艺术类似爱情，价值的高低全凭带给你多少感受力
我们不知道艺术未来的走向，但作为一个生物，我们永远都具有感受它的力量。
——蓝冰夫人的信笺
艺术画廊里价值1亿元的画对你来说毫无冲击力，而吸引你的偏偏是街边不足为奇的艺术家作品，没事，别觉得汗颜或自认不懂艺术，这其实才是艺术的真正魅力：没有标准答案，全凭对你感官的刺激程度……这是蓝冰上周末在一节艺术课堂上最大的收获心得。
要说怎么得到这个结论，还得让我们从头捋一遍蓝冰在课堂上学到的一些重点：
人们是如何在满足果腹温饱的需求之后，开始闲得DT的艺术之旅的呢？首先我们得回到古老的中世纪。
1、中世纪：公元5世纪-15世纪；
最早的艺术创作都跟神有关，古老的欧洲大陆整个文化都被宗教控制，所以早期的艺术创作题材都围绕圣经展开，类似耶稣、耶稣受难等，那时候的人们觉得人体污垢是上帝赐予的，使其抵御疾病，也不会洗澡，所以很容易大规模爆发黑死病、瘟疫等，但人死后解剖又是禁忌，所以也没人研究也没人敢研究人体、人体解剖这件事，导致画出来的画即使出现人体也基本是意淫，都不符合人体工学，长这样↓↓↓
2、文艺复兴之前；
很快要讲到对人体工学特别精细打磨的文艺复兴时期，那么在文艺复兴之前发生什么了，后面的复兴要复兴什么呢？
这得从1863年于爱琴海北部萨莫色雷斯岛挖出的萨莫色雷斯的胜利女神讲起。
大家在发现这座虽然残缺但体态轻盈婀娜的雕像之后，突然意识到对艺术的探索不能仅局限于神了，得开始追求人体本身的美。
3、文艺复兴时期：14-17世纪；
于是，就慢慢有了文艺复兴，即复兴这种追求自然真实的人体美学。这时期有两个代表人物，一个是天才型选手达芬奇一个是勤奋型选手米开朗基罗。
艺术巨匠米开朗基罗(1475-1564)，是非常努力非常努力的代表，他的雕塑作品甚至能看到清晰的血管脉络，属于非常写实了，代表雕塑作品有《大卫》；而他的壁画代表作就是《创造亚当》，画中对手指的动作也给《ET》等多部电影带来灵感启发。
《创造亚当》
与米开朗基罗相反，达芬奇(1452-1519)恰恰是天才型选手。看过《达芬奇密码》的童鞋应该知道，达芬奇本身就是个谜一样的男子，甚至带着一点自恋，甚至有人推测他那副《蒙娜丽莎的微笑》都是他的自画像。
《蒙娜丽莎的微笑》
达芬奇还有个旷世奇作《维特鲁威人vitruvian》，画出了人类完美的身体，复原的是1500年前的理论，即人体可以在一个圆中找到完美比例，从中还能看到黄金分割等重要信息。
《维特鲁威人vitruvian》
文艺复兴的意义在于从此人体解剖的禁忌被打破了，艺术家开始追寻人体和大自然的秘密，赞美饱满的女性身材。这时期有很多有钱人、贵族开始定做肖像画，画他们自己、老婆、情妇等等，所有画中的道具都是画主人身份的象征，这相当于现代人给自己拍了一张职业照，卖人设。画完画后，还得办酒会、邀请邻居同僚一起来揭幕这幅画，终极目的在于炫富。
4、巴洛克时期：艳俗浪漫的宗教17-18世纪；
巴洛克时期开始追求繁复而华丽的美，当时的时代生活状态是，大家吃饱穿暖，物质丰富有闲钱，暴发户也多了，于是巴洛克时代的艺术作品特别崇尚使用大量的红色、紫色、粉色，这些颜料都是从矿物质中提取，一般是贵族才能穿的颜色，都很贵。
卡拉瓦乔Caravaggio(1571-1610) 的画是chiaroscuro明暗对比运用最强烈的代表人物，比米开朗基罗晚了不到一百年，在此之前的画整体偏亮，他的画有种从暗处浮出来的感觉，非常生动。卡拉瓦乔擅在画中使用大量黑色红色，增加了视觉刺激。在此之前的艺术家把人体骨骼筋脉都研究得透透的了，于是，卡拉瓦乔开始注重画中人物的造型以及整体构图。
《酒神巴克斯》
