《画刊 》 ∣ 本质上我是一个画家：高云访谈
本质上我是一个画家：高云访谈
I am Essentially a Painter: Interview with Gao Yun
姜姝（Jiang Shu） 高云（Gao Yun）
《魂系马嵬》，高云、何家英合作，工笔、白描，195cm×165cm，1989年
姜姝：即将在南京德基美术馆举办的“云自在——高云作品展”，展出了你1979年至今各个门类、各种风格的作品，为什么选择在今年来做这样一个带有回顾性质的个展？
高云：我虽然18岁就出道画画了，也取得了一些成绩，但后来随着工作的变动，画画时间变少了。因此这个展览的目的很简单，就是告诉大家，即便我的职业有这个变化、那个变化，但自始至今，本质上的我只是一个画家。
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《月照夜江深》，高云，2016年
姜姝：这次展出的作品门类和题材都很广泛，在具体的展陈上你将如何设计、布置？
高云：这次展陈是德基美术馆策展团队的智慧，他们都是90后，大都有留学背景，研究性办展是他们的擅长，因此他们把展览分为六个部分：连环画作品、邮票作品，以及国画的女性题材、高士题材、都市题材和山水题材作品。涵盖了我从1979年到2019年期间的创作。时间跨度大，题材跨度也大，同时，又包含了写意和工笔，人物和山水，比较丰富。
以前做画展，通常是给画家们看的，大家互相交流和切磋，较少顾及普通观众的感受。这次不同，这次的策展团队是带着如何吸引大众来看展这个课题去做的。比如他们在展厅设置了几处打卡点，并且使用了一些具有装置色彩的展示方式，甚至还做了一间我画连环画时的工作室，还附加了很多研究性文献资料，当然这不是复原的，只是营造一个氛围。总体而言，这次办展的手段是现代的，但内核又是传统和学术的，会比较有看头吧。
《罗伦赶考》，高云，连环画，1983年
《长生殿》，高云，连环画，1985年
姜姝：这次展览据说将展出你早期比较有影响力的连环画《罗伦赶考》（1983年）和中国画《魂系马嵬》（1989年，与何家英合作），现在回头看这两件作品，感受跟当时创作时有什么不同？
高云：每一件作品只要你用心去画，遵循本心，就能留下那个时候的烙印。现在回头看这两件作品，它们不仅折射出那个时代的特征，同时也显现出自己当时的心境和努力。画《罗伦赶考》的时候，画展很少，出版个人画册几乎不可能。而连环画是唯一可以展示画家才情的平台，于是各画种的画家都往这个平台上挤，真是千军万马过独木桥。如今年过五十的，尤其是画人物画的画家们几乎都画过连环画。连环画是一代人的启蒙，也是培养画家的摇篮。《罗伦赶考》是《连环画报》杂志跟我约的稿，这本杂志在当时绝对是连环画的金字塔尖，影响力辐射全国。我知道他们是在试我，画的是“罗伦赶考”，其实是我在“赶考”——假如画得好，下次可能还有机会；画得不好，那就玩完了。所以我只有拼命地画。结果却是自己没想到的，《连环画报》以前所未有的超大规格发表了，还配了专文《要会导演》。接着又获得了全国第六届美展金奖。后来还受邀作为主席团成员，参加在山东举办的中国美协第四次全国代表大会，主席团中有黄胄、叶浅予、华君武、关山月和林风眠等，江苏进入的有四人，刘海粟、钱松喦、亚明和我。这些前辈在我眼中都是神呀，突然能与他们坐在一起开会，实在有种一步登天的感觉。不过很快我就定了神，想到要是自己之后画不出好东西来，别人就会说你是碰巧，是昙花一现。于是我又着力画了一本《长生殿》，结果在全国连获两个奖，这下心里才踏实了点。一次何家英来南京，我们就商量着一起合作，我说，要不就画一个“杨玉环之死”吧，后来取名为《魂系马嵬》，这张作品最终获得了全国美展的银奖。
姜姝：近两年你画了《对话安格尔》系列，这在你的创作中是比较少见的跟西画对话的主题，为什么选择安格尔？
