想把电影《痛苦与荣耀》中的家具通通搬回家！
不再假以“猎奇式欲望”的阿莫多瓦，用自身的痛苦与荣耀编织了一张关于人生的“超脱之网”，带有“个人传记”色彩的新作——《痛苦与荣耀》将我们拉近他的个人世界，本片讲述了导演对自己一生的致敬：有欲望，有遗憾，有痛苦，也有荣耀......此片在戛纳首映时便已收获满堂喝彩，荣获金棕榈提名，将男主安东尼·班德拉斯送上影帝宝座。电影中好看的场景和配色让你拍案叫好，我们却被片中男主的家所吸引。（海报中的柜子是不是很眼熟？这都是以导演在米兰公寓里的许多经典家具收藏为参照。让我们一起走进这位西班牙殿堂级大师的电影之家。）
第
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则
追忆似水年华的导演者说
风流，绝不下流
在遥远的西班牙，在少年阿莫多瓦离开家的年代，年轻人从不和父辈谈论过多，他们的话题是发型是否新潮，服装的剪裁风格，最新潮的音乐和电影，以及贴在卧室墙上的海报，为导演日后塑造各种角色之间的冲突留下了生活中的素材。早年的阿莫多瓦有多“讨人爱”？先期电影的最后一镜常常是两个人的缠绵。主角们的示爱宣言：既然无路可走，那就死在一块儿。没有比爱侣更让人嫉妒，是真正的“穷风流，饿快活”。
阿莫多瓦的电影，设计美学永远在线，《痛苦与荣耀》正片还没开始，观众的眼睛就会被片头“引诱”，默默念叨：“Bravo！”是的，美到令人词穷，只能拍手叫一个“好”字。（大导演的内心其实是一个十分细腻的小女孩～）
片头的背景是被誉为“水中绽放的花朵”——享誉世界的土耳其湿拓画。据说，这种古老的绘画技法大概是在十四世纪经由中国的丝绸之路，由波斯带到安纳托利亚，流传到了土耳其。土耳其语中，大理石纹工艺（湿拓）即“ebru”。这个词由“ebr”转化而来，“ebre”意为“成脉络状的或者水印的”、“ebri”意为“像云的”或“多云的”，最后被同化成土耳其语中的“ebru”，阐释为“装饰者制作的上面有不同种设计图案的水纸”，也有“浮水染色技法”之意，所以人们称之为“湿拓画”。
美男子老了依旧让人心碎
▲年轻时的阿莫多瓦与演员法比奥·麦克纳马拉在夜总会
“那里有一堆八十年代杂志，有一本1981年的时尚杂志，上面有你女扮男装男装的照片”
”电影里描述了主人公与旧情人重逢时那浓浓的爱意，那种全凭眼神和肢体语言就能够传递的爱情火焰，在阿莫多瓦的世界里，这是爱情必须具备的深情与炽烈，这一次的《痛苦与荣耀》给人带来更多的惊喜，满目的红色色块，期盼着观众一探究竟，但也有接受可能会无人上钩的诚恳与坦然；接受采访时，他表示：好的电影是有气味的，是能打通我们的感官系统。
班德拉斯饰演的男主角显然是阿莫多瓦自己，一个每天都在面对着自己不断衰竭的年迈导演。这种衰竭，一方面来自于他的身体，另一方面来自于他的创作灵感，并将种面对衰竭时的焦虑与恐惧呈现在了我们面前。他机械式地诵读自己身患的一系列病症：失眠、慢性咽炎、耳炎、胃食管反流、消化道溃疡......长时间地独自陷在沙发里或是泡在泳池里，沉思、冥想、发呆，试图在对往事的回忆与随想里，去重新寻获那些逝去的激情，再度点燃创作的火花。
痛苦与荣耀紧紧缠绕在一起
在电影里，主人公用三段故事娓娓道来他与生命中最重要的三个人之间的关系。这三个人分别是他处女作的男主角、他年轻时的爱人、以及他的母亲，很显然，这三个人分别意味着艺术、爱情与家庭。阿莫多瓦带领我们一点点深入他真实而隐秘的内心世界。他对于电影的执着与懊悔，对于爱情的羞涩与渴望，对于母爱的需要与沉溺，随着他与这三个人物之间的牵连与对话，呈现在我们面前。
这是阿莫多瓦对过去拼命克制眼泪的回望。片中主角的名字Salvador，在西班牙语中正是拯救者的意思。他的骄傲和遗憾都无处遁形，他一生的痛苦与荣耀都紧紧缠绕在一起。对于内心的剥离，还体现在阿莫多瓦对于男主人公住处的设计样式，很多单品都是从他在米兰的公寓中取来，让主人公贴近他的生活。都知道阿莫多瓦是电影美学大师，对于设计美学他也一样游刃有余，用他高于常人的品位为我们带来一场视觉上的饕餮盛宴。
第
2
则
独家解析经典家具
走进男主角的公寓中
《痛苦与荣耀》中的男主角即是导演阿莫多瓦，男主的公寓更是以他自己米兰公寓里的许多时髦经典家具收藏为参照，“50%的家具是我的，”他说道。不得不感叹，很有眼光了！长期以来，他与Antxon Gomez合作电影场景设计，共同塑造诸多经典。
▲男主的原型即是阿莫多瓦
早年的缤纷波普艺术的影响，在这部片中却有所转变，“不想用太繁复的巴洛克美学设计电影，而是用非常少量的东西表达一件很大的事。”每一个点睛之物都选的恰到好处。衣着、空间等颜色依旧跳跃而和谐。
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点到即止的孟菲斯
Totems雕塑，来自Ettore Sottsass设计
