#行业观察
疫情下的
全新秀场空间语言
在科技，多媒体混合交织，被多元化运用的今天，时尚大秀走大场景、大制作路线似乎正在被更具创新意识的“意识流”路线所取代。
在科技日新月异的当下，100多年前就已经形成的时装周大秀模式奇迹般地被保留至今，原本就令许多业内人士创新改革的呼声甚嚣尘上。突如其来的疫情，可谓是为这个古老的行业强行注入一支变革的强心针，促使行业在短短一年内发生了巨变。最大的改变，莫过于从线下搬至线上的“云上时装周”，也越来越被玩出花样。
不久前落幕的巴黎高级订制服装秀受到疫情的影响，几乎所有的时装秀皆采用audience-free的形式举行，其中声势最浩大的莫过于艺术总监金·琼斯（Kim Jones）入主Fendi后的高订初登场。这不仅是品牌第一次举办春季高级时装秀，也是Kim Jones有史以来的第一个女装系列。
在巴黎Palais Brongniart宫，Fendi S/S21 Couture 大秀一开场，黑暗中隐隐出现由玻璃打造的偌大迷宫。灯光亮起后，摄影镜头带领屏幕前的观众逐渐收获谜底——迷宫原来是由无数品牌标志性的双F字母组合所组成，纵横交错，互相接力。
多亏了直播的广角和远景镜头，让不在现场的观众们反而看得更加清晰。如若不然，还真会应了中国人的那句老话：不识庐山真面目,只缘身在此山中。如此说来，云上看秀也并非完全没有优点。
Fendi品牌声称此设计来源于多元化的灵感集合：从Bernini大理石的视觉语言，到弗吉尼亚·伍尔夫的《时间旅行》，再到模糊了性别的小说《奥兰多》……它展示了一段独特的旅程：从英国的布卢姆斯伯里文化圈(Bloomsbury)到罗马的鲍格兹画廊(Galleria Borghese)。
除了模特儿身上的服装，秀场同时展示着许多经典元素：品牌总部的建筑拱门、罗马式庭院，书架上堆满了大部头书籍，空间里还散落着花丛，杂草和树苗。
T台上方和箱子顶部的霓虹灯照亮了走秀的模特，同时用一系列空灵的反射光，配上不断重复的影像，让整个空间变得神秘而性感。模特儿行走其中，既迷离又梦幻。
时装秀接近尾声时，一些模特被隔离在一个个不同的玻璃匣子里，仿佛精致的玩偶，又仿佛是隐喻着大疾病流行的时代，人与人之间的彼此疏离，渴望与无奈。
打造出如此梦幻秀场空间的，正是被许多大师设计师钦点合作，成为LVMH集团少数长期合作的秀场设计师，素有「时尚界费里尼」之称的Alexandre de Betak，因其“如同电影场景般充满梦境与狂想的创作风格”而闻名。 他所创立的奢饰品及时尚活动策划公司Bureau Betak曾经策划总数超过千场以上的时装秀、派对活动与展览。
重复且连贯的镜面、金属混搭自然元素在Alexandre de Betak作品最为常见，几乎成为标志性的运用。他所操刀的Dior2018春季系列镜面展，受到Niki de Saint Phalle的著名作品《塔罗花园》的启发，将八万多块镜子装饰在一间窑洞式的混凝土空间中，魔幻又瑰丽。
而运用灯光来营造气氛，与利用「视觉对比」来丰富空间的层次与想像，正是他最为独到之处。
而在另一场Saint Laurent2020秋冬系列时装秀上，模特们走在排列着100多个强大聚光灯的天桥上，犹如花瓣造型的追光一片片紧跟模特脚步，在一片漆黑的秀场中格外亮眼。黑与白，动与追随，形成了有趣的反差，令人难忘。
Alexandre de Betak还擅长利用大面积反光的银色色块，营造亮眼的“舞会”效果。这样的例子包括设计师品牌 Mary Katrantzou 2016秋冬秀场以及时装品牌ISABEL MARANT2019春夏时装秀。
此次在Fendi S/S21 Couture大秀中 ，Alexandre de Betak带领旗下公司Bureau Betak再一次利用玻璃，植物和灯光这些日常生活中司空见惯的普通元素，摇身一变转化为一种柔和而梦幻的设置，成功地给玻璃迷宫注入了一种不可思议的奇幻感。同时，也用这种全新的尝试，探索了如何在安全的范围内创造引人入胜的视觉体验。
Alexandre de Betak兼具现代与强烈艺术性，如同电影场景般充满梦境与狂想的创作风格也代表了如今时尚圈中对于空间设计的全新趋势。在科技，多媒体混合交织，被多元化运用的今天，时尚大秀走大场景、大制作路线似乎正在被更具创新意识的“意识流”路线所取代。
如果说2020BURBERRY春夏时装秀上那被称之为“完成了维多利亚时代与摩登现代的相互连接”的巧夺天工的空间设计只是担任整个空间的点缀，那么Prada 2021秋冬女装系列秀场就是深谙线上数字时装周的精髓，利用镜头语言与设计语言的巧妙结合，为屏幕前的观众上演了一幕亦梦亦幻的视觉大戏。
两位创意总监Raf Simons和Miuccia Prada共同操刀了这场大秀。为了呼应2021秋冬女装系列灵感：理念的更迭与变化所展现的无限可能，不同主题与意图互相融合所映现的人类本质，在秀场空间的设计上也特地通过材质的运用表达矛盾对立。
在人造毛皮和大理石空间构成的数个嵌套式的房间中，身穿华服的模特置身其中，翩然穿梭其中。随着镜头由墙面至地面，从皮草墙壁至光滑平面的切换，屏幕前的观众会发现秀场布置似乎与 2021 秋冬男装系列极为相似。
Prada 2021秋冬女装系列
男装系列秀场房间中的红色皮草换成了女装系列秀场房间中的粉色皮草，纯黑的地面变成成了黑色白条纹的大理石质地；第四个房间的粉色则被替换成了蓝色，地面依然是白色的皮草——而这些都与模特身上所穿着的服装色彩相互呼应或者形成对比。
Simons在大秀之后的对话中解释了上述空间与时装之间的重要联系。他说，“我和Miuccia，Rem以及整个团队深入探讨了如何传递现场感。实际的秀场空间在心理上和身体上与服装系列之间有着很强的联系。”
用传统性别化织物重塑语境，通过不同材质面料的组合唤起张力。Rem Koolhaas与AMO设计的人造毛皮和大理石空间与Richie Hawtin aka Plastikman创作的音乐在塑造空间与时装之间重要联系方面发挥了重要作用。
负责秀场音乐的音乐人Richie Hawtin认为，空间和建筑对创作音乐有着极为重要的影响力。在没有现场观众的情况下，音乐作为辅助视觉的呈现，需要在整个过程中成功调动气氛，并一直保持热烈的状态。某种三维结构或物体可以帮助他思考正在做的音乐中如何架构出空间，声音在这个图谱中应放在哪里。
这或许解释了，为什么如今在时尚奢侈品的大秀现场，不同学科领域之间并未有着泾渭分明的界限，反而触发了更广阔领域的灵感。
Prada 2021秋冬男、女装系列数字时装秀秀场所用的材料均在秀后被回收利用，升级改造，在全球范围内用于特殊产品装置和限时店。就此，完成了一个时尚，建筑，设计和可持续发展之间的完美闭环。文/Moca
图/新闻源供图
编辑/Daisy
校对/Miki
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