高云：《魂系马嵬》之后，我一连做了三届全国美展和三届中国艺术节的评委，看了很多画，也想了很多，自己也画了很多的画，《对话安格尔》就是在这样的前提下创作的。我觉得安格尔当时所处的艺术环境和我们现在差不多，他的审美主张也与我完全一致。其艺术表现又吸收了很多东方艺术的风格，很重视线条，有着一种特别的神韵。因此我就试着与他进行一种精神层面的交流，把他的油画转换成中国的工笔重彩。其实，以我们中国工笔画的技法来说，要想临摹一张油画是不难的，但要抽离明暗，去转换、再创作，则很难。我想通过尝试，达成一种学习，不是学习表面，而是追求本质，不是追摹油画的表现手段，而是坚守中国画的独特语言。
《江南高士顾宪成》，高云，工笔，34cm×138cm，2008年
姜姝：这种审美主张似乎也印证了你曾经说过的一句话：中国画是有底线的。你认为它的底线是什么？
高云：中国画是有底线的，我认为这个底线其实有三点：一是书法用笔，就是线。一根线承载着画家的喜怒哀乐、全部修养甚至身体状况，如果没有了线，没有了书法用笔的线，没有了内涵丰富的线，中国画就不叫中国画了。二是散点透视。西方是焦点透视，很科学，跟照相机的效果一样。但散点透视是中国画的法宝，有了它，我们可以自由地支配任何场景，可以像航拍那样画出千里江山图。散点透视使我们更自由、更浪漫、更主观。三是意境。中国画家作画，往往带入了自己的心理动机和审美诉求，形成了人格化的画面，成就了画中有诗的境界，而这种意境是只能意会不可言传的，它依靠引发观众的联想而完成。比如“计白当黑”，画面的留白或水或云或天，是凭借观众和作者共同完成的。
《都市行者之越野车族》 ，高云，小写意，130cm x 200cm，2015年
《新疆写生之二》，高云，90cm×97cm，2010年
《还记得我们吗——纪念新四军建军70周年》，高云，工笔，115cm×195cm，2007年
姜姝：对于20世纪中叶以来的中国画来说，主题性创作无疑具有极大的影响力，以这次展出的《还记得我们吗？》（2007年）、《永乐修典》（2016年）为例，谈一谈你怎么看中国画的主题性创作。
高云：我学画的时候是在上世纪70年代，缺少学习的资料，更缺老师。记得在苏北插队时，听说有一位下放的美术老师家里有画册，我就一口气骑车近三十里路去他家看。1974年我被推荐参加江苏省美术学习班，那时我还没有画过一张完整的作品，就硬画，玩命地画。有个老师看我年纪小，跟我开玩笑：“你知道达•芬奇吗？”我说：“什么，大红旗？”他们笑得前仰后合。不过最后我还是画出来了，是生平第一件完整的独幅作品《小小神枪手》，后来居然还出版了，给了我很大的鼓励。所以说，什么是主题创作？我们那个时候没这个概念的，我们就这么画了，画了就要有所表达。
我历来主张，画家是要靠画说话的，画好才是根本。画家需要秉持“静净”二气，静得下来，纯粹一些，不要想太多。主题性创作从古至今、从中到外，一直都有，只是主题不同而已。主题性创作也有个表达方式的问题，比如新四军建军70周年，这是很大的主题，你怎么画？你可以画陈毅，也可以画战役，或者画某一个有名有姓的英雄。但我选择画了三个新四军女战士，名字叫《还记得我们吗？》，后来有些新四军的后代在这张画前掉了眼泪。有一位老新四军已经90岁了，特地从外地赶来看我，感谢我。她别着勋章，拿着当兵时候的照片，说，你画的就是我们嘛。这么小的一张画，人物不多，着力不重，却打动了人心。《永乐大典》也很难画，一本书，你怎么画？但我们还是画成了，评价也很好。我在这件作品里做到了两个不同，可以说是前无古人：一、在一个画面上用了线描和工笔重彩两种技法；二、在一个画面上画了两个空间，线描部分是编写、制作《永乐大典》的作坊空间，工笔部分是宫廷空间，官员拿着刚出来的《永乐大典》进献给皇帝看。为了体现明朝的感觉，我还把背景全部打上了45度斜角的地砖格子，这是明代版画的标志。所以说，主题创作关键在于怎么画。画家有本事、会创造，主题创作同样也可以很出彩、很动人。
《纪念徐霞客诞生四百周年》（三枚），高云，邮票，31mm×57.75mm×3，1987年
《听瀑图》，高云，2013年
注：
展览名称：云自在——高云作品展
展览时间：2019年7月26日-10月31日
展览地点：南京德基美术馆
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