上硬菜！海外主流摄影媒体话题汇编
点击上方蓝字一键轻松关注
《中国摄影》“海外媒体速览”1-9月精选
主持：门晓燕
《光圈》
（Aperture）
美国摄影杂志
2017年春季刊
“美国命运”成为了《光圈》杂志2017年春季刊的主题。美国进入一个矛盾重重的新政府时代后，对其经济前景的探讨依然在继续。那么，摄影师在这种情况下是如何行走于新国家秩序之下的呢？本期《光圈》为读者呈现的作品是摄影、劳动者和社区群体对于这种社会现状的急切反应, 描绘了在一些经济发展受阻的地区，阶级、性别、教育、人口变化、种族和工资等因素的相互作用在社会生活层面的体现，影像具体涉及的话题和内容包括持续进行的人权运动，加利福尼亚99号公路的社区生活，20世纪70年代的美国工人形象等。从农业从业人员到工厂里辛劳地清洁地板的工人，从后工业时代萧条的城市到不断涌入难民人口的中心地区，摄影师的作品表现出了经济萧条如何影响到人们的生活。
2017年夏季刊
本期《光圈》杂志的主题为“非洲舞台”。在这个炎热的夏季，《光圈》杂志邀请了一些客座编辑共同合作，编辑完成了关于非洲摄影状况深入介绍和探讨的文章。这本专刊向读者推荐了新一代的非洲摄影艺术家，通过对以萨比罗·姆朗格尼（Sabelo Mlangeni) 为代表的10位非洲摄影师的作品介绍以及对其作品的理论评述，将过去25年以来生机勃勃的非洲摄影的“舞台空间”进行了梳理。梳理所针对的“舞台”包括非洲举办的双年展和摄影节（如马里的巴马科双年展、埃塞俄比亚的亚的斯亚贝巴摄影节等）、实验艺术空间以及摄影教育工作坊。
《英国摄影杂志》
（British Journal of Photography)
2017年2月刊
无论是通常意义上的“家”，还是经过人工改造的所谓的“景观”，都被囊括进了英国最大的摄影节“格式”（Format) 所举办主题为“居所”的摄影展中。该展览探索了居所或者栖息地的概念。“格式”摄影展的总监路易·克莱蒙(Louise Clements) 认为，展览希望让观者感受这个星球上人类生存的复杂性。于此，展览作品涉及了气候、迁徙、技术等话题，而现实中，所有这些话题的具体内容都在人的活动中快速地变化着，其相互影响所产生的各种效应更是不容忽视。在这一背景下，艺术家的责任感促使他们以自己的方式对这些变化及其影响作出回应。“展览不仅仅是为了祝贺艺术家们取得的成绩，同时我们也希望可以产生一定的效果”，克莱蒙说。
2017年3月刊
本期《英国摄影杂志》探讨了摄影的本体问题，展示了针对这个问题进行探索的艺术家的作品。
杂志将日本摄影师横田大辅（Daisuke Yokota）轻盈精美的摄影艺术装置和法国艺术家托马斯·梅拉昂戴（Thomas Mailaender）关于挑衅性的诙谐纹身、陶瓷和奔跑的鸡的摄影作品进行了对比。虽然从表面上看，这两位艺术家的作品几乎没有相似之处，但它们实际上都在探索摄影脆弱的物质性，以及摄影术将世间事物神圣化或者世俗化的神奇的工艺流程是如何得以成立的。
2017年5月刊
夏洛特·杨森（Charlotte Jansen）认为，女性具有与男性不同的看待事物的视点。 “摄影是权利的表达。拍摄本身通常被看作是男性主宰观点的表达，是一种猎捕行动。”本期基于杨森的看法，将主题确立为“女性凝视”（Female Gaze）。杂志刊登的女性摄影师的作品，从种族歧视、青少年犯罪以及堕胎等方面探讨女性视点的特质。
杨森指出，社交媒体的出现以及镜头背后的越渐庞大的女性数量，正在改变男性在摄影领域的主宰地位，也影响着我们看待事物的角度和方式。在各种不同的争议中，杨森坚信女性的观看与男性不同，无论是从对色彩的理解，还是影像的细微之处来看，都存在着差异。
