郭伟·韩国首展：他们在别有用心的生活里 翩翩舞蹈
郭伟一定藏着很多秘密。
不到万不得已，伟哥是不会以这样的方式开展的，他不动声色，以”一辈子幽默“的方式严肃对待着他的创作。 跟他喝酒也要小心，切记！
展览：从个体到群像 A Human towards Humanity
时间：2016.07.01–08.14
地点：首尔学古斋画廊 Hakgojae Gallery
韩国首尔市钟路区三清路50
开幕：2016.07.01(星期五) 5:00pm
艺术家：郭伟
学古斋画廊首尔空间将于2016年7月1日至8月14日举办艺术家郭伟个展“从个体到群像”，这也是艺术家在韩国的首次个展。展览将集中呈现郭伟近3年来的新作。
郭伟用充满即兴、粗暴速度感的挥笔将社会生活规范虚无化，借一种自我提问的姿态，在看似平稳的画面中释放内心的情感。在郭伟的创作中，以“人”为画面主题的作品占据了大多数。然而，与用表层图像描绘人物特征的一般手法不同，郭伟作品中的“人”同时包含了“个体”与“群体”两个不同的概念：通过我们周围的大众媒体或者是个人复制所得到的形象以“个体”的形象出现，而任何人都无法命名的身体则是以“群体”的方式被表现，真实与假象并存的现实性以及假象的客观性同时存在着。
作为中国最重要的现实主义画家之一，他对大众传播中的”二手图像“进行故意的”技术退化“处理，获得了一种无法被消灭的能量，他的作品带着浓厚的中国风，所呈现的独特的中国元素，后现代绘画技巧及色彩的掌控力都确保了他在艺术史上的重要地位。（湖南省博物馆馆长 陈建明 2013年10月）
他的风格独一无二，想想都令人激动，我推开他的工作室，他坐着，说话和动作都不快，但看得出来，他脑壳里转动得飞快，他的语调带着一种”什么都见过“以后的秩序重点：他给你描述的话题、过程、段子和故事看似平常，但无时无刻不在”造桥“，你以为你可以顺路过桥找到他说的结果，但往往你会在桥上遇到他语言机锋里扮出的鬼脸，吓一大跳，然后情不自禁地跳下去……他的”中年可爱“是带着戏剧性的，敏锐异常，落水才反应得过来：一边自救一边抠脑壳，又遭伟哥整到了！
郭伟1989年毕业于四川美术学院，曾于北京、巴黎、洛杉矶、旧金山、香港及多地举办个展，作品被旧金山现代艺术博物馆、乔治•蓬皮杜国家艺术文化中心、上海美术馆、尤伦斯基金会、余德耀基金会等众多机构收藏。
学版画出身的伟哥就坐在我对面，看似一场一本正经的对话开始了。
”我希望每个阶段我都把创作当成一个方案来完成。比如版画，我之前做木刻时不可能用丝网的内容、技巧和造型方式来解决它。做石版、铜版等也一样。我会让作品和想法、整体的创作思路都变得更为丰富。那个年代，纯绘画可能更多的是在一种明暗塑造的线索上——严格意义上来说，我不是一个风格主义画家，我不会固定在一个模式里来做。这个阶段的东西，完了就完了。下次再开始一个方案，又重新来。”
从他工作室楼上的落地窗望出去，外面郁郁葱葱，室内的“树”和我一样在看着外头的树
“最早你有一个理念和想法，通过我个人的手法把想法呈现在画面上，但很多时候，一幅画不能呈现完整这个想法，这就需要一组或者更多。它们就像一组思想的插图。”
