Sean Scully | 抽象艺术是一种“非教派”的宗教艺术
“肖恩·斯库利：抵抗与坚持——1967-2015 伦敦|纽约”即将在中国完成巡展，特此整理一下肖恩·斯库利的资料。
展览名称“抵抗与坚持”取自肖恩·斯库利出版于2006年的文集，收录了他对莫兰迪、梵高、罗斯科等艺术家的评论。“抵抗与坚持”亦是艺术家对自我信念和精神的总结。正如策展人菲利普·多德(Philip Dodd)所说:“在五十年的艺术生涯中,肖恩.斯库利自认的‘双重身份性’一直与其使用的语言相纠结, 使他在艺术创作中坚持抵抗所谓的(包括他自己的)创作的正统性,并且敞开胸怀接纳更多的元素。”
西方美术史有两种叙事模式：“瓦萨里叙事”和“格林伯格叙事”。“瓦萨里叙事”的核心观点为：艺术史是进步的历史，或技术进步的历史，是人与自然不断相“匹配”的过程，是艺术写实和再现能力的不断提高的过程。而这一观点，也类似于日后贡布里希在《视觉与错觉》中谈到的“视觉匹配”理论。而随着艺术家技艺的不断提高及摄影术的发明，“瓦萨里叙事”终结，进入柏林伯格所称的“现代主义叙事”，即“格林伯格叙事”。在格林伯格叙事中，艺术由绝对的真实走向绝对的视觉平面化，进而走向一种“绝对的抽象”。
新古典主义之后，历经印象派、野兽派、达达主义等对绘画的主观化、平面化、抽象化等革新，现代主义经抽象后发展至20世纪60年代，出现了极少主义（Minimalism），画面只剩下“空白”。阿瑟•丹托（Arthur Danto，1924-2013）在《艺术的终结》中提到：在1964年，艺术家纽曼展出了空白画布之后，可以说实现了抽象艺术的“绝对完美”。而现代艺术在放弃纯粹视觉表达的同时，也进入了哲学表达层面，这也就意味着艺术的“死亡”。此外，丹托在另外一本书《艺术的终结之后》中又继续阐述：当格林伯格叙事也不再适用后，艺术史则进入了新阶段，即艺术“物品化”和物品“艺术化”时期。艺术与物品的边界不再明确，开始追求迈克尔•弗雷德(Michael Fried，1939-)所提出的“剧场性”。
肖恩•斯库利是美国后抽象的代表画家，承接了极少主义，但比极少主义复杂。斯库利的绘画作品不是单一图案的重复，而是不同色块、图像的重组和结合，在表达上形成了类似“组画”的语言。而这种“组画”的形式，在丹托对斯库利的评论文章中又有更为具体的阐释。现代主义是贯穿肖恩•斯库利艺术创作的基本理念，现代主义的理性元叙事造就肖恩斯库利对绘画本质的探寻与表达。他的作品追求形式本身的表现力，摆脱对内容的依赖，表现几何抽象的普世价值。他以无叙事的色块形式去探索绘画的自律性，以色彩的表现力去触碰人类内心。他用感性来改造极简主义的虚无倾向。
（参考：【CAFA讲座】易英：后抽象）
肖恩•斯库利
(Sean Scully,born 30 June 1945)
肖恩•斯库利是战后抽象主义绘画中一位重要的国际艺术大师。曾于1989年和1993年两次获得英国‘特纳奖’提名，被哲学家和艺术评论家阿瑟•丹托评论为“属于我们这个时代重要的油画大师之一。”被著名乐队U2主场Bono称为“灵魂的砖瓦工”。肖恩的作品被150多家公共机构收藏，其中包括MOMA、TATE等。
肖恩•斯库利于1945年出生于爱尔兰都柏林的一个底层家庭，童年移居伦敦。15岁时，肖恩进入工厂当学徒，绘画爱好只在夜校得到满足。他成绩优秀得足以上牛津，但他心系绘画，考入了纽卡斯尔大学，正式开始艺术生涯。在纽卡斯尔大学求学时，肖恩接受的还是传统的具象绘画教育。在他1967年一幅名为《静坐人物》的画作中，还能明显地看到马蒂斯似的用色和结构。在他毕业前，作品就上了电视，《卫报》登了大幅照片。毕业后他直接进入当时伦敦最好的画廊，首次个展作品全部卖光，其中５幅还被博物馆永久收藏，可谓年少成名。
《无题（静坐人物）》 1967
Unititled （Seated Figure）
布面油画
1969年他前往摩洛哥旅行，摩洛哥织物的条纹图案和色彩给肖恩带来了强烈的冲击。织物的图案皆是几何形，却和工业生产下的标准化图案不同，启发他从具象转向抽象。“在那里你能体会到狂喜的感觉，但人们又是在缤纷的织物中有条理地制造这种精神体验。伊斯兰教没有神像，人们编织彩色条纹，用抽象建构世界观，这非常动人。”
《阿拉伯半岛》（Araby） 局部 1981