本期杂志从她的观点出发，采访了三位女性摄影师。安迪亚·比尔（Endia Beal）围绕什么是“职业”的问题，谈论黑人女性融入摄影行业存在的问题。拍摄青少年犯罪问题的波兰摄影师祖扎·克拉耶夫斯卡（Zuza Krajewska）认为，男孩子在女性摄影师面前更容易打开心扉。莱雅·阿伯丽尔（Laia Abril）关注的则是极具争议的堕胎问题，她的目的是将憎恶女性的历史视觉化，以期世人能够记住并客观地了解历史。
《摄影》
（PHOTOGRAPHY）
美国摄影杂志
2017年2月刊
《摄影》采访了美国出生的年轻摄影师布鲁克·夏登（Brooke Shaden）。夏登从创作自拍肖像开始，逐渐地发展成为以自拍为主要手段的艺术摄影师。她感兴趣的主题是黑暗、美丽、消亡和重生。对她来说，自拍肖像本质上并不具有自传性。相反地，她将自己置身于自己希望探究的环境中进行拍摄，在这些环境中尝试揭开秘密，体验种种不可能性，并且向超越我们生存时代的生命发问。
夏登在她的摄影画框中捕捉充满神奇的现实。她运用了画意般的技术手段和正方形构图，以非现实的元素取代传统的摄影属性。
《燃烧》
(Burn)
美国在线摄影杂志
2017年1月刊
出生于1988年的费德里戈·维斯皮格纳利（Federico Vespignani）是一位自由摄影师，他的作品曾经在《纽约时报》等国际著名媒体上刊登。本期发表在《燃烧》杂志上的系列作品题目为《蓝色回音》，呈现了渔民和大自然之间的关系。
位于加利福尼亚海湾的科尔特斯海被人称为是“世界海洋馆”，有900多种海洋鱼类和超过30种的鲸鱼种类生存于此。然而，同样为了生存，每一个夜晚，这里的渔民都会走向危机四伏的幽暗水面。年复一年的过度捕捞严重地影响了这里脆弱的生态环境。近十几年，之前在近海捕猎鲨鱼的渔民们不得不转移到更远的地方去寻找猎物——他们每天要远航到40英里之外的海岸去面对更大的鲨鱼并战胜它们。借此，《蓝色回音》系列给出了“海洋对于靠它为生的人们究竟意味着什么” 这一问题的答案：它既养育着人们，同时也会夺走人的生命。
2017年4月刊
印度实在是一个令人眼花缭乱的过渡，这里充溢着斑斓的建筑和风趣的人们。面对什么都可以轻易拍摄的情形，如何拍摄出与众不同的作品呢？本期刊登了摄影师杰森·文森（Jason Vinson）拍摄的一组系列作品，希望带领观众带感受一个别致的印度。
杰森·文森是北美地区100位顶尖婚纱摄影师之一，他十分擅长利用光线和瞬间感进行创作。在印度最古老的胡里节期间，文森前往那里进行拍摄。这时候，整个国家都是是彩色粉末和染料水。人们涌上街头，庆祝正义战胜邪恶，迎接新春的到来。文森并没有设定拍摄脚本，他只希望拍摄一些既可以成系列，又可以作为单幅独立存在的照片。为了实现这一点，文森将光线看作是至关重要的元素：如果拍摄对象身上没有引人注目的光线，他就不会按快门。拍摄的时候，文森只使用一台相机和一个镜头，这样便可以把注意力集中在自己所处空间中的瞬间感受上。
出生于美国肯塔基的摄影师克莱瑞·艾斯提斯（Clary Estes）擅长拍摄长期项目。其《幸存者》（Those Who Remain）系列作品讲述的是一群被流放者的故事。上个世纪40 年代，斯大林政权将一些政治异己者及其家人从他们位于东欧一个角落的故乡，如今的摩尔多 瓦共和国驱逐出境。他们中的许多人从未与政治沾边，但仍然被流放到遥远的哈萨克斯 坦和西伯利亚地区。许多人在流放途中死去，一些人虽然幸存下来，却经历了漫长的等 待才得以解放。即使他们历经艰辛回到原来的家，却要么过着破碎的生活，要么也是被 禁止发声。今天，在大多数人都死去之后，存活至今的幸存者及其后代终于可以自由公 开地讲述他们的痛苦经历。他们是重要历史事件的亲身经历者，但他们的故事鲜有人知。 那些活着的流放者他们透过镜头向世人展示自己的面孔，让世人聆听他们的声音。
2017年7月刊
