探展MENU｜海外新展精选（2024年1月）

01

" 低贱魔法 "

Bitch Magic

2024年1月26日 - 3月2日

Alma Pearl

Unit T, Reliance Wharf, 2-10 Hertford Road，伦敦，英国

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Installation view, ‘Bitch Magic’, Alma Pearl. ©The Artists and Alma Pearl. Photo: Ben Westoby

Alma Pearl画廊创始人Celeste Baracchi策划了此次名为“Bitch Magic”的展览，探索了“女性”与魔法之间的联系。该展览汇集了一群跨代的女性和非二元性别的艺术家，但她们仍与“女性”（the feminine）保持一致。艺术家们的作品通过对民间传说、魔法或深奥主题的深入探究，提供了相对激进但更为包容的女性主义观点。“女性”一词远非局限于性别差异的二元结构；在这里，“女性”成为了一种概念工具，体现在对形式和语言的不固定方法、幽默尖锐的批评、对流动和混合的主体位置、欲望和狂喜神秘的庆祝。

近来，对历史和当代艺术实践中“魔法思想”的复兴倾向于解释为是一种逃避现实的投射，或从当前现实中撤退的动作能指。诸如此类的解读在提供新颖见解的同时，也消除了围绕异种思维的艺术实践的立场多样性。展览中的作品跨越了多种媒介——声音装置、表演、绘画、素描、摄影和雕塑，参展艺术家包括：泰·沙妮（Tai Shani）、西尔维娅·费德里奇（Silvia Federici）、潘妮·斯利格斯（Penny Sligers）等。

02

" 舒维奈·阿舒娜：当我画画时 "

Shuvinai Ashoona: When I Draw

2024年1月25日 - 4月26日
The Perimeter20 Brownlow Mews，伦敦，英国

⬅向左滑动查看多图[First image] Shuvinai Ashoona, 'Drawing Like the Elephant', 2023, coloured pencil and ink on paper. ©The Artist

The Perimeter本月举办了来自艺术家舒维奈·阿舒娜（Shuvinai Ashoona，b.1961，加拿大）的个展。她的绘画作品通过奇幻的主题和讲故事的方式，展现了加拿大北极地区生活、土地和社区的复杂性。阿舒娜的作品常将北极日常生活场景与因纽特人的“万物有灵论”和萨满教相关意象交织在一起。她在2022年第59届威尼斯双年展中亦展示了其创作的六幅画作。作为第三代因纽特人，阿舒娜的家族艺术传统在全因纽特人的合作社内可以上溯几代石雕师、画家和版画师。

舒维奈·阿舒娜的创作主要使用彩色铅笔和绘画，以一种敏感而宁静的方式描绘了历史和当代因纽特人生活的地区。阿舒娜的纪念性作品中梦幻般的风景阐明了尺度和视角之间的关系，捕捉到了金盖特生活的亲密视角。这些作品体现了艺术家创作过程中与北方流行文化和传统重叠的张力。阿舒娜在现实与想象的感知之间转换，创造了在自然世界与心理心灵之间移动的传输意象，将每个主题视为一种诗意的纠葛。

03

" 卡里娜·凯科宁：因你而流泪 "

Kaarina Kaikkonen: The Tears Shed Because of You

2024年1月26日 - 2月18日
Galerie ForsblomYrjönkatu 22，赫尔辛基，芬兰

⬅向左滑动查看多图[First image] Kaarina Kaikkonen, 'The Longing of a Wild Rose', 2024. Men's shirts. . ©The Artist

雕塑家艺术家卡里娜·凯科宁（Kaarina Kaikkonen，b.1952，芬兰）用回收的衣物制作装置，并以大型空间创作传播人类世的强大存在感和其内在的虚无感。早在20世纪80年代，凯科宁就开始使用废弃的衣服作为原材料，让毫无价值、破烂不堪的衣服作为艺术品获得第二次生命。凯科宁以热情和尊重其前主人的方式处理她的原材料。被复活的服装传达了记忆和时间的流逝感，在其物质存在中体现了丰富的意义。

我们可以想象这些织物对我们皮肤的感觉如何，它们如何提供温暖和保护，或者它们可能会让我们想起过去的某个人、某个地方或某个时刻。整个生活可以转喻地浓缩在环、针、线和扣眼中，唤起亲密和集体的体验。卡里娜·凯科宁是芬兰最受国际赞誉的艺术家之一，她被认为是一位雕塑家和装置艺术创作者，其作品重塑了城市景观并促进了社区性。

