三等泼、辣、刁。”张大千喜欢的女人，差不多都有点微胖，很有肉感，流淌着狂野的原始欲望。张大千还逢人就说说：“人生啊，再老也要去谈恋爱。”所以，五六十岁的时候他去日本，还喜欢上了日本姑娘山田小姐，坠入爱河不能自拔。这是一个就算荷尔蒙停止分泌，身边也要嗅到女人味的男人。渣不渣？渣，真渣。渣得坦坦荡荡，渣得世人皆知。但我们似乎无法用普通伦评价他。作家须一瓜说：“艺术家骨子里都是野生动物。”原始的人性欲望永远不会被文明的条框限制住，但也正是如此，他们永远活得比常人更加热血沸腾，那股躁动着的欲望，像巨大的涡轮推力，推动着他们在各自的艺术领域登峰造极，也推动着这些人摆到在一个又一个女人的裙摆下。张大千和徐雯波金璧双辉—巫峡清秋骨灰级的吃货：吃，是人生的最高艺术张大千还是真正骨灰级别的吃货。2001年，一本食谱在台北举行义卖，起标价新台币160w元，最后拍出了1090万元。堪称世界上最贵的一本食谱。这本食谱是谁的呢？就是张大千亲笔写的《大千居士学厨》。大家都知道，张大千是画家，民国第一画家，名头响当当的。但张大千自己说：“以艺事而论，我善烹调，更在画艺之上。”张大千曾拜书法大家李瑞清为师，这哥们虽然老了，但是一枚典型的老吃货，特别喜欢吃蟹。曾经有一天吃掉100只螃蟹的纪录，因此，得了个“李百蟹”的绰号。而他死，也正是死于吃蟹。据传是某天吃到了死蟹，引发伤寒，然后挂了。拜这么个吃货为师，张大千难免受其影响。所以张大千的一生，除了是画画和撩妹的一生，同样是吃货的一生。张大千掌勺张大千

构图虽然是一个非常活跃的艺术创造过程，但并不是无法可循。中国画在其长期的发展演变中建立了许多符合自身审美要求的构图法则，如布势、主次、对比、均衡、疏密；开合等等。除此之外，中国山水画家在构图上有“五字法”的形象性的概括描述——按“之”、“甲”、“由”、“则”、“须”五个字的结构样式来分割空间：“之”字是左推右让、“甲”字是上重下轻、“由”字是上轻下重、“则”字是左实右虚、“须”字是左虚右实。再如“散点透视”中的“三远法”……种种法则，使我们在研究、学习中国画构图时有了较为明晰的思考方向。这些是民族艺术中逻辑思维和形象思维交织演化的宝贵遗产。1．布势2、主宾画面所要表达的主题内容需有主有宾，画面的构成也要有主有宾。因此，在构图时不能把所要描绘的形象平等对待，更不能喧宾夺主，需要营造—个构图中心，从而达到最充分地表现主体的效果。这是比较容易理解的，否则一幅画就会平淡散乱、主题不明确。一幅画的构图中心事实上承担着两个使命，它不仅作为构图处理上的主要焦点，而且也应当作为最清晰地表达内容的手段，只有两者吻合一致，构图才能获得最大的表现力。主体与宾体是相互联系而又从属分明的关系：宾体因主体而存在，为衬托和突出主体服务，失去了主体也就失去了宾体的存在意义；主体因宾体而丰满厚实、得到深化。没有宾体，主体就像—棵大树没有枝叶，画面会显得单调乏味(就—般情况而言是这样，特殊情况，如某些肖像画除外)。如何家英的这幅《秋暝》，黄昏中，一个清纯少女在漫天的黄叶烘托下，似有某种心灵上的约定，似忧似怨，萦绕于怀。此画主体人物内心世界的刻画十分细腻，作为宾体的环境设计更是独具匠心、恰如其分。因此，宾主之间要配合协调、照应有致，使画面完善、统一，不能各行其是、独立发展。秋瞑

摹是习画基础。临，是照着原作写或画；摹，是用薄纸（绢）蒙在原作上面写或画。临摹画，有的直接摹原迹，有的出于背临，有的依据钩摹本再临，又有火前火后之别，画家或临或摹，忠实程度不一。中国画讲求师承。张彦远认为历代画家“各有师资，递相仿效”，可见临摹是对历代经典之作的传承和发展。现存于世的顾恺之的《洛神赋图》、《女史箴图》、周昉《簪花仕女图》、《挥扇仕女》和张萱《捣练图》均是宋人摹本，逼真的摹写往往比创作更有意义。对于画家来讲，摹易临难，不管是临还是摹，从“形似”过渡到“神似”是临摹的第一目标。图27：北宋

