一根香蕉🍌卖了12万美金？
今年的Design Miami艺术巴塞尔大展仿佛被几个重要事件充斥着，上周三的VIP预展上，“一根用胶带粘在墙上的熟透了的香蕉，以12万美元售出的艺术品，并且已经被一名独立的行为艺术家吃掉！”变为艺术圈最火的事件蔓延开来。
Installation view of Maurizio Cattelan, Comedian , 2019.Photo by Zeno Zotti.Courtesy of Perrotin.
这件原始艺术品名为“喜剧演员”的作品由意大利艺术家莫瑞吉奥·卡特兰（Maurizio Cattelan）创作，在中国他曾被Gucci邀请策划在上海余德耀美术馆举办的「藝術家此在」特展，同时他也是最能代表后杜尚主义的伟大艺术家之一。然而，这个事件恰恰也证明了艺术品的价值，艺术如果只是一个直向、单一的意图，那它便是个不成问题的问题，毫无趣味可言。然而，艺术是要能够被参与的，它该具备一种责任感，一种勇于捍卫他人可能屏弃之立场的责任感。
说回近年来已经形成美洲最大的艺术市场的迈阿密，今年第18届迈阿密海滩巴塞尔艺术展（Art Basel Miami Beach）有超过200家著名国际现当代艺术画廊带来超过4000位艺术家的绘画、雕塑、装置、摄影、影片及数码艺术等作品。巴塞尔已经成为了最难打入的「高贵玩家俱乐部」：全球顶级画廊在展位各显神通，纷纷拿出最炙手可热的艺术家，疯狂地吸收着世界的注意力。在巴塞尔艺术展的影响力之下，迈阿密的艺术社区在不断地扩大。今年的第15届迈阿密设计展（Design Miami）于12月5日至8日如期举办，它也是全球范围内最重要的工业和家具设计展会之一。本次展览由策展人Aric Chen将主题定为：Elements : Water. 从而探讨人与地球的关系，聚焦对自然资源、产品材料和制作方式的思考。
为什么要来巴塞尔？在这个艺术市场的第一前线，今年哪位艺术家最畅销，哪家画廊最有创意，哪些作品将直接进入私人收藏永不见天日……都可以一览无余。居上编辑部 精选了本次展会上最受关注的 TOP15 名艺术家，共同感受他们的思辨之旅。
艺术是生活的镜子；艺术是感情的传递。
——列夫·托尔斯泰
|| 开始之前，让我们与巴塞尔艺术展美洲区总监Noah Horowitz一起深入现场了解巴塞尔艺术展迈阿密海滩展会内外最不能错过的6大展会亮点。©️视频来自巴塞尔艺术展
“重要性顺序”
艺术家：Leandro erlich
“只要对这些建筑空间稍加改造，一切，都将会颠覆了你的认知与想象。”
今年46岁的艺术家Leandro Erlich出生于阿根廷的一个建筑世家，他的艺术创作深受神秘悬疑的电影美学和南美魔幻主义小说的影响。所以其作品通常以其独特奇幻的空间错觉而著名，因为Erlich总能将众人所熟知的日常情景中似简单空间玩转成充满假象和疑惑的视觉迷宫。
“重要性的排序”是 Erlich 迄今为止最大的装置艺术作品。在迈阿密林肯路的海滨上，按重要性顺序重塑了我们21世纪的现实，艺术家就地取材，以沙子为媒介塑造了66个真人大小的汽车和卡车雕塑在虚构的静止状态下排队。
一个个随风即逝的沙雕艺术品就如同我们的生活一般脆弱，以此可以延伸到气候变暖所带来的海平面上升等一系列环境问题，带入我们去到未来，十分具有启示性意义。
正如伽达默尔所说：“艺术带来一种特殊的时间体验，我们因此学会了停留。” 想必大家在今年8月份在北京结束的“太虚之境”展览上对他的作品《连根拔起》《游泳池》等系列作品已有所耳闻。
Leandro erlich中国展览
“不断以泳池为设计标志的
艺术家”
艺术家：Elmgreen & Dragset
丹麦艺术家 Michael Elmgreen 与挪威艺术家 Ingar Dragset 在1995年就开始开启合作之旅，从表演艺术形式到各种各样的装置。其中，以游泳池为主题的艺术作品也成了他们标志，借以泳池来间接表达同性恋（homosexuality），通过一些变形扭曲的的游泳池和小便池，来反讽当代社会中对于同性恋文化和传统婚姻的思想。
Bent Pool，2019
