黎晓亮：商业拍摄中依然有很多创作空间
太多人知道摄影师黎晓亮是因为时尚杂志上的频繁署名，2009年他开始与杂志合作拍摄纪录了荧幕上大多数知名的中国面孔，并获得不少来自行业内外的肯定。但这种“光环”同时也掩盖了其他东西，它们在黎晓亮长达12年的几个不同项目中体现：涉猎更广泛的社会议题、提出更多引人深思的问题，是更为自由的、个人的表达，触角延伸至他最想抵达的地方。
十几年中的工作，他用“距离”给一些影像归类：近距离凝视的明星肖像系列，也是他最为人所熟知的部分；远距离窥视的《孤独星球》系列；介于这两者距离关系之间的《北京公寓》系列。但同时置于这次展览“三个展”中的它们，并不是他工作的全部，只是代表了三个不同面向。
“黎晓亮：三个展”展览现场，UCCA Lab，2021
除了三个系列的平面影像与视频，位于展览另一处的黑色房间里，黎晓亮布置了一个交互装置，“摄影师不在场的拍摄现场”：一张黑色桌子，一盏一直晃动的白炽灯。观众在桌子前可以为自己设定任何的拍摄姿势，摄像机在倒计时6秒后将捕捉到一个瞬间，这张照片的数字版可以立刻被交由被拍摄者。在这个“人人都是摄影师”的时代，黎晓亮想知道，自己有多大程度上能被替代。
“黎晓亮：三个展”展览现场，UCCA Lab，2021
这种深刻的诘问发生在我们去ASTUDIO采访时的会议室里。正值午饭时，每个人的嘴里塞满披萨，并没有太多的思考空间。摄影是个越来越民主和平权的事，黎晓亮做的诸多的实验性项目，都是在印证着一件事：在人人都可以做什么事的时候，专业人员的专业性反倒会被体现出来。
ASTUDIO陈设着几件艺术家的作品，艺术家黎薇的金属旋转楼梯杵在一层的空间中，很具有它的迷惑性，我们看着它却不知它会通向什么地方。送快递的从梯子上去了，发现办公的人和自己离得不远，就是没法把东西递给他们。加上门口和楼梯上的两个灯光装置，三个合在一起分别叫：等不及，上不来，等不了。黎晓亮也拍过很多艺术家，“只是某一个东西被大家熟知后，那个标签就会不断放大，挤压其他空间”。
黎晓亮不打算给自己归类。自己想做的事很多，好几个项目在并行。现在ASTUDIO已经有30多人，是一支以创意为主导的视频和平面团队。黎晓亮在视频和平面上花费着同样的时间和精力，因为有了团队的协助，他也拥有了比之前更多的属于自己的时间。对他来说，有自由做自己想做的事，比归类到什么类型的摄影师更重要。
AB=《艺术商业》
AB: 平时我们拍一张照片，觉得彩色的拍得不够理想，把它转成黑白的，发出去就觉得很高级。您怎么看这个事？
黎晓亮：黑白相当于接触摄影后的第一个滤镜，它就是超现实的处理生活的一种方式。彩色的照片很容易和生活太接近。而黑白来源于生活又抽离生活，所以看起来更“艺术”。
AB: 您早期的作品构图感特别强，但是到后来就慢慢转变了，说一下整个转变的过程吧。
黎晓亮：画面中的构成一直是我比较关注的，现在依然也在，只是会在不同主题的拍摄中有不同程度的显现。
AB: 那您对布列松的决定性瞬间有什么看法？
黎晓亮：学习摄影时难免必须经历的，就跟森山大道一样，可能每个人都有个时期是森山大道，经历过才会成为自己。
AB: 我看到布列松的一些照片很难想象，真的不是摆拍？
黎晓亮：布列松很多画册里的照片都带有胶片边框，因为他不喜欢让别人裁剪他的照片，那些由天赋直觉输出的画面，并不是“摆拍”就能够促成的。
自由空间是自己争取的
AB: 我看您拍的明星，画面很单纯，元素非常少，您怎样去表现画面的张力呢？
黎晓亮：初衷和出发点就是做“减法”，做完“减法”再做“加法”。
AB: 这个是工作之外的项目。
黎晓亮：对，经常是在结束工作的时候，邀请拍摄对象给我10分钟完成这个拍摄项目。
AB: 明星平时也有人设，现场也是摆拍，您怎样拍出他们相对比较真实的一面？
黎晓亮：这次展览命名为“三个展”，副标题是“摄影与人的三种距离”。“Back to Black”这个系列中摄影师和拍摄对象距离最近。三个距离有一点也是在讨论影像和真实人格的距离。
AB: 给明星拍工作照的时候，您拍的是一个人设，还是创意团队给他的一个造型？
黎晓亮：人像拍摄中我的主题永远都会是人。时尚杂志拍摄像是一个造梦的过程，同时传递物品的商品属性和消费价值。更直白地讲，明星/模特身上都是广告位，从穿戴的首饰、衣服鞋包等等。时间久了非常理解这份工作的意义是什么。当然，在时尚杂志的全盛时期集合了整个行业内最好的人，团队合作会赋予个人很大的能量和可能。比如Tim Walker，他所有天马行空的创作，到现在依然是现在时尚摄影中很多人参考的对象，这不是只靠摄影师就能做到的拍摄。