“岁月如歌，人生如画”。每个人的一生就像是一幅画，走下的每一步，如同勾勒线条、填充上色，最后呈现出的便是人生的模样，而这些线条、颜色也反映着我们的性格。你是农历几月出生，就是什么画，快对比看看你是哪种画？一月

王沂东《静静的白桦林》▼【赏析】王沂东的许多作品都来自沂蒙山区的一情一景，一人一物，艺术家用严谨的造型、单纯明快的色调展现出一个极富东方神韵的艺术世界。。民间的大红、阳光、静默的黑、美丽的乡村少女是王沂东绘画中反复使用的语言，从这样的集合里我们寻觅到一分乡土的、温情的、唯美的感动。明

广州市李先生：我是书画收藏的爱好者，前不久，我从书画市场花30万买到一幅启功书法“海中大佛八宝盖，云端仙人双翠翘。”不知是否真迹，请专家进行鉴定。鉴定专家：广州市文史研究馆馆员、广州市书法家协会副主席

笔下的马更具有张力，而且看得出她的风格也是有借鉴徐悲鸿绘画风格的意思。我们知道徐大师的马往往都是寥寥几笔，简单而又生动的刻画出了马的奔跑或凝立的神态！这一点是后人最难模仿的。从Abigail

不为君王唱赞歌，只为苍生说"人画”吴冠中的春在水墨中发芽！春天来喽……没钱上学边放牛边画画，寂寞一生死后震惊画坛，黄宾虹说他：由简而繁灿烂至极监制/精微堂

光绪二十七年（1901）至终南山结茅潜修两年。后至鸡足山主持钵盂庵，自往南洋等地募缘建寺，至宣统元年（1909）自北京请得《龙藏》全部回鸡足山，敕改钵盂庵为护国祝圣寺。