拉美国家萨尔瓦多国内有一种根植于神秘主义的说法，一个孩子出生时若有缺陷， 家人和医生就会说这孩子是“被月亮咬伤”的（mordido por la luna），以此来解释那些看上去异常的生理表征。萨尔瓦多有相当多的人的出生缺陷和其它严重的生理疾病得不到及时医治，有的甚至永远无法接受到他们所需要的手术治疗。有时候，这些医疗障碍并不能全部归因于收入和社会经济地位，通常，有的外科医生会拒绝进行治疗，因为他们自己就缺乏专业的技能、设备或足够的团队来承担更复杂的医治程序。摄影师安妮卡·帕特森 （Anneke Paterson）拍摄的图片反映了萨尔瓦多的居民在医疗匮乏环境中的挣扎，以及 人们在为获得必要的医疗条件的努力中逐渐建立起的适应能力。帕特森说：“我选择关注萨尔瓦多人民和他们的故事，是希望展示这个问题——在没有帮助的情况下，他们的生活是怎样的？”
《纸杂志》
（Paper Journal）
英国在线摄影杂志
2017年5月刊
来自奥克兰的艺术家洛恩达·赫伯顿（Rhonda Holberton）创作的《静物》（Still Life）系列作品意图引起人们的思考：我们眼前看到的图像世界究竟与外面的真实世界有 多大程度的相似？赫伯顿融合了数字交互技术和传统艺术手法创作出多媒体装置艺术。当人们观看影像作品里的物件时，很难相信那些东西和空间不是真实的。然而，无论是物体本身，还是天衣无缝的光线，或是看上去冰冷雪白的大理石地面，都是数字技术制造的效果。《静物》系列作品把真实和虚拟世界紧密地交织在一起，想要把二者分开确实很困难。
2017年7月刊
本期特别献给那些经历着毕业季狂欢的学生们。在这个毕业展览季，许多艺术院校和艺术专业的毕业生们都在展出自己投入精力创作的作品。伦敦的在线摄影杂志《纸杂志》（Paper Journal，2017年7月刊）专门走访了耶鲁大学的摄影专业硕士毕业生，看看他们在经过了耶鲁的学习后是如何理解摄影的。
如果下了一片海洋 丹娜·辛格
在刚刚进入耶鲁学习的第一年，丹娜·辛格（Danna Singer）有着自己对于艺术摄影的坚定看法，那就是扎根于形式主义，遵循传统，并且注重技法。当然，在即将走出耶鲁的时候，她依然注重这些方面，但是，对于其它的观点她已经渐渐地能够坦然面对了。她开始创作一些在她以前看来不精致的影像。经过两年的学习，黛安娜感到自己的影像创作模式既有形式感也很开放。她的毕业作品拍摄的是她的朋友以及她在新泽西的家人，作品关注了工人阶级的困苦，恶性循环的贫穷，以及他们所承受的生理摧残和精神痛苦。
耶鲁每日新闻，2015-2016 马修·勒夫海特
对于马修‧勒夫海特（Matthew Leifheit）来说，在耶鲁学习的最大好处就是，这里的人们都是真正地喜欢摄影，同时也喜欢摄影史。这是一个传统气息很浓厚的学校。在这里，师生们不是作为艺术家在“使用”摄影，而是作为真正的摄影师在做摄影。这里有大量的批评家和老师，他们在摄影的根本问题方面持有不同的观点。
马修在创作时关注的是照片中的神秘感，他希望照片慢慢地揭示自身，而不是一眼就可以看出所以然。相对于单幅照片而言，马修对于系列创作更加感兴趣。2015年至2017年在校学习期间，马修拍摄了他的同学以及学校的各种活动。他的照片不是直截了当地告诉观众发生了什么事情，而是希望带给观众一种文献式的真实感，不同的人群可以有不同的看法，就如同一系列的事实会引发不同的反应一样。
法拉·阿卡西米的摄影作品
法拉·阿卡西米（Farah AI-Qasimi）的关注点在于摄影的物质性。这位摄影师认为，照片中的事物不是依赖于照相机照出的影像而存在，他们自有自己的存在方式。法拉不关心照片是否“好”或者“成功”，而是探索从多向度运动着的碎片中建立出一个整体，借此来梳理清楚为什么人们需要信任照片。美国和阿联酋都是法拉的祖国，阿卡西米观察了作为外交官的父亲的事业，观看他如何与他人握手， 观察他们晚宴上的食谱，还有家具等等。外交、战争和贸易连接着这两个国家，法拉把两国之间日常的交流和协议用物质化形态呈现出来，来表现存在其中的力量。
