艺术家李怒LINU艺术家，毕业于英国皇家艺术学院雕塑系，获硕士学位。2015年荣获英国皇家雕塑家协会Bursary大奖。英国皇家雕塑家协会成员。现生活和工作于北京。

“雪白的鸽子”，箭厂空间“不是艺博会”，松美术馆，北京“小芳在美国”，现代空间，上海“来处”，太古汇，广州“当媒介成为日常”，星汇当代美术馆，重庆“溪流域”，源美术馆，广州

在《色彩实践》的场域里，每个观者每时每刻的体验都是抽象的精神化的，从不断变幻的感官体验，进而转向对内的自我探索。这也是我想要通过作品，要去探讨精神体验与色彩本质间的可能性。Color

life。人与人之间的关系是互相传递的，人与人之间的能量也是互相传递的，这是一个循环。又或者说，正是因为人与人、人与自然、人与世界的相互连接，我们的未来才是不断螺旋上升的。

每天在照片上书写，好像自己的身体和这些照片的关系更具有连接感，照片里也有了我的气息。当我们谈论一张照片时，它好像与我们是分离的“他物”，是一个结果。但我更在意照片与人的连接，它是超越图像的。黎朗作品

复制要完全“抛弃”自己，一切以忠实再现古书画原貌为目的。创作则是要表达自己的想法。复制是一个体味经典的过程，但需要压抑住自我表现的冲动。创作则是我自我表现的出口，往往经过压抑后的创作会特别有热情。

郊野艺术，致力于影像艺术的大众化传播和推广。提供摄影艺术作品销售，艺术礼品化定制，艺术IP投资和运营，艺术衍生品开发，艺术跨界整合营销，文艺生活体验空间运营等艺术和文化创意服务。

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为了完美实现出色的创意，制作执行团队也是在有限的时间与尚未完全开放的资源池中做各方调度与协调，当最难执行也是压轴拍摄的「鲸落」主题完成时，大家才松下紧绷的神经，为三天的拍摄工作不由自主的欢呼起来。

这个问题其实在上一个问题中有点到，说到消费空间的互动性，我的作品是动态的，像光后这个橱窗，我用编程的方式出来了一个简单的爱心图案，它会消失也会出现，我相信大家对美好事物的期待，会有人在那等心的出现。

这部作品等于是把这个疾病给物化，是围绕着我在对病症通读“整体”后所产生的感觉进行制作的，这是一个“意识”决定“物质”的过程，在布置拍摄的时候，现场有随机性，我没有特别去考虑每一个物象具体的含义。

所以在图像中设置摩尔斯码的障碍其实就是在尝试分流一下观看者，我们的常态是觉得这个作品太难，就走开，依然是一个局外人的角色。还有一小部分人会试着解开密码。这很像现实生活中，我们面对新闻的两种状态。

其实这可以作为我的某种教育理想，像康德说的那样，“人是目的，而不是工具。”而我们当下的教育观充满了功利主义，这点我想我们都有体会，或者说，这样的教育搞得我们身心疲惫，失去了对学习求知本身的乐趣。

我是一个比较随性的人，没有太多的计划，都是按照自己的心情来。可能某一段时间，创作灵感比较多，就多创作几幅。另一些时刻，会做一些其他的事情，比如看书。偶尔也会画一些画，今年会加重一点，作为一条复线吧。

去年看了一条的视频讲述《情书》背后的故事，底下的评论引起我一阵反思，有人说“花与其平淡无奇的绽放，还不如轰轰烈烈地燃烧”；有人觉得燃烧一朵花有些残忍，你平时会看这些评论吗？你又怎么看待这些评论？

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选作（来自艺术家自述：这个孩子只有奶奶了，右边是空白。他爸爸在工地上干活时死了，妈妈离开再没有回来。我问他几年级，几岁，任何问题他都不回答，后来他奶奶说，站起来给阿姨拍个照，他才终于拍了这个照片。）

《相爱的柯比和史蒂芬》是讲诉92岁的华裔女舞者，这个身份就很边缘（无论是年纪、职业还是生存境遇），但在整部电影中没有特意将整个身份置放出来，反而是以一种平静节制的语言，为什么做此安排？

我们虽然很概念地去思考，但整个扫描过程其实挺非理性的，有即兴感，有行为的痕迹在里面。这种手持扫描仪很便宜，差不多300元左右，算一种“坏”的器械。从它的扫描质量来看，基本上算是一种“坏”的影像。

时间的齿轮在转动，他不希望它只是周而复始，或者只是往前行进。他不想被时间框柱，他把家乡的回忆命名为“时间之外”。他甚至迷恋于离开家乡后的那些流浪感，总能在未知中试探自己的本真，总能拥抱残缺发现美好。

“现在已然是2017年5月份了，常常会感叹时间飞逝，很多事情等着自己去做，一年、一辈子其实也做不了几件事情，爱不了几个人。但有时候又会觉得时光漫长，痛苦无奈和失落无聊这么地没有尽头！”

给我的感觉也是这样的，我当时在英国，正好赶上脱欧；到美国旅行，又赶上特朗普上台，好像整个世界的氛围都是这样。在这个大氛围下，《怀旧之邦》里对集体主义和乌托邦的追求，也是一种怀旧，是中国式的一个切片。