《爸爸永不回来了》，蒋兆和1945年，日本投降。有位中国画家画了一幅画，叫做《爸爸永不回来了》，画中的小姑娘双膝跪倒，仰望青天，意思很清楚：她的父亲在抗战中死掉了。当年，全国上下一片狂欢，太多主题可以画——直到今天国家组织的大型历史画还在画抗战，画家们早已学了西洋人的套路，画杀戮，画战场，画尸体，画胜利——可是大家想想看，这位抗战的亲历者偏偏选择画一位失去父亲的女孩，为什么呢?因为复仇也好，胜利也罢，战后真实的事情，是无数家庭破碎了。这幅画不是出于国家主义与民族意识，而是秉承人的立场，直白地说，就是同情心。国家、民族，是现代中国主旋律，同情、恻隐，不是首要的美德。所以七十年过去，这幅画没人记得，没人知道，我也是在最近出版的关于画家生平的图书中，才看到这幅画的。这位画家名叫蒋兆和，中央美院老教授，1986年逝世。上个世纪，我认为他是中国最伟大的人道主义画家，也是最杰出的人物画家。他一生中最最重要的巨作，是画于战争期间的《流民图》，这幅画，也几乎被历史忘记，甚至被政权销毁。他的所谓政治名誉直到八十年代才恢复，1993年，天津人民美术出版社出版了《蒋兆和作品全集》，首次收入《爸爸永不回来了》，并举办了纪念蒋先生诞辰九十周年的大展；去年秋天，国家博物馆为纪念蒋兆和先生诞辰一百一十周年，也举办画展，展出了幸存的《流民图》，不知道有几个80后90后青年去看过。陈丹青据我所知，如今大部分青年不喜欢悲惨痛苦的故事。前两年冯小刚拍了《一九四二》，电影里全是蚁民、灾民、饥民、流民，成片成片死掉，像狗一样，正所谓“野有饿殍”。结果，票房很惨，冯小刚为此梗着脖子，心里很受伤。我问不少80后青年为什么不去看，他们坦然说，我不想看。孩子们可能是对的。绝大部分80后的父亲没有死于战争，出于别的理由，别的记忆，他们的爹妈恐怕也不愿提起悲惨和痛云，我们伟大的传统是千里江山、不是死亡。蒋兆和先生一辈子没画过壮丽的河山，只喜欢画人，而且心慈手软，专画受苦的可怜人。他自己，就很可怜，从小丧父，十几岁从四川出来混，饱受沧桑，和徐悲鸿先生幼年少年的经历很相似，所以徐先生曾经提携扶助蒋兆和。徐先生自己的艺术主张，就是四个字：悲天悯人。世上有得是可怜人，过去很多，现在也很多。你要可怜人老去想可怜事，也是可怜的事。可是法国人孟德斯鸠说过一句话：“人在苦难中更像一个人。”诸位同意吗?以我的记忆，历史上伟大的作品很少很少描绘幸福，很多很多描绘苦难。而描绘幸福的图画，你看着，不那么容易也感到幸福，看着描绘苦痛的画面，如果那画面足够真挚，即便你从未领教那苦痛，你也会被感动。这是为什么呢?牛犊给豹子吃掉，绵羊给恶狼叼走，牛羊不会写个短篇，画幅画，把伤痛留下来，反反复复说，年年月月看，世上万物，只有人类干这种事。可是畜生的感情，和人一样的，死了同伴，有时会绝食而亡，畜生没有语言，只能闷死，人类呢，不但晓得记取伤痛，还有想象灾难、诉说灾难的天分——蒋先生没有亲人被鬼子杀掉，那位画中的女孩呢，并没有丧父，她是蒋先生的侄女，被画家选中做了那幅画的模特儿。抗战爆发时，蒋先生并不是流民，还有个画室，还能画画，可是蒋先生亲眼看见“九·一八”事变的流民，“八·一三”淞沪战争的流民，北京陷落后的流民......他心里不安，非要画《流民图》。我的老同学刘曦林先生，三十多年前曾以《流民图》作他的毕业论文，去年托我也来写写蒋先生，我就写了。我仔细想想，中国学西洋人悲壮惨烈的历史画，不到一百年历史，要和文艺复兴到十九世纪的欧洲宗教画历史画比，那是休想。但在可数的几十幅著名中国历史画中，以我偏见，包括徐悲鸿先生的《奚我后》和《田横五百士》，都没法子和蒋先生的《流民图》比较，这幅画，是唯一可以平视西欧经典的中国绘画，当然，这是我的偏见，没有意思要别人同意的。以下是我对这幅画的描述：《流民图》所描绘的绝望、悲剧性、死亡感，如《圣经》的片断，直追中世纪晚期及文艺复兴初期的宗教壁画；逾百位画面人物的组合纠结而能各在其位、各呈其态，便在欧陆，亦属一流；画中每一人物的面相、种姓、神态、气质，高度准确——不是“准确”，而是“如其所是”——堪与委拉斯凯兹的《侏儒》系列、伦勃朗的自画像相媲美；而《流民图》的道德力量、心理深度、历史分量，与列宾、苏里科夫、珂勒惠支，同属一支；整幅长卷深沉而从容的叙述，令我想起托尔斯泰的《复活》与陀思妥耶夫斯基笔下被侮辱被损害的人；论及一位艺术家在沦陷期间所能作出的强悍回应，《流民图》超过毕加索的《格尔尼卡》，而《流民图》成稿期间的政治语境，远较《格尔尼卡》危险而艰难。