哥的语言里有一种颇值得玩味的“说不清道不明”，包括他作品呈现出来的内容，也有一些奇怪的故事性。可这些当中，基本上属于“有故事无情节”或者“有情节无故事”，在他看来，这些东西更像是一个荒诞剧，起初有一个最基本的出发点，剩下来他的工作就是带着疑问或者要解决的方案，进入他的创作时段。
有些时候去阐释一幅画很难。文学、文字有它自己的方式，但一旦呈现成视觉，就很难。康定斯基时期，有一种”颜色词典“的理论，比如黄色代表什么，红色又代表什么，但当画面中的颜色跟你文字一样时，其实也就没有意思了。
”我给你提供一个氛围，至于解读，我无法控制，文字才有可能准确，视觉无法做到这个。”
伟哥要呈现的是此时此刻，一种观点、想法、状态。每个人对当代艺术的理解不同，他也不考虑自己的所谓“受众”或藏家对他作品的态度。“那不是我考虑的问题，不要整得来跟自己的艺术没得关系。比如我不会装起来跟娃娃一样，哪怕声音故意的细声细气来与他们交流，因为跟他们是没有办法真正交流的，因为你再也不是那个娃娃的心智和状态了。”
伟哥说，对艺术家来说，不是让观众来接受我的概念，是我来呈现一个状态，让你来了解我的概念。
走过的路，每个人都不一样，感受也自不相同
在作品中的人的选择上，他爱借用过去的典故。比如”井底之蛙“，大家清楚你的意图。如果借用所谓的“经典”，大家会把它当成一个形容词来使用。我说他们是不是都是你的精神模特，一个符号，并不是画的某个具体的人，只是借用他来传达。
伟哥说这个“符号”也不完全是精神上的东西，它更多的是代表他的视觉习惯和视觉经验。
“比如一个导演选择一个演员，很多演员都可以演，而为什么导演会选择他，那他一定在某种程度或某种点上可以跟导演心目中的他对接。”郭伟的创作就是被这个“经验”和“习惯”推着走的。
它们一方面来自于后天的训练，但更多的是先天骨子里的感受。“基因里有一些默契打动你 ，无法用语言阐释清楚。”——基因里有某种对接的东西。我想起朱塞佩·托纳多雷导演的电影《对应》：
一部特别棒的讲述关于对应与机捷，高智商的讲述。
郭伟一直都想创作一件安迪·沃霍尔的作品。之前他看见过两位艺术家创作的关于安迪·沃霍尔的作品，作品一直在他脑海里挥之不去：斯拉贝尔和艾尼尔。两人的创作截然不同，但同样深深打动伟哥。“我迫切想创作一件安迪·沃霍尔的作品， 也许是想对应我原来印象中的这两个人的东西。”
接下来我想讲一讲一个有趣的东西：
郭伟 室内：蚊子与飞蛾 NO.22 2003
我一直很好奇，为什么诺贝尔文学奖得主莫言之前的作品《藏宝图》的法文版要选用郭伟的这件作品做封面，作品是根据他女儿和她同学为原型画的。
《藏宝图》是莫言于1999年发表的一部4万余字的中篇小说，讲述了主人公“我”路遇小学同学马可之后的故事，通篇超过三分之二都是马可的叙述，内容天马行空，极具魔幻现实主义色彩。比如，马可提到自己过去曾经吃过老虎肉饺子，吃完浑身燥热泡在黑龙江里，还邂逅了骑虎而来的俄罗斯美女。马可的讲述里还有很多神奇的段子，涉及人物包括韦小宝、康熙、郑板桥、袁世凯，可谓从古到今随意“穿越”。小说名《藏宝图》中的“宝”，从文中的表面意思看乃“虎须宝藏”，按马可的说法，只要把这根通体雪白的虎须叼在嘴里，就能看出身边人的“本相”到底是什么动物文中，莫言借马可之口表示：“我的眼前，全是畜生。”
这是一则表面看起来神经兮兮但实际充满浓厚讽刺意味的寓言。“这故事从头到尾只有一句真话：这故事从头到尾没有一句真话。”这是小说《藏宝图》的开篇语。也是这本书和这件封面作品“蚊子与飞蛾”让人苦苦思考的东西。我确实很喜欢这一组蚊子与飞蛾，准确地说，很迷：