《耶稣下葬》在16世纪保守争议，这幅画内容是讲耶稣被救下来后放入棺椁等待复活，争议点是卡拉瓦乔把耶稣画得过于像人而不像神。但因为卡拉瓦乔画艺太好了，当时还是有很多人找他画画。
《耶稣下葬》
现实主义画家伦布朗 Rembrandt(1606-1669) 也是巴洛克时期的代表大师，他的作品对当代艺术影响非常强，比如代表作《夜巡》，对比此前的画，这幅画明显加入了“打光、阴影”，增加了舞台感和戏剧性，对接下来几百年都有影响力，导致后期电影摄影中的布光都称为伦布朗式布光。再来看《夜巡》这幅画，本来是给一个势力连队作的画，里面人物应该像领导合影一样，根据位子高低分出优先级来，但伦布朗天生狂放不羁，想站着把钱赚了，偏偏不在画中凸显关键人物，从此没人再敢找他，伦布朗最终也死于饥寒交迫。
但总体来讲，伦布朗工笔很扎实，氛围铺垫很厉害，如果做个比喻他就像是个搞话剧的，注重舞台，而上面提到的卡拉瓦乔更像是搞广告的。就如现代人也是一样，搞话剧的往往容易把自己饿死。
《夜巡》
5、印象派：19世纪60-90年代；
印象派前身巴比松派，就是一帮画家开始跑去画风景，开始没人给钱，当时有钱人还沉浸在“室内摆拍”的肖像&挂历画上。但印象派的前身巴比松派就是画光，画太阳、月亮等自然风光，也意味着艺术家从此走出画室开始接触大自然了。
这些宅人怎么突然就变成一堆嬉皮士了呢？这源于19世纪他们接触到日本大量的浮世绘，浮世绘就是画的一群市井故事，虽然很平面，但并不是那种“摆拍的室内肖像画”，而且浮世绘同样被日本有钱人买账。
日本浮世绘
而当时的艺术中心法国，还处在“艺术沙龙”模式，所有价值连城的画都需要被学院认可，必须在沙龙展出，沙龙的主人相当于学院派老大，他会邀请一帮社会名流聚在一起喝酒聊天，然后买买买，所以印象派这些人并不受“学院沙龙”待见。
于是，1874年，一群沙龙艺术家并不认可的艺术家，自己办了一个沙龙，办了第一次印象派画展，参与的人有莫奈、雷诺阿、德加、塞尚等一群进步青年，现在看真是历史的一刻。
其实，并无明确的印象派画风，“印象派”只是指脱离以前在画室里的创作，而凭自己的感知和对大自然的接触来作画，所以印象派的英文源自Impression，更偏重瞬间的感觉。
首先说下印象派的领军人物，马奈Manet(1832-1883) ，代表作之一《吹笛少年》，这幅画非常之贵，现珍藏于法国奥赛博物馆，那么它值钱在哪。首先是马奈的地位，他算印象派中的“长老级”人物，对现代广告和插画艺术有非常明确的指引；其次，这幅作品线条极端简单又非常扎实的造型，没有繁复的背景支撑，艺术创造讲究三个点，点线面，这幅画都占了。(实物的艺术震撼力远比平面的图片更强一些，建议大家有机会去博物馆一览)
《吹笛少年》
画画跟文字表达不一样，文字需要创作者经自己思考、消化，使之更具逻辑性，而画画更为直接，画家感受的东西甚至不需要消化，直接用画笔去展现，你可以跟画家一样去感受，就像给你一面镜子，你感受的东西可以和他感受的东西不一样，但同时你也受到了刺激，不需要调动逻辑的大脑的刺激。
马奈实际上一个朋克青年，回顾他之前的画，从不考虑远近透视，“去它的透视，我才不管是神马”，在文艺复兴时期有一套专门的透视算法，学过设计的人知道打格格和近大远小，没有透视之前的画就像《清明上河图》，把人扁平展现在画上，完成了故事的描述，不考虑美和现实。随着数学出现，又开始计算透视，单点透视和双点透视都是有算法的，每个艺术家同时都是数学家，没有透视在当时也算异端了。
体现马奈叛逆本性的另一作品就是《草地上的午餐》，此前敢脱光衣服的画中女人只有神和天使。而这幅画中的裸女是个普通女人，同时还和两个男人在一起，对于当时是非常大的挑战。
《草地上的午餐》
