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身有残疾的艺术家，最有名的或许是梵高了。他是画家，同时也是精神病患者，这位生活在伤口里的大师，作品中挣扎着变幻的线条与狂舞的色块。不断收割疼痛的他，最终收割了自己的耳朵。
除了梵高，还有更多艺术家即便无法像健全人一样生活，却依旧创作出了独一无二的作品，并且享有世界级声誉。弗朗西斯科·德·戈雅（Franciscovde Goya）1746年出生于西班牙萨拉戈萨，西班牙浪漫主义画派画家。通常美术史家认为，近代欧洲绘画始于戈雅，因为他从思想上到技法上全方位地打破了18世纪的传统，是一位承前启后的过渡性人物。戈雅不顾任何传统形式的束缚，大胆地突破古典绘画题材和构图的限制，自由而率真地表现他那个时代的生活和斗争。他打破了传统的美与丑的界限，把原来视作平凡、卑微的东西提到史诗样的高度加以歌颂和赞美，甚至不惜描绘生活中的丑。46岁那年，戈雅因患重病而丧失了听力，这种无声的世界，促使他转而审视内心世界。这时他的感觉变得更加敏锐，思想变得更加深邃，因而他的艺术也变得更加深刻。纳西斯·迪亚兹·德拉潘（Narcisse Diaz de la Pena）是19世纪法国巴比松画派的创立者之一。然而，这样一个才华横溢的画家却有着十分悲惨的童年。迪亚兹10岁就成了孤儿，后来又因为意外失去了一条腿，不得不靠着木质假肢生活。最初，迪亚兹的创作灵感来自于神话和文学作品。1831年前后，迪亚兹认识了西奥多·卢梭（Theodore Rousseau），也正是卢梭点燃了迪亚兹对风景画的创作激情。迪亚兹画面中的枫丹白露森林往往无比静谧，画家对光线与气氛的调动是那样纯熟，仿佛在大自然面前，身体的残疾似乎都显得无关紧要了亨利·德·图卢兹·劳特累克（Henri de Toulouse Lautrec）是法国近代绘画大师，活跃于19世纪末的巴黎。他的作品极具特色，尤以描绘巴黎夜生活闻名。劳特累克1864年出生于法国，最早他是家族中唯一健康成长的孩子，被寄以延续血脉的厚望。劳特累克自小展现出过人的文学与艺术才华，但真正让他踏上艺术之路的，是少年时期突如其来的两次意外骨折。由于这两次意外，加上家族性遗传疾病的缘故，劳特累克的骨骼永远停止了生长，这使他成了侏儒。他的父亲由此不再重视他，他也很快与家庭彻底决裂。他带着自己的肉身和残疾游荡在夜空下，酗酒、与妓女寻欢作乐和创作耗尽了他生命最后的光焰。在他的作品中，不难看出一种嘲弄和挖苦的意味——颓废、傲慢和疲惫。直到现在，他的作品仍不断被世界各地的人们喜爱着，在塞纳河边的报刊亭或旧书摊上是一道最抢眼的风景，可谓巴黎的艺术名片，而他本人更是红磨坊的代名词。汉斯·哈通《huile sur toile》，1947年汉斯·哈通（Hans Hartung）是战后西方抽象主义大师，以标志性的涂写艺术闻名。他出生于德国莱比锡一个艺术家庭，受立体主义影响颇深，对和谐的比例原则有着浓厚的兴趣。汉斯·哈通的艺术探索在1935年遇到了阻碍，纳粹认为他的艺术与德国理想不相容，为躲避追捕而逃到巴黎的他并没有逃过一劫，纳粹势力蔓延至法国，他最终在巴黎被逮捕。战争总是可以轻易改变一个人的命运。昔日执笔的画家成了战场上持枪的士兵，代表法国作战的汉斯·哈通在北非战场上失去了一条腿。身体残疾造成了汉斯·哈通绘画方式的转变。面对残破的身体，他开始使用工具来冲破作画的范围限制：滴水、喷枪喷溅、投掷油漆......艺术家在作画中将情感释放，而这浓烈的情感正是来自于不可为外人道的悲惨经历。草间弥生创作的南瓜雕塑价值8亿日元（折合人民币约0.52亿元）。日本艺术家草间弥生（Yayoi Kusama）十岁时患上神经性视听障碍和精神分裂症，被幻觉、幻听所困扰，再加上母亲对她的画家梦想百般阻挠，甚至撕烂其画作，她常常有自杀冲动。多次自杀失败后，草间弥生决定直面恐惧，试着以重复的圆点把自己的幻觉表现出来，用绘画来让这个世界接受自己。她恐惧自己被幻象中的波点和红色花纹湮灭、消融，所以她的画里充满波点和无限的红色网格；她在自己身上贴满和周围环境中相同的波点，以此象征自我消解。“苦难”可谓是围绕弗里达·卡罗（Frida Kahlo）一生的关键词：6岁时，小儿麻痹使她右腿萎缩；18岁的一场车祸又造成其全身骨折，虽奇迹般地活了下来，但伤痛如影随形，且终身不能生育。卧床养病期间，她一直对着天花板上的镜子绘制自画像，还在包裹全身的石膏上画满了彩色图案。在弗里达创作的超过140幅绘画中，大部分都以象征性元素呈现了肉体和精神的双重创伤。 弗里达·卡罗《戴着荆棘项链和蜂鸟的自画像》，布面油画，1940年弗里达的一生与她的作品互为注解，与其说作品是她开出的花，不如说它们以弗里达的方式盛开并记述着其独特的命途。