布面油画
上世纪70年代，肖恩的创作慢慢转向抽象，他想超越形象限制，“找到一种更加普世化、任何人看到即可理解的语言，抽象画就有这种自然交流的能力”。
《天幕》（Backcloth）局部 1970
布面丙烯
“我在纽卡斯尔创作了作品《天幕》，呈现的是一种网格，超级的网格。我试图将有序变得混乱无序。我总是滥用秩序，一种无序的秩序。”
《对角之光》（Diagonal Light）1972
布面丙烯
“我早期也是一位具象画家，会直接画人体，这种历史遗留在我的绘画中，不管我现在怎样，我都去过哪里，读过哪些书，跟哪些人一起生活，爱过哪些人，都残留在我身上，不能把他们摘出来，他们已经是我的一部分。这座城市是我的一部分：我会说，我的绘画完全是关于人体和光线的形体。”
《四倍网格》（Quadruple Grid）局部 1974
布面丙烯
1975年，受大西洋彼岸蓬勃兴起的极简派吸引，肖恩选择了当时更活跃、更自由的纽约，于1983年成为美国公民。在他的艺术生涯早期，他曾提到“我认为，如果你把蒙德里安、马蒂斯和罗斯科放在一起，他们是对我产生巨大影响的三位艺术家。”随着年龄的增长，他的思路和眼界也逐渐拓宽，他提到亚洲文化和其他文化的艺术作品也对他产生了很大影响。进入新环境后，肖恩对周遭变得更敏感，他开始使用工业材质，将层层胶带藏在丙烯涂色中，或用粗鬃毛刷在画布上狠命挥舞。“当时的美国社会非常野蛮、暴力，但这种动荡不安、‘达尔文式你死我活’的状态又非常吸引我，我像矿工般生活，肩负着开采重任。我喜欢用胶带创作，它们让颜料更具条纹感，当我把胶带揭开时，会发出一种黑色的嗡嗡声，就像俳句和禅学经义一样。”
《胶带绘画·奶油色和黑色》局部 1975
Taped Painting Cream and Black
布面丙烯和胶带
Untitled No. 6，1979
《垂直·水平线红黑》局部 1979
Upright Norizontals Red Black
布面油画
“我喜欢用胶带创作这些极简主义的作品（用遮蔽胶带创作主要是为了让颜料更有条纹感，时而平坦，时而突起。）”
1981年创作6米长的幅作品《后与前》中，肖恩用他独有的条纹语言绘制了纽约摩天大楼挤压在一起的模样。
《后与前》（Backs and Fronts） 1981
亚麻和布面油画
“纽约让很多事情变得有可能，因为我来自莎士比亚的故乡，那里的人们都沉迷于讲故事，解说演绎，而他们对抽象的、深刻的或者通用式的，充满恐惧。去纽约做我想做的事必然的选择。尽管这样说，我80年代创作的作品，很多抽象绘画的作品，采用切割、切片、对接，展示一种荒谬、难堪、不舒服，却赋予一种奇怪的美感，就像纽约这座城市一样，但是也像许多其它的城市。”
《来与往》 1981
布面油画
“我对情感结构的探索兴趣盎然”
《崇拜》（Adoration） 1982
布面，亚麻和木条绘画
“这种打破绘画创作纯粹性的想法，并赋予它们关联性的命名——这是对圣物的一种亵渎，因为抽象绘画正是以其‘非指涉性’引以为傲的。但是，当然，也正是由于这种非指涉性，让人对它没有任何感觉，没有任何意义。我开始热爱这种杂质感。我喜欢这种非纯粹性。另外，一种与其相异的是美丽，纯粹与流畅感。”
肖恩说，孩子们尤其喜欢他的作品，他们觉得那些画作就像拼接在一起的乐高玩具。几年前，65岁高龄的肖恩又喜得贵子Oisin（名字源于诗人叶芝笔下的爱尔兰神话英雄），他如今的时间完全献给了可爱的儿子。他说：“我曾有过一个儿子，1983年就去世了，这对我是非常惨痛的打击。当时我作品的色调都变暗了，一直持续了三十多年，而且带有一种悲哀的气氛。最近，我的作品中重新出现了绿色，众所周知，绿色代表着美好和希望。”
《肉体》（Flesh） 1985
亚麻布面油画
“虽然这些绘画作品总是由条纹、块状和线条组成，但是，这些元素通常是以不同的方式构图或组合合起来。而且当我创作时，我时刻牢记现实的残酷。这现实就是我们是肉体的存在。因此我的作品总是在这个假定的前提之下：我们都是凡夫俗子，即使我们常常不愿意接受这一点。”
《崩坏》（Falling Wrong） 1985
亚麻布面油画
“《崩坏》指的是一副有错误的绘画，但是，我希望以物竞天择的方式将事物组合在一起，可以创造出一种新的美丽。”
《微暗的火》（Pale Fire） 1988