沃克·奥乐森的摄影作品
在接受《纸杂志》记者采访的时候，沃克·奥乐森（Walker Olesen）说，摄影是一个最为快速的媒体，人们可以在1/4000秒的时间里完成一张照片的拍摄，而油画技术却在几个世纪中稳固不变。摄影的根基在我们的脚下不断地改变，它即快速又流动。摄影同时也是最简单易学的媒体，你只需要按动快门就行，你还可以让其他人帮你按动快门。沃克的系列作品致力于对光线和液体墨色的探究，并将它们凝固在照片的瞬间里。他的许多作品中都有橘黄色元素，例如，以橘黄色的墨水描绘出了一个冰天雪地的海边日落的时刻。其照片也强调了不同程度的洋红墨色的特质，以及洋红色在绿色中的消失过程。
潮湿的奇趣冒险，2017 哈里·格里芬
对于如何看待摄影这个问题，哈里·格里芬（Harry Griffin）的观点是，摄影可以是许多种东西：它既可以是在纹纸上点阵打印出来的东西，也可以是在铝板上的UV打印出来的东西；纸板上裁剪下来的可以是一幅照片，JPEG也可以是照片。哈里说：“我的一半的作品都是录像，我把它们看作是我摄影实践的扩展。在耶鲁学习的时间里，我转变了对于摄影的看法，我更加关注的是照片的含义是什么，它们代表了什么，什么时候可以介入。我一直在探索如何通过这个以镜头为基础的图像媒体来表达我的观点。”哈里的毕业作品包括了摄影装置、雕塑和录像。这个作品是关于他自己奶奶的家。她的家在一场火灾后不复存在，而哈里利用过去拍摄的素材在展览场地重新建造了一个小型的奶奶的家。
《镜头文化》
（LensCulture）
法国在线摄影杂志
2017年5月刊
2017年“镜头文化肖像奖”已经揭晓。由8位评委组成的国际评委团从上千份投稿中挑选出了44份作品，这些手法迥异的影像代表着21世纪肖像摄影的潜在风格，其中许多作品都脱离了人们在主流媒体和社交媒体上常见的路数。
获得系列作品奖第一名的是来自墨西哥的摄影师克里斯蒂娜·德·米德尔（Cristina De Middel）。这位获得过不少奖项的国际著名摄影师此次的获奖作品为《绅士俱乐部》 （Gentlemen's Club）。这组肖像作品中的人物都是妓院嫖客。2015 年6 月，米德尔在 里约热内卢的一家报纸上刊登了一则广告，有偿征招愿意作为她拍摄模特的嫖客。许多 人都报名参加。在拍摄过程中，米德尔询问每个人的生活经历、个人历史和召妓动机。 在米德尔看来，嫖客是色情产业的一个主要组成部分，了解他们对于了解该产业很有必要。 在拍摄同时，摄影师翻转了嫖客的角色，他们从花钱召妓转变为出售自己。
2017年7月刊
本期主题为街头摄影。鲍·布斯卡托（Pau Buscató）拍摄了一组题为《跳-房-子》（Ho-p-s-c-o-t-c-h）的作品。跳房子是一种普通的街头游戏，孩子们在地上画出一系列的矩形，然后在它们之间跳跃。他们随机扔出一个小物体到框子里，那一小块平凡的路面就会变成他们眼里的其他事物：地球、天堂等等。同样，对于这位摄影师来说，街头摄影如同这一游戏一样：每天在街道上选择和构造其景观的一小部分，这样这些被截取的片段也可以变成别的东西。它是一种观察、想象和把握机会的游戏。布斯卡托对街头摄影的态度是非常直观的，他总是喜欢让自己的作品自由地成长：“我不按照项目或系列拍摄，所以这组照片应该被看作是一个个冻结的瞬间，一张张快照，这是一个不断变化的作品，而且这个变化过程会一直持续下去”。
《黑之恋》
(Adore Noir)
加拿大摄影杂志
第35期
本期封面是爱梅尔·卡拉科扎克（Emel Karakozak）拍摄的人体摄影系列《含苞欲放》中的一幅，影像中的人体如万花筒般地排列着。卡拉科扎克认为：“人体是人类存在的指示标”，而其作品也从姿态、肌体和艺术表现等角度强调了人体之美。