《耶稣受难》，乔托《流民图》能给外国人看到，只有一次机会：1957年送去前苏联展出。苏联画家看了，在画前鼓掌致敬，称蒋兆和先生是“中国的伦勃朗”。这个譬喻，说对一半。伦勃朗生于巴洛克盛期，在他的本邦与邻国，群星灿烂；而1943年前后，中国现代美术尚在牙牙学语，竟有《流民图》画出来，独在众人之上，简直是奇迹。1943年，《流民图》画成，在太庙展出，当时北京是沦陷区，市民涌人观看，大为震撼，但是当天，画展就被日本宪兵命令关闭，1944年，此画在上海沦陷区展出两周，反响强烈，报章刊物有报道，也有评论。日本方面随即干涉，借故取走《流民图》，从此下落不明。创作这幅大画之前，蒋先生曾与北京一位汉奸官员相识，后者鼓励他画《流民困》，甚至允诺赞助，未兑现时，这位官员就死了，前后细故，我无法详述，但因为这一层关系，日后，蒋先生长期被视为有历史问题的人。《流民图》（局部）1953年，《流民图》神奇地被找到了，回到蒋兆和手里，但整个长卷已经残缺不全。1957年，《流民图》赴苏联展览。1959年，中国革命历史博物馆借取《流民图》展览，康生指此画“调子太低”，未能展示，“文革”中，《流民图》被定性为“反共卖国的大毒草”，险些销毁。“文革”后，这幅残破的画在仓库角落被发现，我初次见到真迹，就在人民美术出版社的昏暗走廊。1979年，中央美术学院作出结论报请文化部党组批准，始获评定，称其为“现实主义的爱国主义作品”。这时，距《流民图》诞生已过去三卜六年，期间，蒋先生备受煎熬，心力交瘁。暮年，他将这幅画捐献政府，现在，《流民图》是中国美术馆的收藏。从“反共卖国的大毒草”到“现实主义的爱国主义作品”——还须报批，还须乞获恩准而定性——大家想想看，一个受难的民族，一个战胜国，就是这样对待《流民图》。这幅问世于沦陷时代的创作，敌国如何憎恶，不去说了，胜利后，《流民图》在本国还是遭到憎恶，权力的意志，让这幅画辗转于高层的毒语、封尘的库房。当初，《流民图》中的流民就像鬼魂、进人蒋先生这幅画，结果这幅画也像鬼魂一样，在胜利后的岁月，背负罪名，差点被销毁。《流民图》（局部）这才是真的灾难，而且是难以战胜的灾难，我们牢记对日的仇恨，但我们记得《流民图》吗?记得画中的流民吗?我很想知道，至少，今天全国各大学的千千万万爱国大学生，有几个人知道这幅面?又有几人知道蒋先生?我在美院读书时，蒋先生健在，从未见过他，我从小就爱看这幅画，敬佩蒋先生，很惭愧，直到去年读了有关他的传记，才知道他是被组织上长期视为有历史问题的人，直到今天，还有上一代画家认定他是汉奸。什么叫做历史问题?我看，是我们的历史，大有问题。现在来看看毕加索的《格尔尼卡》。这幅巨作的诞生，同样为了同胞的受难，同样画于二次大战期间，它也一度离开毕加索，被纽约现代美术馆珍藏。佛朗哥政权倒台后，西班牙政府与国王一再交涉，要美国归还此画，1980年，美国特意在现代美术馆举办盛大的毕加索回顾展——顺便一说，那年，我们的陈逸飞同志刚到纽约，看到毕加索大展门口排长队，就说：“我从中国来。”当时很少有大陆画家去美国，美术馆门卫立刻放他进去了——那次大展结束后，《格尔尼卡》荣归西班牙，犹如国器，被隆重挂在单独的展厅，有一阵，政府甚至安排士兵，守卫这幅画。是的，毕加索名气太盛，知道吗，毕加索还是光荣的共产党员——蒋先生哪里能和毕加索比，他是个有历史问题的人。可是这两幅关于战争灾难的画，我更爱《流民图》，并不因为我是中国人，而是，这幅画的血泪，这幅画的真挚，这幅画的力量，我以为，胜过《格尔尼卡》。请诸位看看蒋兆和先生的照片，一脸的慈悲、老实，一脸的苦难、郁结。抗战胜利后，他在自己的祖国当了几十年精神的流民，后半辈子一直低看头过日子。原因无他，就因为他画了《流民图》。晚年蒋兆和《流民图》（局部）猜你喜欢何家英人体专辑故宫藏陈师曾大作：100幅精读吴冠中的春在水墨中发芽！春天来喽……没钱上学边放牛边画画，寂寞一生死后震惊画坛，黄宾虹说他：由简而繁灿烂至极监制/精微堂