亚麻布面油画
“我与文学渊源深厚。（《微暗的火》来自作家弗拉基米尔·纳博科夫的同名小说）。我在80年代曾阅读广泛，这对我希望从事的那种绘画创作很有帮助。我希望绘画能做到笔触动人，我把一切都回归到绘画当中，不论是叙事，比喻，标题，还是它们的相关性——绘图中人与物的意义”
《黑色加入》（Enter Black） 1998
亚麻布面油画
“黑色对我来说是一种强有力的颜色。马蒂斯曾将黑色称为色彩中的女皇；而在对我产生深远影响的西班牙绘画中，黑色有一种令人折服的美丽：画家委拉斯开兹，戈雅和毕加索的作品都证明了这一点。但不用替我童年就熟知的宗教天主教。人们说天主教徒每天都想到死亡（黑色），我也是这样的，时刻为它在做准备。”
1998年，肖恩开始以“光之壁”的概念命名自己的油画作品。该系列中，他为人熟知的线和条变成了由两到四块“砖头”经水平和竖直排列堆积而成的砖砌结构，色块与色块之间留有间隙，整个画面仿佛在呼吸。
《光之壁·热》（Wall of Light Heat） 2001
亚麻布面油画
“《光之壁》作品系列是受去世界其它地方旅行的启发而创作。通常它们很明确地寓意自然；与作品《后与前》不同，作品的边缘临界没有经过处理。《光之壁》绘画作品系列被赋予了强烈的抒情性。”
《多利安·太阳神》（Doric Apollo） 2012
铝板油画
“我希望可以表述明确，但是，我的作品不是为了清晰的结果：它们是一种启示。如果你来看我的作品，希望从中寻找清晰的答案，那么你最终只会感到忐忑不安。”
《红楼》（Red Chamber） 2012
亚麻布面油画
肖恩•斯库利在艺术创作生涯中擅长处理红色的表现形式，其中包括他受著名爵士乐大师迈尔士•戴维斯的著名专辑《蓝色调调》灵感启发，创作的作品《红色调调》。肖恩与音乐结缘颇深，他的母亲曾是名歌手。身为爱尔兰人，他对世界的认知，很大程度上源自对家乡重复性节奏的感受。“爱尔兰音乐直击人心，伴着深深的忧郁，它不息的韵律陪着我成长。”
《泛红调调》（Kind of Red） 2013
铝板油画
《四日》 2015
铝板油画
“现在我更喜欢用横向条纹，是因为这样更难控制。”
《哭泣之歌》（Weeping Song） 2015
铝板油画
“我对色彩进行尝试，我把这些色彩混合起来，让它们几乎丧失本来的面目、无法辨认出色彩本身的名字。由于我们给颜色有不同的命名，比如蓝色，黑色，红色——但是，这些颜色已经处在所谓类别的边缘，而我更倾向于使用这样的色彩。”
《路线·树》（Landline Tree） 2015
铝板油画
“我一直认同现代性，或者先锋性，与基督教的被提教义保持一致。现在我们站在与历史不同的地方。现在我们有遗憾，现在我们很抱歉。现在我们意识到，我们必须要温柔地对待我们的世界。而在这个意义上来说，我想我在做的是一种安抚。”
从欧洲抽象先驱蒙德里安到美国的马克•罗斯科，条纹一直是抽象画家偏爱的形式语言，肖恩从这些传统中创造了自己的风格，正如阿瑟•丹托所说：“他的边线有一种可触之美，这些条纹拥有生动的质感。”
肖恩相信：“抽象是我们这个时代的艺术……它可以让你不受压迫，不受具象影像的思考，让观众自由地去认同作品本身。抽象艺术无比慷慨，令人难以置信，真的是一切皆为大家。这是一种‘非教派’的宗教艺术。我认为这是我们时代的精神艺术。”
作品欣赏
Untitled
Sean Scully · 1973
Block
Sean Scully · 1986
Conversation
Sean Scully · 1986
Caress
Sean Scully · 1987
Wall
Sean Scully · 1988
Wall
Sean Scully · 1988
Bridge
Sean Scully · 1991
Black White White
Sean Scully · 1996
Coloured Wall
Sean Scully · 2003
Dark Bridge
Sean Scully · 2003
Wall of Light Desert Night
Sean Scully · 1999
Beach
Sean Scully · ?
长
按
关
注
解锁更多精彩内幕
artag
微信公共号号 : artag
新浪微博：@artag