有一些波普艺术和装饰艺术的影子，孟菲斯风格起源于1980年，设计师Ettore Sottsass与一群年轻设计师在家里的公寓聚会，当时播放着Bob Dylan这首歌：Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again。而后，这个反对极简风格、现代主义的团队诞生了，取而代之是对反叛的拥护，注重设计的装饰性，注重设计的个性化及人文思想，放弃了没有色彩、功能主义，不为取悦任何人。可见，阿莫多瓦也是孟菲斯风格的拥护者。
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满屋子的Fornasetti
蝴蝶柜，来自Piero Fornasetti设计
Trumeau柜，来自Piero Fornasetti设计
花瓶和香氛蜡烛，来自Fornasetti
说好看的家里几乎都有“这张脸”，男主的公寓里各处都是。Piero Fornasetti 将歌剧女高音演唱家Lina Cavalieri的头像进行怪诞、跳跃的多样创作，并将这项创作延续至今，闻名于世。Piero Fornasetti可谓意大利20世纪的创作奇才，身兼画家、雕塑家、室内设计师、收藏家、平面设计师等多重身份。如今，他的儿子亦继承了父亲的愿景和精神，不断推陈出新，为已经失落的印花图案注入全新生命力。
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Cassina经典永恒
Superleggera，来自Gio Ponti设计
Superleggera，又名“超轻椅”，一个指头就能举起的椅子，来自设计之父Gio Ponti的经典之作。该款椅子代表着意大利设计的现代性，意大利新工业时代的新设计。Ponti说道：“越简单的造型越有表达力。”至今依旧经典，电影中为红色特别版。
526 NUAGE，来自Charlotte Perriand设计
来自Charlotte Perriand于1952年设计的柜子系列，模块化可自由组合配色，结构化处理运用巧能生精。对设计师来说，每个模块结构并非一个单纯的块面，经过玩味地组合有让人欣喜的效果。这件作品高度表现了Perriand在家具设计上的先锋精神，其对建筑艺术性、居住性，生活的信仰。
637 UTRECHT ARMCHAIR，来自Gerrit Thomas Rietveld设计
设计于1935年，为带钢支架的扶手椅，用聚氨酯泡沫塑料和涤纶衬垫包裹，有多重面料可供选择，且缝合方式也有不同版本。这款椅子成为男主客厅的点睛物，还有两个不同颜色的版本。
637 UTRECHT SOFAS，来自Gerrit Thomas Rietveld设计
还有大合照坐在637 UTRECHT沙发版本上，可见这款设计是阿莫多瓦的真爱了。
插播下客厅墙上的艺术作品，剧中提到古根海姆博物馆想要借去办展的便是这幅（原来男主还是位艺术藏家）。作品来自艺术家Guillermo Pérez Villalta。
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Vitra设计藏家都爱
Uten.Silo I，来自Dorothee Becker设计
提到设计藏家都爱的品牌，怎么能不提Vitra，拥有诸多经典设计版权，图中男主身后位1969年Dorothee Becker设计，为房间带来秩序，有红白黑三色可选。
Sunburst Clock，来自George Nelson设计
George Nelson在1948到1960年构思了一些列日常用品，为了将现代设计带入家庭。
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经典日食灯Eclisee lamp，来自Vico Magistretti设计
由Vico Magistretti于1967年设计，转动灯体仿佛日食变化，这件作品的经典设计赢得Compasso D’Oro奖项。
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《梨子海报》，来自Enzo Mari创作
著名意大利现代主义者Enzo Mari设计的绿色梨为一种大胆的图形化诠释。
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Bleus d'Ailleurs茶具，来自爱马仕
异域之蓝瓷器系列，来自爱马仕2011年推出。
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西西里系列吐司炉和烧水壶，来自SMEG
SMEG联手Dolce & Gabbana发布第二个合作系列，名字Sicily is My Love，从西西里的传统文化得到灵感，金柠檬、柑橘、樱桃等精心绘制成色彩艳丽的图案，这系列不仅有厨房小家电，还有复古冰箱，仿佛艺术品。
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Verner Panton北欧设计“叛逆者”
Fun 1STM Mother of Pearl Floor Lamp，来自Verner Panton设计