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我想拿新的方法去观察身体。大部分照片会以“人”的整体出现，或者以人的面容表情为主要内容，身体是依附人的身份、情绪而存在的。而我想让身体脱离身份这些东西，所以我在拍摄的时候，是把身体当做物体来拍的。

不会担心，都别低估大家的阅读能力。你给那些会来你展览的的观众看。每个人的感知力和辨识能力其实是很强大的。当你选择看艺术，只要你愿意，你自然会打开视野，敞开自己去看待它们，而且如何看艺术也没什么标准。

拍摄台湾的这组作品，与台湾“小清新”的标签相差甚远，会感觉那里不像台湾，有些像香港、也像广东、也像日本，或者像世界上的某一个地方。你在拍摄一个地区的时候，会有意避免那个地区的标签吗？

图像是一种全球性的语言。我最近读了一些书，是关于每一天都有新的表情被研发，以及我们每天吸收的信息在不断地增长。当我摄影或者做跟摄影相关的装置的时候，我也会想到这些新的表情，会想到它们和肢体的关系。

我也有拍过有笑的呀，或者其他表情的，“冷漠脸”这个词本身就是一个很不精确的词，因为这个描述也很套路，这三个字就很网络化，它这个描述它能够覆盖很多照片，但是又都不对，它就像是一种很心不在焉的一种评价。

不论是《再见，十八梯》的市井文化，还是《你好，化龙桥》的工业文化，讲述城市化进程的同时，也在讲述一种集体记忆的消失。但城市又创造了另外一种集体记忆，你怎么看待市井、工厂的集体记忆与城市的集体记忆？

自2012年创作至今，陈哲在《向晚六章》的项目框架下投入到一系列视觉和语言的文体实验。自幼就经历着“向晚意不适”的她，肆意地漫游在夜晚渐浓的过程中，浸泡在“对于黄昏的不解与着迷”里。

到后来做比较抽象的乌托邦系列，很多层面上是在做一个跟自己的对话和思考，它不是一瞬间的刺激性灵感，它是很多睡不着的夜晚和对以前经历的回想以及对目前生活的盼望，以及对目前艺术环境和手边媒介的思考和运用。

”，醒来之后查了一下，竟然和菲利普·迪克的小说《仿生人会梦见电子羊吗？》相差一个词，后来这个小说被改编成电影《银翼杀手》。至于为什么是奶牛，这个我也不知道，那只能去问那个“梦的解析”了。

以前不怎么拍国内，但现在发现国内确实挺有的拍，这也是我一个巨大的转变，我的视角完全变了。但你说的“浪漫”，我不是特别同意，只能说是荒诞，法国也不能只用浪漫来概括，法国的浪漫也不能用那种小情调来概括。

《阴阳》系列的作品中，其实经过时间发霉、风干的只有几张，这个选择也非刻意。这其实是我持续进行的静物拍摄项目，会在不同的阶段用到不一样的方法，更希望通过不同的方法去多而全的展现同一个主题的拍摄。

“暗夜之光”是我在对相机曝光量和快门速度做测试的时候，发现光线在越暗的时候，曝光的时间就相对越长，也就是说相对记录下在更长的时间里，拍摄对象的不断变化，而不仅仅是百分之几秒的瞬间。

他设法实现了这一目标，不仅是通用的，未知的建筑物，还有着名的和拍摄得很多的地标：例如，他在罗马的PalazzodellaCiviltàItaliana和柏林的德国总理府的图像完美展示了他的想法。

的白色字样。乍一看你可能会误以为这是苹果公司的标识，再仔细看看才发现它真的只是一个完整的苹果图案，并没有苹果标识上的那个为人所熟知的缺口。与之相映成趣的是店内一面纯白色墙面上的黑色苹果图案。

他在采访时说：“在每次新的工作开始之前，抛弃预先设想的一名摄影师该怎样去做是非常重要的。我非常高兴有机会以这样的方式工作，但这并不表示每次我都会采用这样的方式。这就好象我拍‘Down

“如果你用幽默的方式去处理一些事情，人们立即会假定你没有严肃看待那些事情。但我认为，现实社会和人类的存在可以有不同的方式。并不需要总是很严肃。讽刺和幽默可以帮你以一种更轻松的格调来看待事物。”

与经典的人物摄影不同的是，Mária更在意空间、颜色以及氛围的整体感受。通过她的构图，这些苏联时期的社会主义建筑和公共空间即怀旧又时髦。在戏剧性的梦幻场景中能体会到一种孤独感和浪漫主义。

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Barney1945年生于纽约的上等家庭，她作为艺术收藏家接触并迷恋上摄影，最终拿起了相机对准了自己和周边亲友的家庭和生活，照片被冲洗成真实场景和人物的大小，所有的细节和颜色都逼真得让人屏住呼吸。

无论是摄影新手第一次出门采风，还是为家中的花拍张照记录生活，又或是第一次接触智能手机的老人在楼下花园中的随手一拍，对任何年龄段的人来说，花都是最平易近人的创作元素，它是很多人对于生活艺术的启蒙。

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