又降温兮天气凉，大萝卜兮摆桌上，如何吃兮已想好，加羊肉兮炖锅汤。——元宵节快乐！！！十里灯市走几趟，希望再遇那姑娘。灯火阑珊浑不见，一轮明月照大江。

吴冠中作品多以江南水乡为题材，画面充满诗意，他特别重视点、线、面的结合与搭配。吴冠中说：“黑、白、灰是江南主调，也是我自己作品银灰主调的基石”。1994年作

吴冠中《春》吴冠中老先生的《春》坠入线之罗网，用线来绘写春天，表现春光之易逝，人间留不住朱颜，留不住青丝，今日丹青正艳，放歌狂舞，更遇彩点纷飞，人间欢乐长留画中看。从具象的紫藤之纠葛发展到抽象的“情结”，纵横交错，上下遨游，线在感情世界中任性奔驰。笑摘青梅傍绮疏。数枝花影漾前除。太湖石畔看金鱼。笋指晓寒慵出袖，翠鬟春懒不成梳。▄▄▄三月金明柳絮飞，岸花堤草弄春时。▄▄▄芳草绿杨人去住，短墙幽径燕西东，攀条弄蕊得从容。▄▄▄鸟飞村觉曙，鱼戏水知春。初晴山院里，何处染嚣尘。▄▄▄青门柳枝软无力，东风吹作黄金色。街前酒薄醉易醒，满眼春愁消不得。▄▄▄春来晴雨常相半，水光风力花撩乱。▄▄▄粉墙朱阁映垂杨。晴绿小池塘。东风颺暖，单衣初试，昼日偏长。▄▄▄花褪残红青杏小。燕子飞时，绿水人家绕。▄▄▄两两归鸿欲破群，依依还似北归人。阴阴溪曲绿交加，小雨翻萍上浅沙。鹅鸭不知春去尽，争随流水趁桃花。▄▄▄画阁归来春又晚。燕子双飞，柳软桃花浅。细雨满天风满院。▄▄▄蛮柳眠风，妃棠醉日，春意方浓。▄▄▄梦入江南烟水路，行尽江南，不与离人遇。▄▄▄诗家清景在新春，绿柳才黄半未匀。▄▄▄莺啭上林，鱼游春水。屈曲阑干遍倚，又是一番新桃李。▄▄▄紫藤挂云木，花蔓宜阳春。密叶隐歌鸟，香风留美人。▄▄▄春到雨初晴，正是小楼时节。柳眼向人微笑，傍阑干堪折。暮山浓淡锁烟霏，梅杏半明灭。玉斝莫辞沈醉，待归时斜月。细雨如织，细数回忆的时间，似乎也变得很长很长，如同从未断线的雨丝，无止无休。在冬天之末，春天之始，手捧一片新绿，眼前的黑瓦白墙，也似乎生动了几分。太湖石上写不尽的春光，却隐在墙角之下。只是不知，你会不会走过这道门？草长莺飞的季节，如果春天欢喜，这一片姹紫嫣红会有多么美丽？通幽的小径中，你寻到了什么样的风光？其实，门前的树也开满了花。小亭的一角，绿树红花点燃了整个院子，却只有鱼儿噙香而醉。我眺望的街头，你的身影会不会突然出现？代沟不是以时代来划分的，而是以思想来划分的。人生只能有一次选择，我支持向自己认定的方向摸索，遇歧途也不大哭而归，错到底，作为前车之鉴。在吴冠中先生眼里，艺术市场受到人际关系、利益包装、经济沉浮等

主编/小墨象

提示：点击上方↑"读画笔记"免费订阅本刊陈师曾（1876年－1923年），名衡恪，字师曾，以字行，号槐堂，又号朽道人，祖籍江西义宁县，出生于湖南凤凰县，中国画画家，陈三立长子，陈寅恪长兄。梁启超称他为“现代美术界具有艺术天才、高人恪、不朽价值的第一人”。陈师曾是吴昌硕之后革新文人画的重要代表。在文人画遭到“美术革命”冲击之时，他高度肯定文人画之价值，善诗文、书法，尤长于绘画、篆刻。其山水画在承袭明代沈周、清代石涛技法的基础之上，注重师法造化，从自然景观中汲取创作灵感；写意花鸟画近学吴昌硕，远宗明人徐渭、陈淳等大写意笔法,画风雄厚爽健，富有情趣；人物画以意笔勾描，注重神韵，带有速写和漫画的纪实性；风俗画多描绘底层人物，像收破烂者、吹鼓手、拉骆驼、说书、喇嘛、卖糖葫芦的、磨刀人等等，斑斓多致。陈师曾

提示：点击上方↑"读画笔记"免费订阅本刊任伯年尽管中年早逝(年仅56岁)，但其传世绘画较多并有专门的收藏圈子，历来价格十分昂贵。据不完全统计，近10年来其上拍的作品计有五六百件，平均成交率在六成多，平均单尺均价约1.84万元，其市场表现并不很理想。现代收藏家钱镜塘对任伯年的画作十分倾心，曾经收藏有上百幅精品，并为此刻印一枚钱镜塘审定任伯年真迹之印。新加坡胡椒大王、香雪庄主人陈之初的收藏书画作品中，任伯年的作品占很大的比例，从他汇编的《任伯年画集》可见一斑。近来浙江美术界、收藏界有两件事，引发了圈内外人士对“海上画派”巨擘任伯年的浓厚兴趣。一件是萧山成立了任伯年艺术研究院；一件是任伯年的《华祝三多图》在西泠印社春季拍卖会上拍出了1.67亿元的高价，标志着任伯年的作品终于也进入了“亿元时代”。相对于齐白石而言，任伯年的作品价位并不算高，没有达到其应有的地位；相对于吴昌硕而言，任伯年的公众知名度和学术定位，也没有达到其应有的高度。上述的两件事并无关联，但却有望成为让学界和公众进一步认识任伯年的契机。http://hc0766.blog.163.com/

