在我看来 | 史蒂夫·马丁：“好的作品永远在给予”
MoMA与BBC联手推出视频栏目
“在我看来The Way I See It”到了第三集，
这一次的嘉宾可了不得了——
这个身影是不是很熟悉？
没错，他就是史蒂夫·马丁（ Steve Martin）！被称为好莱坞“白头翁”的史蒂夫，不仅他的电影《粉红豹》、《我为喜剧狂》、《儿女一箩筐》等家喻户晓，还在喜剧片的表演上精益求精，先后获五次金球奖提名。
他也是《周六夜现场》的明星嘉宾，还曾多次担任奥斯卡和格莱美颁奖典礼的主持，因此深得人心。
但可能你还是不够了解他的多才多艺：他还是一位屡次获得格莱美奖的五弦琴演奏家和作曲家；创作了许多戏剧、短故事和小说，不乏对艺术世界的辛辣讽刺。
就在今年，马丁担任特邀策展人，在波士顿美术馆策划了加拿大风景画家劳伦·哈里斯（Lawren Harris）的展览——于是，他丰富多彩的履历上又多了“策展人”这一角色。
艺术在史蒂夫·马丁的生活中
一直扮演着重要的角色，
他热衷于收藏，独具慧眼，
建立了一套属于自己的收藏体系。
MoMA绘画与雕塑部首席策展人安·特姆金（Ann Temkin）和他一起逛了逛MoMA的馆藏，意料之外又在情理之中，这两幅作品吸引了马丁：
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斯坦顿·麦克唐纳·莱特
（Stanton Macdonald-Wright，1890–1973）
于1917年创作的《色彩交响》（Synchromy）
摩根·罗素（Morgan Russell，
1886-1953）
于1922-1923年创作的
《色彩形式交响曲（理念）》（Color Form Synchromy <Eidos>）
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这两幅于20世纪早期出自美国艺术家斯坦顿·麦克唐纳·莱特和摩根·罗素之手的作品在MoMA名作济济的馆藏中显得有些冷门。
但马丁坚定地选择了自己的直觉，其中的理由也不禁让人好奇：
Synchromy：色彩交响
斯坦顿·麦克唐纳·莱特和摩根·罗素是两位出生于美国的艺术家，史蒂夫·马丁看到这两幅20世纪初的抽象作品，便果断下了判断：“我相信这两位艺术家那时候都在巴黎。”
确实如此。罗素与麦克唐纳·莱特先后于1906年和1907年来到巴黎，并于1911年成为同学，两人很快成了艺术探索之路上的好伙伴，开始发展有关色彩的理论。在欧仁·德拉克罗瓦（Eugène Delacroix）、后印象主义和野兽派的启发下，1912年，罗素与麦克唐纳·莱特共同创造了一系列有关抽象色彩的作品和理论，统称为“Synchromy”，后来有人将其称为“色彩交响”。
左：斯坦顿·麦克唐纳·莱特自画像
右：摩根·罗素自画像
“我努力将自己的艺术从所有的叙述性和解释性中剥离出来并净化，让观众的情绪只剩下纯粹的审美，就像是在聆听美妙的音乐一样……我将我艺术中所有的自然表现都抛弃了，但仍保留了一些基本的构图规则（比如色块的位置和移动，就像是运动中的人体一样），并通过色彩的形式创作了我的图像，它在三维的构图中形成了节奏。”麦克唐纳·莱特这样回忆那个时期的作品。
“好的作品永远在给予”
然而，对于史蒂夫·马丁来说，直觉永远比理论重要。
他喜欢直接看，直接感受。
“我可以看这些画看很久，
因为这里有很多不同的细节，
然后它们成功地合为一体。”
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斯坦顿·麦克唐纳·莱特作品
中的丰富色彩细节
斯坦顿·麦克唐纳·莱特和摩根·罗素所开创的“Synchromy”理论在当时并没有掀起多少波澜，在MoMA的众多馆藏中，这两幅画显得艳丽而孤独。这也正是马丁对它们一见钟情的原因。
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摩根·罗素作品中的
丰富色彩细节
马丁和特姆金相互交流着：颜色就等同于音乐一样，浸染了很多的情绪与韵律。
“看着这样的作品，难道你不想唱歌吗？”马丁笑问。
这两幅作品之所以重要，是因为它们展现了“仅仅凭借纯粹的颜色和不同颜色之间的交融，便可以创造出构图所需的所有形式”。
对于马丁来说，他更相信
“随着时间推移，图像能够逐渐显现出自身，
不断地回看，好的作品会一直给予。”
“它看起来像一张风景画！”马丁忽然在麦克唐纳·莱特的作品中有了新发现！
“现在我确信它就是一张风景画。什么都不会改变我的想法！”
“但如果我在一件作品面前又坐了一个小时，通常来说，这幅画又会变了个模样……”
或许这就是所谓抽象色彩的魅力，
它永远似是而非，美丽也神秘。
在一种颜色与另一种颜色的交融中，
仿佛蕴含了一万种可能，正在被时间慢慢释放。
那么在你看来，这两件作品又意味着什么呢？
关于“在我看来The Way I See It”
这是MoMA与BBC联手推出的视频栏目
邀请30位来自不同领域的的专家学者
选择他们各自中意的作品进行分享
在更多元的分享角度下
激发更多作品的不同魅力
“点在看，夸别人抽象也是褒义词噢”
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