04

" 非特定对象 "

Non-Specific Objects

2024年1月20日 - 2月24日
Capitain PetzelKarl-Marx-Allee 45，柏林，德国

⬅向左滑动查看多图Installation view, 'Non-Specific Objects', Capitain Petzel, Berlin, 2024. Photo: Gunter Lepkowski

柏林Capitain Petzel画廊本月举办群展“Non-Specific Objects”。这一展览标题与唐纳德·贾德（Donald Judd）1964年的经典文章《特定对象》(Specific Objects) 中所表达的想法相呼应并形成了对比。贾德将“特定物体”与雕塑或绘画分开，物体亦即它们本身，既强调了特定物体的物质性，也说明了特定物体缺乏表现力或任何象征性的事实——尤其体现在主观性上——“特定物体”便强调了这样一种包容一切普遍空间。本次展览中的艺术家们纷纷通过作品反映了他们反对霸权的普遍性，通过抽象的方式在他们的作品中创造差异化叙事空间，无论是通过字面还是隐喻的方式。作品的选择共同体现了那些占据规范之外空间的人的当代生活体验。

05

" 海伦·德尔普拉特：妖怪汤 "

Hélène Delprat. Monster Soup

2024年1月20日 - 3月9日
Hauser & Wirth26 bis rue François 1er，巴黎，法国

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Installation view, ‘Hélène Delprat. Monster soup’, Hauser & Wirth Paris. © Hélène Delprat, ADAGP, Paris, 2024. Courtesy the artist and Hauser & Wirth. Photo: Nicolas Brasseur

继豪瑟沃斯宣布与Galerie Cristophe Gaillard联合代理艺术家海伦·德尔普拉特 (Hélène Delprat，b.1957，巴黎) 后，其于前者的首次展览本月在巴黎开幕，展示了一系列精选新绘画、雕塑、视频和装置作品。据悉，德尔普拉特的专题展览将于2025年春季在法国圣保罗德旺斯的玛格基金会（Fondation Maeght）展出。在过去的四十年里，德尔普拉特的多方面实践以人类状况为关注焦点，在跨越各种媒介的作品中探索生与死。她的绘画实践一直受到百科全书式研究过程的影响，并据此汇编了非凡的资料档案，涵盖了文学、电影、广播、哲学、互联网数据库、有记载的历史和艺术史等大量参考资料。

本次展览的标题“怪物汤”通过引用流行文化的多种来源反映了当代多维研究方法。德尔普拉特的画作反映了这种融合：原图像取自一幅1820年代的英国蚀刻画，新的作品描绘了一名妇女对泰晤士河放大的水滴中的怪物内容感到恐惧，其中散布着德尔普拉特绘制的精灵。就像一位图像学家一样，她将不拘一格的灵感来源提炼成一个广阔的清单：一个既偶然又故意、美丽又怪诞的世界，其中记忆、身份、记录和遗产的主题融合在一起，提醒我们过去是一种建构，而现在是现在，转瞬即逝。

06

" 彭博新当代 "

Bloomberg New Contemporaries

2024年1月19日 - 4月14日
Camden Art CentreArkwright Road，伦敦，英国

⬅向左滑动查看多图Installation view, Bloomberg New Contemporaries at Camden Art Centre, 2024. Photo: Rob Harris.今年彭博社的“新当代”项目（Bloomberg New Contemporaries）收录了来自英国艺术学校和另类同伴学习项目的55位最令人兴奋的艺术家。“彭博社新当代”是一个独特的平台，为新兴艺术家（其中许多人居住在伦敦以外）提供向更广泛的观众展示其作品的机会，以及支持其实践发展的专业计划。由此生发的展览以跨越多个学科方法的独特角度提供了当前艺术的关注点，包括关怀、亲属关系、集体、气候正义、世界建设、地理边界和身份政治；并呈现了新兴艺术实践的重要图景：把握当代艺术的脉搏，关注当今推动英国艺术家紧迫生活的焦点。

07

" 皮皮洛蒂·瑞斯特：刺痛的鸡皮疙瘩和嗡嗡作响的地平线 "

Pipilotti Rist: Prickling Goosebumps & a Humming Horizon

2023年11月18日 - 2024年2月24日
Luhring Augustine531 West 24th Street，纽约切尔西，美国

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Installation view, 'Pipilotti Rist: Prickling Goosebumps & Humming Horizon', Luhring Augustine Chelsea, New York, 2024. © Pipilotti Rist/ Artists Rights Society (ARS), New York; Courtesy the artist, Luhring Augustine, New York.