Verner Panton身为丹麦设计大师，但它的设计几乎找不到传统北欧设计的影子，取而代之的是鲜艳的色彩、创新的材料、独特的造型。Fun系列，为了让耳朵听见光的声音，一款既可作光源，又是室内雕塑的灯饰。Verpan只选用贝壳中央部分打磨制作吊饰，每片直径的误差不得大于0.2mm。光线从珍珠母贝的吊饰透出，朦胧柔和带有珠光般的梦幻效果，有吊灯、落地灯和台灯可选。
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废弃木材重生
木桌椅，来自PIET HEIN EEK设计
以废木家具闻名的Piet Hein Eek被推举为永续生产的先驱，坚持手工制作的他，每件产品都有自己的故事，每块材料都有自己的身世。“材料无疑地在我的作品中扮演着极为重要的角色，我不喜欢把东西丢掉，我总觉得我可以从中做出新东西来。我喜欢东西变老变旧，覆盖上岁月酸蚀的痕迹。”Piet Hein Eek说。
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纽约MOMA馆藏
Pipistrello台灯，来自Gae Aulenti设计
在男主的客厅角落，藏着1965设计问世的设计Pipistrello台灯，至今超过五十年，拥有无数粉丝，“回到二十世纪”古董家具店内有售。
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包豪斯经典
Calacatta Marble餐桌，来自Eero Saarinen设计
来自Knoll的经典餐桌设计，自1958年的设计，天然的大理石是Eero Saarinen喜爱的材质，也是他现代主义风格的表达。
第
3
则
不懂设计的导演
不是好的色彩大师
佩德罗·阿莫多瓦的作品总是有着鲜明的个人风格和极高的辨识度，他更是一位色彩大师，倾向让画面以高饱和度呈现，用颜色宣泄浓郁的情感与欲望。他曾说：“色彩是最好的象征，无需累赘的语言”。不仅如此他自成一派的艺术、视觉和色彩，也成为诸多人的灵感缪思。
出身贫寒，8岁时被送到宗教寄宿学校学习，家人盼着阿莫多瓦能成牧师。可谁知学校位于卡塞雷斯，那里有家电影院。他发现，牧师传授的知识远不如电影教给他的多。
就这样播下了理想的种子，他不顾家人反对，在60年代来到马德里，边做着几份工作，边自学电影制作。
60年代，马德里学正是波普盛行的时代，这场色彩爆炸对他影响极大。重回巴洛克怀抱的他，还吸收了西班牙本土和地中海，加勒比，阿拉伯等各种风格和艺术形式的熏陶，造就了他集导演，色彩大师和美术指导于一身的多重身份。
▲ 电影海报《基卡》《捆着我，绑着我》／《情迷高跟鞋》《崩溃边缘的女人》
他的电影海报极具渲染力和设计感，可以看出受到了许多艺术大师的影响：安迪·沃霍，毕加索，达利，马蒂斯等等，都能在他的海报，电影镜头甚至选角中找出端倪。
▲ 电影海报《崩溃边缘的女人》／《斗牛士》可以看到超现实主义和立体主义的影子
他也曾宣称他选择的衣服和颜色常模仿艺术家，故意挑衅情绪。
▲ 阿莫多瓦生活中的色彩与电影中的色彩
西班牙文化本来就是很巴罗克式的，但因为复杂的社会构成和历史原因（反动独裁统治和民主运动浪潮），阿莫多瓦出生的拉曼查却是极度朴素压抑的地方。他的母亲一辈子只能穿黑衣服，导致他对色彩天生的渴望和对主流的反叛。
▲ 他电影里的女人们简直要把衣服穿出万花筒即视感
对红可谓极度狂热，除了表现在对女性的刻画上，还有一个隐藏的习惯：在当下镜头中叙述的重点都会带上一抹红，不管是人还是物都能一眼认出。而且构图和光影都处理的恰到好处，经常在电影里使用画中画戏中戏的设计，让画面的戏剧冲突更为强烈，真是被导演耽误了的设计师啊。
▲《关于我的母亲》的这个镜头是阿莫多瓦的红色经典神构图，对比，对称，呼应，暗喻，都被巧妙的融入画面。
他的独一无二的视觉语言影响着诸多设计师，其中一位El Equipo Creativo。由El Equipo Creativo设计的位于西班牙马德里的Axel Hotel，就从阿莫多瓦的电影中寻找了很多灵感。
酒店位于马德里文学街区的中心，如今也是这个城市最国际化环境的中心。在西班牙的“黄金世纪”时期，这一地区也是一个重要的文化中心。
马德里一些最传统、最受欢迎的特色，以及一些最著名的视觉元素，如斗牛、“曼蒂拉”或吉普赛美学，在酒店设计选择中发挥了重要作用。
阿莫多瓦在影片中精心设计搭配着那些鲜艳、夸张的色彩，并赋予它们不同意义的象征。Axel Hotel的色彩配色和阿莫多瓦特有的电影色彩美学有异曲同工之妙。当然了，这必定是一间“香艳”的同志酒店。
在阿莫多瓦镜头下的女人如顽强从泥土里生长出来的花，但是恰好是这样冒着烟火气的美，才是真实的人生不是吗？纷繁尘世里活着也如一场盛大的行为艺术。
不管怎样，他的艺术语言都突破了屏障。
而年华老去，拯救他的依然是电影。
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✍
策划→Tyra
编辑→Tyra、花比傲
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