本期还刊登了唐·怀特布莱德(Don Whitebread) 的系列作品《星光》，这些影像为我们展示了一个全新的夜空景象。尽管我们知道星空从来都在那里，但人们不会总是盯着它们看。怀特布莱德的作品展现给我们的星空超越了我们的惯常经验：成千上万的星星发出光亮，地球则壮观地位于它们中心。
另外一位摄影师威廉·劳伦斯（William Lawrence）创作了跨越历史长河的系列作品《银盐之梦：人体时代》。摄影师运用1860年代的工艺和1920年代的摄影风格来拍摄21世纪的女性。作品中的职业模特塑造出了一种怀旧与摩登相融合的视觉效果。
《摄影界新闻》
（PDN）
美国摄影杂志
2017年4月刊
本期主打影像是摄影师尤斯特·弗兰科（Jošt Franko）的摄影故事《廉价棉质服装背后的血汗》（The Human Cost of Cheap Cotton Clothes）。来自斯洛文尼亚的23岁年轻摄影师弗兰科以全球廉价服装零售企业的服装生产与销售作为线索，通过镜头记录了其服装供应链条的状况。2013年，孟加拉国的一个服装工厂厂房倒塌，造成了1000多名工人失去生命，令世界的目光转向了对服装工人劳动环境的关注。弗兰科一直关注那些不被人看到也不被报道的故事，他认为，摄影师寻找拍摄对象和作为普通人去关注他人事实上是交织在一起的。从非洲博金纳的田野上，儿童种植、采摘棉花，到达卡的纺织厂里的工人在恶劣条件下进行廉价劳动，弗兰科都进行了系统拍摄，借助照片呈现出人们购买的服装背后，全球范围内工人的血汗付出。普利策中心高级编辑汤姆·亨德利（Tom Hundley）认为，弗兰科的作品采用了最为直接、全面、明确的手法去讲述故事，并以此影响观看的人们。
《镜头架》
(Lenscratch)
美国在线摄影杂志
2017年1月刊
黛安娜·福克斯(Diane Fox) 的系列作品《非自然历史》反思了人类文化中一种奇怪的执迷现象，那就是在一个安全且气候可控的环境里人为制造舒适的大自然。比如，如果你无法前往非洲大草原，你可以在某一个自然历史博物馆里观看当地动物的标本，它们被摆放在看上去很逼真的人造大自然景观之中，并且置于厚厚的玻璃屏蔽之后。
福克斯走访了美国和欧洲的博物馆进行拍摄，影像看上去具有一种奇怪的震撼性和荒诞感，摄影师把人类“再现”自然的方式清晰地展现出来，这些照片带给我们的是一个非常不自然的历史。大自然虽然来到了我们面前，却是透过动物园的玻璃窗、自然历史博物馆或者是电视屏幕才得以实现。与此相似，为我们展示世界的照片，也是间接地、是通过照相机的镜头才得以形成的。
《部分》
（Fraction）
美国在线摄影杂志
2017年2月刊
本期介绍了摄影师尼克·卡莲纽缇丝（Niko J Kallianiotis）的系列作品《恍惚的美国》（America in a Trance）。摄影师如此这般地介绍自己的作品：“我穿梭于宾夕法尼亚州的城市和乡镇之间，这里曾经是繁荣且充满生机的地方。我用摄影反映这个曾经被美国的工业翅膀保护过的小镇的价值观。这里曾是宣传美国价值观的范本，它所秉持的工业主义信仰承诺着要为那些来自‘破碎’的欧洲各国的移民提供更好的未来。”
如今，同样作为移民的摄影师本人伤心地观察着宾夕法尼亚的变化。那些曾经在自给自足的同时，为美国工业帝国贡献力量的城镇如今却已锈迹斑斑，无人问津。摄影师意图探索那些不知名的地方，重新寻找熟悉的痕迹。这一系列作品观察了“美国梦”逝去的具体面貌，尽管作品展现的只是美国东北部宾夕法尼亚的景观，某种程度上却能反映在全美国逐渐蔓延的衰败状况。
《ZEKE》
全球纪实摄影杂志
2017年春季刊