瑞士艺术家皮皮洛蒂·瑞斯特（Pipilotti Rist，b.1962）的大型展览 “Prickling Goosebumps & a Humming Horizon” 在切尔西22街的豪瑟沃斯画廊和24街的Luhring Augustine画廊同时举行。瑞斯特将其内部心理空间和外部的物理空间，在互补的演示中为参观者提供多感官体验。Luhring Augustine被重新想象为一个广阔的、共享的“后院”，而豪瑟沃斯则被改造成一个异想天开的“集体客厅”。

在西24街的 Luhring Augustine，游客将踏上一段穿越广阔“后院”环境的旅程，这里的声音、色彩和纹理艺术充满活力。在入口画廊中，他们会遇到皮皮洛蒂·瑞斯特的小型新作，风景画和岩石雕塑；主画廊以引人入胜的场景作品“没有栅栏的邻居”（Neighbors Without Fences，2020）为主，这是一座隔板房屋，周围是摆满户外露台家具的“庭院”，并由巨大的1.5英寸的动态投影巨石“耐心”（The Patience，2016）作为支撑。起伏的半透明树脂面板或像“皮肤”或像云一样在天花板上漂浮，真实和动画的星系与自然景观视频舞动地投射在空间表面。这些树脂材料同时吸收和发射光线，在墙壁和地板上产生幽灵般的阴影，将观众带入奇幻的维度。

08

" 亚伦·博罗德：珍奇柜 "

Aaron Bohrod: A Cabinet of Curiosities

2024年1月18日 - 2月24日
Lincoln Glenn542 West 24th Street，纽约，美国

⬅向左滑动查看多图© the artist and Lincoln Glenn

与潮流抽象绘画和现代主义者所采用的简化形式背道而驰，在亚伦·博罗德（Aaron Bohrod）的整个职业生涯中，他始终忠于自己作为现实主义者（realist）的态度。他曾经说过：“我从来没有被细节所吓倒。当细节融入到一个整体方案中时，它只能起到丰富结果的作用……在任何优秀的绘画中，敏感的人都有很多值得思考的地方，而不需要他们在精神上完成艺术家关于形式的意图。”

亚伦·博罗德是纽约艺术联盟约翰·斯隆（John Sloan）的学生。20世纪30年代，他因绘制中西部社会现实主义城市景观而闻名全国，进而被誉为“美国第一霓虹灯画家”。商业经销商敦促博罗德多画一些城市夜曲，但博罗德感觉自己被束缚住了，转而画小摆设的错视静物画。尽管人们会认为一位在大萧条时期成熟并被《生活》杂志（Life Magazine）聘请记录第二次世界大战的艺术家，其作品必然是黑暗和沉闷的——但博罗德的静物画却是有趣和冒险的。

09

" JOJO ABOT：她亲手创造的上帝 "

JOJO ABOT: A GOD OF HER OWN MAKING

2024年1月17日 - 3月3日
L.A. Louver45 North Venice Boulevard，洛杉矶，美国

⬅向左滑动查看多图© the artist and L.A. Louver

L.A. Louver呈现由JOJO ABOT创建的多媒体体验。展览由雕塑、纺织品、电影、空间声音、绘画和表演组成，汇集了JOJO ABOT不断扩展的作品阵列。不受流派和媒介的限制，通过三个离散的激活元素，本次展览重点关注神圣女性的变革力量，激发集体凝聚力的提升、围绕精神的自我对话。

JOJO ABOT是一位艺术家、治疗师和炼金术士，致力于探索新旧技术的通用治疗能力。在她的艺术创作和仪式中，借鉴了其作为西非埃维妇女的传统，以及她在加纳、哥本哈根、美国、南非、肯尼亚等世界各地的游牧生活经历。JOJO ABOT的实践是一个发现的过程，通过音乐、舞蹈、视觉艺术、时装设计、仪式体验等多种形式应用既定的、有凝聚力的美学语言来表达。作为可见和不可见之间的桥梁，JOJO ABOT激活了那些见证她实践之人的（重新）觉醒，并邀请人们记住我们作为神圣存在的凝聚之力。

10

" 勇敢对话 "

Conversation Galante

2024年1月16日 - 2月24日
Pilar Corrias2 Savile Row，伦敦，英国

⬅向左滑动查看多图Artworks and installation views. © the artists and Pilar Corrias Gallery