马奈不考虑远近透视的创作方法也影响了后面的艺术家，大家都不再执迷画格格了。
印象派另一代表人物是德加Degas(1834-1917) ，他是个有钱富二代，跟出去画风景的画家不一样的是，他有权限跑到一些小众地点作画，比如芭蕾舞后台、赛马场……德加很喜欢用粉彩条，一种有点像粉笔的工具但更为细腻，所以他的画不会特别贵，就像留了一张粉笔板报(会持续掉色)。德加擅长对瞬间的捕捉，他的画又多又糙，但非常生动，画马的图，画舞者的图没有主次，都是对瞬间的捕捉，纯粹在表达当下的感受，如抓拍的照片一样，他对后面的艺术家启蒙很大。
德加作品几个瞬间
莫奈 Monet (1840-1926) 不管是画睡莲还是其他作品，都是反复创作，而试图捕捉不同光影下的瞬间，每一张都像描绘不一样的光斑。
《伦敦议会大楼》
《睡莲》
莫奈的小粉丝，梵高 vincent van gogh (1853-1890)，也画了大量的光，感受力更加细腻↓↓↓
《草垛》
对梵高最大胆的猜想，是他用色强烈可能源于他色弱，比如他的作品里红里带紫、红里带绿，这究竟是补色处理还是源于色弱，不得而知。他对于光的捕捉跟莫奈一样，那么为何贫困潦倒呢？蓝冰认为当时的人必定也能感受他画中的力量，只是不敢承认。那么问题来了，对于一个你不太熟悉的当代画家，你会出于升值来收藏他的作品，还是会源于第一眼的触动而为他的作品买单呢？
《星空》
《向日葵》
5、印象派中衍生出的立体派；
立体派就像折纸一样，把物体的每一面都同步展现给你，而不限于展示其中一面。
立体派代表人物之一塞尚(1839-1906），他的作品运用反透视，比如《玩牌者》中人物、帽子都是不合比例的；《静物、窗帘和鲜花花纹的水罐》中可以看到桌子不齐，果盘走形，因为这幅画塞尚是转着圈画的，画了不同面，扔掉了透视和文艺复兴那套东西。这种捕捉瞬间的感受力后续也影响到了毕加索。
《玩牌者》
《静物、窗帘和鲜花花纹的水罐》
毕加索(1881-1973) 最擅长的就是把东西的每一面都折成一面给你看。
《哭泣的女人》
6、表现主义：20世纪，反叛；
表现主义，比印象派更为直接的表达，我们终于进入一个纯粹为了取悦自己而欣赏一幅绘画的时代了，而非以前的宗教主义或是炫富。
分离派领军人，克林姆特(1862-1918，奥地利 ) 家里是金匠，所以经常用金箔作画，而且均价值不菲，他的画不需要什么门槛，有文化没文化土豪贵族都喜欢。克林姆特的作品构图和造型对当代广告影响颇深，你能想象这是100年前的构图吗？
《吻》
埃贡席勒(1890-1918，奥地利 )，只活到了28岁，但他的画非常值钱并且还有升值空间，是个旷世天才。上面提到的克林姆特是席勒的师傅，但席勒的作品线条更具力量感、表现力，直接打赢了师父克林姆特，很快成为当时的NO.1。席勒私生活感情中是个渣男，我们会在未来的一期专门818席勒这个人，但回到他的作品来看，他的绘画风格对现代艺术影响很深，早期《读者》《故事会》中的插画都是此类画风。在多禄泰拍卖行去年的大拍中，席勒的一幅作品以1400多万最终成交，所以是迄今买得到又非常有收藏价值兼具艺术性的大师作品了。
席勒妻子Edith肖像
最后再说说蒙克(1863-1944) 及其代表作《呐喊》，这幅画纯粹属于感受型作品，不是很重要只是比较有趣，经常被各种恶搞。关于这幅画背后有个小故事，有一天，蒙克走在桥上，突然听到一阵凄厉惨叫响彻山谷，他觉得震耳欲聋捂住了耳朵，所以这幅画描绘的是捂住耳朵而并不是他在尖叫。
《呐喊》
所以关于艺术，蓝冰觉得更似爱情，一段带给你体验的东西，它的价值高低全凭带给你多少冲击力、瞬间的感受力。我们不知道艺术未来会往哪走，但作为一个生物，我们永远都具有感受它的力量。
图|来源网络