Elmgreen & Dragset 的最新艺术装置作品「Bent Pool」本次在迈阿密设计展上展览出，通过扭曲的U形泳池以传统极简主义还原了传统和几何的。泳池恰好也与迈阿密处于极端天气与海水泛滥之地的特点不谋而合，因此这件作品侧面也反映出了人与周边环境的关系探讨。
Van Gogh’s Ear，
2016装置艺术「Van Gogh’s Ear（梵高之耳）」座落在纽约Rockefeller Plaza，酷似梵高的耳朵，具有极高的辨识度。
Prada Marfa，
2005通过不同的艺术作品来探讨当代艺术的定义与边界。除了著名的泳池系列外还要当属那个座落在得克萨斯沙漠公路上的一间 Prada Marfa 商品店了。
“全民设计”
艺术家：Studio Swine
英国设计师Alexander Groves和日本建筑师Azusa Murakami，作为夫妻档的设计师共同毕业于英国皇家艺术学院产品设计专业。他们总是带来超越感官与想像的创意，把设计、艺术、诗歌、电影、旅游以及对环境的负责态度结合在一起，用设计师的责任感予以诠释。
英日设计二人组Studio Swine制造了气泡，为Instagram在迈阿密设计展的首次展览提供了展览空间。该展位全部材质由100％可回收PVC制成，这也是与可持续设计理念相契合。该摊位将主持设计师Yona Care，The Alleles Design Studio，Kano和Deva Pardue的作品，主题为“全民设计”。
2017年与知名服装品牌COS合作的的New Spring系列作品于4月在米兰家具展首次亮相和同年12月在迈阿密的Design Miami展出后，上海是该作品的全球巡回的其中一站，与不同的城市特色结合，在米兰，它加入了喷泉、古典拱顶和枝形吊灯等意大利元素。在迈阿密，装置则糅合了红树林沼泽的环境和迈阿密南海滩的装饰艺术。New Spring装置也呈现出不同的艺术效果，给人以不一样的感受。
“马克·安格的美丽花园”
艺术家：Marc Ange
在生于罗马，长于巴黎的成长背景之下Marc Ange似乎天生就与设计与艺术有着不解之缘，在这两个欧洲非常重要的艺术之都中,他受到了两地历史、建筑和文明的熏陶,十分喜欢文艺复兴时期的绘画和建筑。从品牌理念的奢侈高端，到单品空间的精致不凡。他的作品正如花儿开放的瞬间，向每一个生命展示着光影交错，黑白交融,日夜变幻的美丽。
在本次迈阿密设计展中他将意大利室内设计公司Visionnaire的陈列室与美丽花园（The Garden of Beauty）合并。郁郁葱葱的展厅中展出一系列受孔雀羽毛启发而设计的装饰性家具。名为“ il pavone”的系列中的采用70年代复古风格的骆驼皮革，充满活力的蓝色和绿色定制织物，以及富丽堂皇的黄铜的孔雀椅为限量版，被描述为“探索诱惑而绝不妥协”。
同样粉色森林式沙发的装置 Le Refuge 的设计也曾在米兰设计周上大放异彩，赚足了各路众人的眼球。
“建筑异变”
艺术家：Daniel Arsham
“阿尔舍姆摆脱了艺博会的传统限制，将空间变成了一个众所周知的艺术馆，既是阿尔舍姆叙事的一部分，也开辟了新天地。”
没有人能够比自幼生活在迈阿密的美国新生代艺术家丹尼尔·阿舍姆（Daniel Arsham）更为了解迈阿密这座城市了。在今年的迈阿密设计展上他与纽约画廊弗里德曼·本达（Friedman Benda）通过打破了常规的传统展位的形式，创造了一种全新沉浸式的空间装置，整个空间成为了一个半透明的淡青绿色盒子，以推出具有未来感的家具。其中名为“上海” 的椅子由树脂制成。椅子被侵蚀的表面效果是阿舍姆极具个人主义风格。
“一切都是短暂的，作为有机体，终究有被分解腐烂的一天，而这个趋势是不可逆的，本质上我们都是等待中的化石或文物。”—— 丹尼尔·阿舍姆（Daniel Arsham）
奇异审美的形成还要源于Arsham天生对于色彩的弱敏度，天生色弱的他并未因此感到不便，反而致使他更加专注于建筑和雕塑的结构、材质及肌理变化。另外，表面具有侵蚀破败效果的强烈个人风格也要不得不提起他幼年在迈阿密经历的安德鲁飓风，在这场灾难中家园的破坏，多人的丧生，使他开始思考无常，并认识到这是一个不存在永恒的世界。