“勇敢对话”使用了柯芮斯画廊在康杜义街及萨维尔街的两个展览空间，集结多元的绘画艺术家群体，赞美对话过程、玩乐经验及亲近关系。此艺术家群体的绘画作品营造了有别于都市政治或法律语境的幻想式论坛环境，消解了性别、身份及社会角色的固定性。展览展出了妮娜·香农·阿布尼（Nina Chanel Abney）、安娜·班纳若亚（Ana Benaroya）、凯瑟琳·布拉德福德（Katherine Bradford）、法兰西-丽思·麦根（France-Lise McGurn）、索菲亚·米索拉（Sofia Mitsola）、朴佳熙（GaHee Park）、韩宁·斯特拉斯博格（Henning Strassburger）及迪迪埃·威廉（Didier William）的作品。

展览主题引用了尼古拉斯·兰柯利特（Nicolas Lancret）1719年画作《勇敢对话》（Conversation Galante）的精神；这幅作品描绘了一群在花园中演奏音乐、亲昵并与彼此对视的人物。兰柯利特的作品暗示这一群体逃离压迫性统治，寻觅到反映了被纳博科夫称作“审美狂喜（aesthetic bliss）”概念的土地：“人能够通过某种奇异的方式在某个地方与其他存在状态相联系，而艺术（好奇心、温柔、善意与狂喜）就是这联系的准则。”此次展览旨在营造类似的空间——一座未被驯化的花园，让喋喋不休的观者、艺术家及绘画作品得以构成新的联系。

11

" 太阳被吃掉了 "

The Sun was Eaten

2024年1月12日 - 2月24日

A.I.

1a Tenter Ground，伦敦，英国

⬅向左滑动查看多图Installation view, 'The Sun was Eaten', A.I., 2024. © the artists and A.I.,London

A.I伦敦本月呈现“The Sun was Eaten”，承认太阳作为我们宇宙的中心恒星和丰富的能源之源，在它的普照下整个星系的信仰、仪式和生活方式的多样性。群展展出了三位艺术家的作品：Kent Chan（生于1984年新加坡，居住于阿姆斯特丹）、Fiona Ones（生于1986年德国，居住于慕尼黑）和 Motohiro Takeda（生于1982年日本，居住于纽约）。

Kent Chan的视频作品“Solar Orders”唤起了人们在当前气候紧急情况下景观发生变化的意象，通过三位主角的叙述，植根于跨文化的关于日食的古老神话信仰。艺术家将印加人对太阳神因蒂（Inti）的崇拜与包括中国传统在内的其他信仰进行了比较，日食被视为天龙吞噬太阳——正如“日食”一词所证明的那样，字面意思即是“吃”。DJ合作者Gatasanta在最后一幕中的表演让人想起萨满教仪式，驱除神秘威胁并保护太阳。Kent Chan以一种集体的忧虑质疑世界末日的未来，并鼓励我们重新想象塑造哲学的方式。

Fiona Ones无题石墨画的几何形状经常在许多不同的配置中探索相同的主题。棕色纸上的线性标记从几乎看不见的底层网格中辐射出来；每一个相交，几乎都在颤抖。通常，艺术家会使用一段针画来刺破纸张的纤维。这种仪式般的练习传达出一种温和的催眠感觉；让你怀疑你所看到的东西，或者你是否正在看到任何东西，同时暗示超越。与赋予生命的太阳相反，Motohiro Takeda的星云雕塑是真空的隐喻，象征着自然的脆弱和生命不可避免的循环。烧焦木材的使用参考了生态森林火灾带来的再生能源以及日本的寿杉板传统。

12

" 理查德·杰克逊：可悲的过度 "

Richard Jackson: Wretched Excess

2024年1月12日 - 2月24日
Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois33 & 36 Rue de Seine，巴黎，法国