影像不能阻止战争，但是摄影依然拒绝仅仅作为插图而存在，摄影的特质是行动， 如何拍摄照片取决于如何行动。本期刊登了一篇题为《拍摄，行动》（Taking Pictures, Taking Action）的文章，作者安娜·阿卡吉-基斯里茨卡（Anna Akage-Kyslytska）走访学者、活动家和摄影师，询问他们对于影像如何能够改变世界的看法。摄影批评家维基·戈德堡（Vicki Goldberg）认为，只有政治或者社会能够做出反应时，照片才有可能起到改变世界的作用。《社会纪实摄影》（Social Documentary Network）网络杂志主任艾米·岩金（Amy Yenkin）的观点是，作为摄影师，如果你不满足于仅仅拍摄每日新闻图片，那么你就需要设身处地，形成自己对历史和形势的深刻理解，在此基础上与被拍摄对象接触。学者蜜雪儿·博之（Michelle Bogre）对于大量观看者转变为民间新闻摄影师这一现象持有怀疑态度，认为：“作为一名观看者，我信任的是摄影师，而不是影像”。这位学者认为民间新闻摄影存在着危险，新媒体将社会责任转移到了观者身上。除非观者自己进行社会调查，否则不应该理所当然地认为所看到的影像具有任何准确性。
尽管新媒体文化是建立在粉丝的数量、虚假的归属感和行动之上的，但仅仅靠去讨好观者仍然不会有好的结果。人们对于那些自己无能为力或者无法消化的信息会渐渐变得迟钝或者始终难以感同身受。
《泡沫》
（Foam）
荷兰摄影杂志
总第47期
人所皆知，“宣传”是一种政治性的操纵方式，其手法是仔细选择哪些信息该说哪些信息不该说。很少会出现操纵领域模糊的情况，操纵者也通常容易辨认。即使在最高政治层面，对于那些看上去毋庸置疑的事实，现在似乎也是人们通过选择“另外一种事实”来无情地回避。
我们处于一个需要警惕的“后真实”（Post-Truth）政治兴起的时代，最为重要的是仔细观察信息的本质和出处，尤其是那些视觉材料。本期探讨这个问题的作品大都出自当代艺术家之手，这些艺术家对于宣传主义的媒体策略和其中使用的视觉影像都持有共同的批评态度。
艺术具有揭示权力的特质，并且可以揭露权力的真实面目。当下，这一特点比以往任何时候都显得重要。
《噪音》
（Noice.）
美国在线摄影杂志
2017年5月刊
“放下你的手机，傻瓜，灯已经变绿了！”交通灯下，一定可以看到人类这个物种是何等的疯狂。才等待了几秒钟，我们就开始不安地扭动身体，干点什么呢？大家总是在身后的车鸣声中醒过神来。我们难道真的如此害怕与真实的自我独处哪怕一分钟吗？我们一定要跟社交媒体同步吗？
美国摄影师艾瑞克·皮克斯基尔（Eric Pickersgill）的系列作品《被移开的社交》 （Removed.Social）讨论了与我们形影相随的手机和其它设备对人们的影响。照片中，这些设备都被移开了，借此刻画出的恐怖的、僵尸般的景象，从而批评了这些看似连接彼此的设备事实上切断了人类最基本的互动。无疑，这些技术进步使我们受益。从另外一个方面看，自从发明了它们，我们似乎才发现了两个拇指的真正用途。然而，今天的儿童们坐在饭桌前，手拿平板设备，永远都不知道曾经作为孩子的快乐是什么样的。让我们尝试着做一下改变，把手机留在口袋里吧。
《千字言》
（1000 Words）
美国在线摄影杂志
2017年7月刊
一个人如何以摄影的方式理解另一个人生活的经历，以及由这些经历所构成的生活？ 马修·芬恩(Matthew Finn) 拍摄的照片是对他母亲生活的描述。生活在缓慢地转变，缓慢地远离习以为常的形态：每天由相似的事组成，生活中与人、与事物的关系等等。这些构成了人之一生所经历的世界。芬恩拍摄了他母亲的系列肖像。然而，这些照片并不是通常意义上的肖像，而是一种对生活的描述，是对人类生活环境的一种深刻的人文反思。首先，芬恩的《母亲》系列照片希望促使人们思考：从自己的角度出发，我们在照片中究竟能看到什么。同时，他也试图借此简单地探索一下如何描述我们的好奇心，即我们的欲望。我们可以通过探索照片潜在的与人“沟通”的特质，去发掘和理解人们的好奇心。
更多精彩请持续关注更新
近期精彩文章
做 有 品 格 的 摄 影 杂 志微信号：cphoto1957长按二维码关注▼