赏析提要：林散之先生在这幅作品中将枯笔艺术发挥到了极致：一字枯，几字枯，一行枯，通篇枯。字字活力无限，个个灵气十足。像这幅8次出版的丈二匹草书，林散之先生创作极少。作品气势宏伟，笔墨超绝，字大神旺，张力无比。沈鹏赞叹：“十分难能可贵。”自攫神奇入画图，居心未肯作凡夫。希贤希圣希今古，无我无人无主奴。一种虚灵求不昧，几番妙相悟真如。浑然天趣留多少，草绿山中认苾刍。林散之草书代表作《自作诗

南昌汉代海昏侯墓文物保护工作站工作人员夏华清介绍，扫描完以后，第二道就是清洗，文字露出来以后，立马第二道扫描，两道扫描的一对比，文字就清楚了。“竹简里面已经出现了一篇失传的《论语》。”

所谓的佛法，其本性并非实有，如果你有一个佛法的观念存在，你已经著相了，佛法不一定在佛经上，世间皆是佛法……真正的佛不认为自己是佛，真正的圣人，不认为自己是圣人。

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陆俨少画山水，尤善于发挥用笔效能，以笔尖、笔肚、笔根等的不同运用来表现自然山川的不同变化。线条疏秀流畅，刚柔相济。云水为其绝诣，有雄秀跌宕之概。勾云勾水，烟波浩淼，云蒸雾霭，变化无穷。

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李贵君，师从于靳尚谊、杨飞云，是第三代古典绘画的代表人物。他不仅在技法上与老师们不相上下，而且在对于当代的表达上，有了更新更现代的表达方式。被评论界誉为新古典绘画的代表。

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蔡襄，字君谟。其先本光州人，居仙游（今属福建省），迁甫田。官至端明殿学士，知杭州，谥忠惠。工正、行、草、隶书，又能飞白书，尝以散笔作草书，称为“散草”或“飞草”。书法浑厚端庄，淳淡婉美，自成一体。

吴昌硕反对拟古不化，主张“古人为宾我为主，笔作天葩吐，叶为剑器舞，树可不著土，石亦何须补”，所谓“食金石力，养草木心”。这种美学性格在吴昌硕的紫藤作品中抒写得相当生动尽致。

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1984年正式调入天津南开大学，任东方艺术系主任，日本冈山在此期间为其建“范曾美术馆”，为此，他大肆宣传“范曾美术馆”，是当今在世画家第一个，以个人名字命名的美术馆，为他进一步积攒民众口碑。

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如今李艳红自己也带徒弟了。李艳红的徒弟来自美国纽约大学的商学院。刚刚从田里插秧归来，就和她的徒弟在陋室中习字！学习书法依旧是她每天的生活中最开心的事！

习大大和特朗普手中的两幅写意山水画，为明代董其昌和元代吴镇的作品，同样是中国绘画艺术中的瑰宝，自古以来，水墨写意为士大夫文人一展家国情怀的画种，水墨山水更是享誉国际的中国文化符号。

学书法如喝白开水，素淡无味。不过是点线面，黑纸白字，日复一日，何乐之有？书法之乐，只有爱书法的人真正懂得。一方黑砚、一片废纸，一支毛笔，便是一片醉人心扉的广阔天地。

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款识：手植灵根化宝胎，额黄新样费亲裁。漫矜绝色姚家种，懒对春容陶令杯。玉佩几人江上去，金钗怜汝客中来，春秋花事忽忽了，独伴寒夜冒月开。闺人手植黄兰漫为赋之，乙酉之十二月既望，张大千爰。

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是对“转笔”而言，方笔多用此法。折笔时笔锋从阳面翻向阴面，即“方笔用翻”，从而显出棱角方正，以折笔这一动作来带出方势。折笔的速度要比转笔快些，这样才形成方劲刚健，痛快遒劲之势。

好的书法作品中，每个字的间架结构和字与字之间的结构都有音乐的韵律，你读毛泽东的书法作品《沁园春·雪》就仿佛感到世界上最雄壮的交响乐在奏鸣。

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