⬅向左滑动查看多图Richard Jackson, 'Wretched Excess', 36 rue de Seine, 2024. Photo: Aurélien Mole. Courtesy Galerie GP & N Vallois, Paris
20世纪60年代末，加利福尼亚州的艺术（一部仍以男性为主书写的历史）被两种截然不同且对立的趋势所主导：光与空间——极简主义和简约主义；以及装置组合——极繁主义。理查德·杰克逊（Richard Jackson）1939年出生于萨克拉门托，他说自己是在工具而非书籍中长大的，并声称自己受到了抽象表现主义和杰克逊·波洛克行动绘画的影响，宣泄性地将他对这位纽约画家的敬意推向了极致。关于理查德·杰克逊在“Stacked Paintings”系列（首次出现于1980年）中的绘画行为，我们现在可以确认，绘画并不是作为图像再现或创造的手段和审美沉思的对象。相反，它是一种应用于画布的彩色液体，具有雕塑般的品质；它是堆叠的画布，因为它们具有概念性和颠覆性的潜力，最重要的是作为一种值得探索的纪念性体验——或者也许这只是一个“让绘画比看着墙上的一些平面东西更令人兴奋”的问题。

13

" 让·雷内·高更 "

Jean René Gauguin

2024年1月11日 - 3月28日
Vendelmans4th Floor, 6 Conduit Street，伦敦，英国

⬅向左滑动查看多图Jean René Gauguin1' The Sea-Bull (Havtyren), 19273' The Bed of Roses (Rosernes Seng), 1927

出生于法国的丹麦雕塑家让·雷内·高更（JEAN RENE GAUGUIN，1881-1961）的精选雕塑作品的展出，标志着高更作品迄今为止在英国的首次展示。高更是保罗·高更（PAUL GAUGUIN）和他的丹麦伴侣梅特·加德（METTE GAD）的第四个孩子，他一生的大部分时间都在丹麦度过。在那里接受了木匠培训并以海员身份毕业后，高更找到了雕刻艺术的道路。他的知识框架部分建立在他二十岁出头的一系列旅行之上，这些旅行的资金来自于出售他从父亲那里继承的画作。在希腊，高更研究古典人物，在巴黎，他对在巴黎二手集市着迷，在哥伦比亚期间，他又邂逅了当地土著制作的艺术品。

让·雷内·高更在其职业生涯早期因一系列小型青铜器而闻名，但当他将陶瓷引入自己的实践中时，他的国际知名度显着提高。在基于古典神话的大型彩色雕塑之后，这一点尤其真实。本次展览中展出了该系列中的几件作品，这些作品最初由高更雕刻，由他的弟弟波拉（POLA）绘制。这些作品见证了他对运动的着迷和好奇心（特别是动态的动物），以及美丽与怪诞之间的对立。

14

" 埃伦·科扎克与斯科特·D·米勒：河流上涨 "

Ellen Kozak and Scott D. Miller: River-Rising

2024年1月10日 - 2月8日
David Richard Gallery508 W 26th Street, Suite 9F，纽约，美国

⬅向左滑动查看多图© the artists and David Richard Gallery

David Richard画廊本月推出了展览“River-Rising”，这是一场由Ellen Kozak和Scott D. Miller合作的四通道视频及音乐装置展，还有Kozak在2022-23年创作的一系列夜间画作。同名作品“River-Rising”是在法国加龙河、毕尔巴鄂河口和哈德逊河这三个河口的海岸线拍摄的。此外，沿着威尼斯泻湖拍摄的夜间照明的重复节奏片段散布在整个通道中。这部片子由仔细观察和逐渐变化的图像组成，激发人们对河流作为一个生命有机体的认同。这些图像在外观上是抽象的，传达了河流的运动和亮度，但没有提供视图或现实的表现。科扎克将河面作为一个巨大的水生镜头和合成器，吸收反射、颜色、运动和图案。这部抒情作品中蕴藏着对我们继续对生命水道造成的生态破坏的深切不安。

15

" 杰克·科恩：物种 "

Jake Coan: Species

2024年1月4日 - 2月13日
HOSTLER | BURROWS6819 Melrose Avenue，加州，美国

⬅向左滑动查看多图Installation view of 'Species'. Photo: Sarah S. WallachHostler Burrows推出了美国艺术家兼设计师杰克·科恩（Jake Coan，b.1991）的展览“Species”。这是科恩的首次个展，展览展示了一系列通过多种媒体创作的新雕塑灯。这些作品以黄铜制成，配有石质支撑和手工制作的纸质扩散器。有些是用青铜铸造的，或者是用从科恩家和工作室附近的森林收集的干马利筋树枝和岩石制成的。杰克·科恩的作品配备了微型 LED，弥合了雕塑和功能性物体之间的界限。杰克·科恩在哈德逊河谷长大，是一位建筑师和陶艺家的儿子。他毕业于巴德学院，在那里获得工作室艺术学士学位，现在纽约州北部生活和工作。