展览结束前有一个白色的装置，那是我去年和奔驰合作拍摄时制作的。当时制作了三个装置来体现车的外形设计。现场展出的装置来源于小时候玩的那种矩阵的针的玩具，我们做了一个5米多的超大版本，让车身贴合装置表面，离开时留下完整的形状。我认为即使是品牌委托，依然能找到可表达的空间。
AB: 在进行这种商业合作的时候，品牌方会给你提出一些强制性的要求吗？
黎晓亮：肯定会有有关主题的要求。个人经验带给我的是，越能把握好这些边界，自由度会越大。合作的出发点就是希望找到创作者能够做一些有意思的、独立的、原创的表达。
奔驰上次的合作需求是用9张图片表现车的设计，最终这9张里我只有3张有出现车。也没有收到任何修改意见。还有次华为手机的合作，唯一的关键词是“艺术”。就想到致敬喜欢的两个艺术家，霍普和马格里特。我们搭建的一个错置的空间来源于那幅画“海边的房间”，拍摄过程没有受到任何干扰，只要满足拍摄设备是手机就可以。
从社会议题出发
AB: 《北京公寓》是怎样开始的，出发点是什么？
黎晓亮：它的出发点是一个纪实项目。项目进行到后期我发现它其实是在提出问题，我身处的行业不断在传递什么是美的，但什么叫美？什么样的五官是上镜的？什么是最流行？什么搭配是对的？……但这些问题的源头在哪里呢？是什么时候开始的呢？这个系列有点在探究脑中的这些问题。
现场陈列了一些时尚杂志，有些是90年代的创刊，可以从中看到在中国第一次出现外国模特和时装。这可能是文化被输入、我们被潜移默化影响的开始。《北京公寓》系列展览结束的地方有一句话，“我们对某种西方生活的想象，是她们在这的原因”。有次我和一个波兰模特聊天，她说在中国最不喜欢的城市是杭州。因为杭州是电商之都，她们在那里每天十几到二十几个小时在做一件事情，就是不停地展示一件衣服的正面背面45度等，不停地换动作摆拍，一天拍近百套衣服。曾经拍过一张手臂上的“模特人台”的纹身，可能就是她们对现状的隐喻。
AB: 您在街拍的时候，这些人都不知道您在拍他是吗？都是在沉溺于看手机。
黎晓亮：对，其实就是展览中的第三种距离：“摄影师的不在场”。因为拍摄过程中摄影被完全无视了，它是相对更接近客观真实的。
《孤独星球》系列带给我的意义很大，因为这个作品是我第一个跳出摄影思维的项目，它是从一个社会议题的角度出发的。
AB: 现在好多人还说有图才有真相。
黎晓亮：那是在过去还没有出现强大的计算摄影、后期技术的时代，大家过去认为底片是无法改变的。其实并不是。
AB: 有没有那种情况，您在拍摄之前脑子里会预知一个画面，拍完之后发现并不是这样？
黎晓亮：我的日常拍摄就是在不断拉近其中的误差。
AB: 您觉得手机摄影有什么优缺点？
黎晓亮：手机有个明显的优点，就是没有那么强的侵略性。想记录时在身边的设备永远是最好的那台。
关于未来
AB: 您在外面手机拍摄的时候，除了《孤独星球》还有拍过其他的吗？
黎晓亮：有啊，我最近打算整理一本画册，都是生活中随手拍到的各种细节的画面，可能会更接近自己。
AB: 有点像构图感很强的那种。
黎晓亮：更松弛和没有目的的影像吧。
AB: 视频现在大行其道，静态影像这部分会不会被压缩？
黎晓亮：平面摄影是一种经典的观看方式，视频和平面有不同的属性适用于不同主题。展出的“15分钟”作品可以看作是“回到黑色”更进一步表达的视频版本。
AB: 您对科技发展这个事怎么看？因为现在有些人对科技发展太快有一些担忧，比如说人工智能发展过快，可能基本上会把人都替代了，大家都没工作了，更极端的就是机器人统治世界了，对此您持有一种什么样的态度？
黎晓亮：我不一定“有运气”能碰到这个画面。世界本来就是一直被科技推动的，摄影也是物理与化学学科叠加的发明创造。上世纪摄影也经历过胶片时代到数码时代的大变革，下一步的变革可能来自于计算摄影。如果了解足够充足的摄影史和艺术史，就会发现几乎所有人类探究的主题，都已经有前人做过深刻和丰富的表达。在科学技术的推动下，生活改变了，就会有新的问题出现。我们才得以从我们的现状中找到自己的表达空间和探索角度，不得不说是这样的。
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