她不是简单的墨西哥女性化身，而是代表着一个时代中自我突破的伟大灵魂。瑞士画家阿道夫·韦尔夫利（Adolf Wölfli）年轻时压根和艺术不沾边，少年时期的悲惨遭遇令其性格抑郁暴躁，常年不务正业，几番入狱，并在31岁那年被送入精神病院。最初的治疗并未令其好转，但后来他偷窃医院纸张进行绘画的行为，受到医生的关注，由此他的绘画天赋被发现了。之后他的作品被结集出版并名声大噪，他本人也成为“原生艺术”的代言人。尽管韦尔夫利步入中年才开始接触绘画，但产量惊人：45本笔记，厚达25000页；超过1600张图画和1500张拼贴。不仅如此，他在患病期间还创作了大量的音乐和歌词。格兰维尔·理查德西摩·雷德蒙德（Granville Seymour Redmond）是美国风景画家，也是加勒比印象派的代表人物。格兰维尔于1871年3月9日出生在宾夕法尼亚州，两岁半时感染猩红热致聋。格兰维尔于1879年至1890年在伯克利加州聋人学校就读，在那里，他学习了绘画和哑剧，艺术才华得到认可。后来他又进入旧金山的加利福尼亚设计学院学习，赢得了著名的w·e·布朗卓越奖章。1895年，他的油画作品《玛廷·达西弗》在巴黎沙龙展出。格兰维尔是卓别林的挚友，卓别林很是钦佩他手语的自然表现力，他请格兰维尔帮助他开发无声电影，为他成立一个工作室，收集他的画作，并用角色赞助他，其中就有《城市之光》的雕塑家。在卓别林的帮助下，他成为一位杰出的风景画家和色彩大师，获得诸多认可。美国肖像画大师查克·克洛斯（Chuck Close）是最受推崇和最具创新性的当代画家和摄影师之一。残疾是查克·克洛斯的标签，同时也成就他成为照片写实主义代表人物之一。小时候，因为神经肌肉的问题，他抬腿都很艰难。又因为肾炎，无法完成小学六年级的课程。克洛斯早期作品都是用高度写实的手法来描绘周围的朋友、亲人和艺术家。作品中，他们都面无表情，没有任何身份特征，给人一种冷漠感。 查克·克洛斯《大幅自画像》，布面丙烯，273.1×212.1cm，1967-1968年（Courtesy of the artist）克洛斯的作品虽然多以肖像为主，但是他长时间都忍受着面容失认症（即无法辨认别人的面孔）的困扰。这也是他的创作初衷，因为画肖像使他更容易记住平面化的脸庞。查克·克洛斯《John》，布面丙烯，254×228.6cm，1971-1972年。在1970年之前，克洛斯一直使用黑白颜色创作。在创作一幅画之前，他首先进行肖像拍摄，借助工匠式的打格来放大照片，再用投影仪放大到画布上（画布同样按比例打格）进行逐格描绘，以求精准地描绘肖像。因此，即便靠近观察他的作品，你也能感受到毫无瑕疵的每一笔。
之后，克洛斯尝试了用颜色绘制出大幅作品。他以45度角打格子，在格子中用不同色彩和明度来画出不同形状的圈。这些作品在远处看能感到人像的逼真，但是近距离看局部的时候却很抽象，因为能观察到堆积的不同色块。1988年，克洛斯脊髓动脉破损并最终导致瘫痪。因此在创作每幅作品时候，克洛斯都需要把画笔绑在手上，并且使用特殊设备让画布旋转，才能让坐在轮椅上的他完成画作。
和杂志《名利场》的合作中，查克·克洛斯更以真实度来要求参加拍摄的明星。“自己打理妆发造型”、“最多一人陪同”等要求还原了明星们本来的真实状态。他使用大型宝丽来拍立得相机，从正面角度拍摄大头照，并且没有后期修图。患病之初，画面充满色彩与生命。渐渐地，比例与透视逐渐崩坏，难以捉摸的怪异感，辨认不出人脸的模样。威廉·奥特莫兰（William Utermohlen）是一位居住在英国的美国画家，1995年，61岁的他被诊断患有阿尔兹海默症。于是，他每隔一段时间，就画一张自画像。经年累月，这些画像一部编年史，见证了他逐渐被一个看不见的敌人蚕食的全过程。起初，奥特莫兰笔下的自己还有正常的细节和透视，自画像充满训练有素的娴熟掌控感。但随着病情加重，他的记忆力和生活能力逐渐下降，导致他的画风变得更加抽象，一切都失去了控制。坚持绘画对奥特莫兰来说是一种煎熬，但他对艺术做出了贡献，也为大脑退化性疾病研究提供了独特的视角。从1995年到2000年，奥特莫兰用常人难有的强度来创作这些自画像，里面融入了他的恐惧、愤怒和听天由命的无奈。直至2000年，他最后只能用一些简单线条和明暗对比，来勾勒那个快要消失的“自己”。在生命最后的七年中，奥特莫兰再也无法拿起画笔了。在他遗忘了整个世界之后,很多人才认识他。2000年他搬入疗养院，并于2007年与世长辞来源：中国残疾人 编辑：彭州残联
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