这些作品反而让我没有想到蚊子，而是一群鸽子（点击文章开头试听）：
迷路的鸽子啊
我在双手合十的晚上 渴望一双翅膀
飞去南方 南方
尽管再也看不到 无名山的高
遥远的鸽子啊
匆匆忙忙的飞翔 只是为了回家
明天太远 今天太短
伪善的人来了又走 只顾吃穿
昨天我数到 第二十五颗星星
在北京 第二十五个秋天的夜晚
收得下过去 也给的了未来
他们在别有用心的生活里 翩翩舞蹈
你在我后半生的城市里 长生不老
鸽子啊 你再也不需要翅膀
明天冰雪封山的时候 我也光着双脚
站在你翻山越岭的尽头 正当年少
两千个秘密 没人知道
请你在春天到来的时候 轻轻歌唱
唱一首关于冬天的歌谣 漫漫长长
鸽子啊 我在你温暖的路上
从个体到群像：
郭伟绘画中的现实与虚构世界 （节选）
文贞姬 （韩国美术研究所研究员，台湾国立台南艺术大学客座教授）
1989年从四川美术学院毕业的艺术家郭伟，以二十几岁的年轻人充满了抵抗和热情的眼睛目击了’85美术新潮的整个过程。
于郭伟而言，对艺术的不断探索，是一种反规范、不调和，具有前卫性的创作态度。现实主义传统经由作品的画面形象，以独特的表现方式再次复活。
郭伟在表面的现实里提出自己的疑问，用强力的速度感将内心隐藏的自我通过玩世的表现手法得到呈现。本次展览中，与用表层图像描绘人物特征的手法不同，郭伟从表面出发，向着更深处的真实，不断地提出锐利的疑问。艺术家郭伟作品中的“人”同时包含了“个体”与“群体”两个不同的概念，通过我们周围的大众媒体或者是个人复制所得到的形象，是以“个体”的形象出现，而任何人都无法命名的身体则是以“群体”的方式被表现。
在《肌肉》（2014）这件作品中，画面中艺术家故意捕捉了拥有强壮肌肉的男性身体的背面而不是正面，这就如同有无法直面的真实一般，对个体人物真实存在的展现也可以以群体形象的方式进行解释。强壮而均衡的男性身体形象反而可能隐藏着对人们的破坏属性。
对郭伟来说，人本身与不安的当下有共同的属性。2014年创作的《无题2》和《无题12》与前文谈及的《肌肉》一样，在表现“群体”的同时，艺术家与大众形象做着无力的抵抗。特别是《无题12》中所呈现出的对原形象进行的有意图的再次涂抹，传递出了一种涂鸦的性质与态度。
从美术史的角度来看，郭伟的作品在绘画史的发展历程上有着重要的意义。
郭伟的艺术表现方式和创作态度，虽然可以从新表现主义或者新写实主义的角度来理解，但是从绘画性的角度出发，其作品中的造型体系和符号，事实上是对具有先验性造型艺术的压缩。
艺术家的创作态度，在2015年之后，已不再只是将画面的平面性回归到单纯的色彩上，而是努力在画面中呈现出类似于纸、布这些客观存在之物的物质性。但是这种物质性的表现，并不是以拼贴的方式，而是以绘画的方式再次回归到画面的现实性中。
像这样将现实与虚构交错的表现手法在《无题14》中同样得到了体现，少女如同戴着头巾般，脸被涂上了蓝色的颜料。与用纸遮住面孔的男子像不同，对少女脸上颜料的表现，比起纸，更具真实性。画面里，少女所戴的白色头巾被自然地表现出布的质感，而不是虚幻的空间感。但是，事实上艺术家是对虚构的空间进行了再次反击，以带有虚构性的平面空间传达颜料的真实性。