从此在后来的作品里，我们经常能看到被风侵蚀过的表面肌理，Arsham通过他独到的工艺与技法，让建筑结构呈现出其本身不应具备的形态，被称为「建筑异变」。
直到2015年，Daniel Arsham收到了由EnChroma制造的色盲眼镜，帮助Arsham体验到更多色彩，在后期作品中也有越来越多的高饱和度的色彩出现。除了艺术价值外，带有特定个人风格的「建筑异变」无疑也为Arsham带来了巨大的商业成功，Dior、Rimowa、New Era、adidas等诸多知名品牌都与之合作推出了联名产品。
“巴黎之花”
艺术家：MaisonPerrier-Jouët
Perrier Jouet（巴黎之花）是世界上最负盛名的香槟酒庄，其质优价高让众多的品酒人士魂牵梦绕。Maison Perrier-Jouët 和 Design Miami 在过去的八年中一直有过合作，致力于为新兴艺术家和设计师提供了一个平台。
今年，他们正在与设计师组合 Analogia Project 中的意大利设计师Andrea Mancuso合作，将六种将传统工艺与现代技术结合在一起的集合。该系列将由成千上万的陶瓷作品制成，仿制葡萄园酒窖的景象成为了一个大型的装置艺术。
Analogia Project，由设计师Andrea Mancuso和建筑师Emilia Serra于2011年在伦敦成立。他们的目标是通过激发旁观者想象力的叙事项目创造新颖的视觉体验，他们通常以日常的空间和物体用作灵感，用实验性的方法将其创造出出人意料的惊喜，并赋予其极强的叙事内涵并与Bulgari, Fendi,Hermes等知名品牌保持着合作关系。
“Fendi的斗兽场”
艺术家：Studio Kueng Caputo
自2008年开始 Design Miami 就与 FENDI 展开合作，今年 FENDI 委托苏黎世设计事务所Kueng Caputo (由Lovis Caputo及Sarah Kueng主理) 创作一系列全新作品，以此装点 Fendi 总部意大利文化宫 (Palazzo della Civiltà Italiana) 的外立柱廊。
这幢「方形斗兽场」(Colosseo Quadrato) 位于罗马近郊，是最著名的20世纪罗马建筑，外墙利用纯白的洞石雕琢出巍峨的拱顶柱廊，为罗马市貌镀上恢宏气派。
Kueng Caputo从这幢经典建筑出发，探索大楼与FENDI品牌基因互动的方式，催生出Roman Molds系列，捕捉传统工艺被创意颠覆所产生的张力，这股张力一直启发FENDI创造出无数传世杰作。
设计师以Roman Molds系列作为答卷，他们将FENDI标志性的Selleria罗马皮革与陶土砖块相结合。FENDI的Selleria皮革质地柔软，设计师赋予了它硬度和强度，将其变为一种结构式材质。
通过模塑的方式，他们把这种皮革转化为可以承重的坚实材质，凭借截然不同的观感和触感成功打破了大众对皮革材质的固有期待。
“沉浸式展览”
艺术家：Fermanado Laposse
这场展览欢迎所有户外活动爱好者在迈阿密设计区漫步，沉浸式展览“Pink Beast”中。受可持续发展性和传统民间艺术的启发，墨西哥设计师 Fermanado Laposse 与 纺织设计师 Angela Damman 合作，共同创造了一片粉色流苏与毛茸树獭，惬意地悬挂在热带棕榈树上。
此装置包括十个雕塑吊床，这些吊床将悬挂在金属结构上，并直接悬挂在棕榈树上供公众使用。粉红色的野兽、令人着迷的粉红色风景是通过用由胭脂红（仙人掌中生长的墨西哥中部原生的微小寄生虫）制成的天然染料使剑麻纤维染色而实现的。
Fermanado Laposse 自2012年毕业于伦敦中央圣马丁学院后，他就一直致力于各种项目的可持续性设计，让各种天然材料在日常生活中发光发热。其中由墨西哥本土的玉米壳制作而成，名字叫做“Totomoxtle”的系列，让人眼前一亮。
“南方海滩故事”
艺术家：Sasha Bikoff
Versace与室内设计师Sasha Bikoff合办的展览以品牌悠久的文化及传统为主旋律，借由 Versace家族在1993年出版的书籍 《南方海滩故事 / South Beach Stories》为灵感来源。
为了向该书致敬，“展览如书一样，分享一群真正的艺术家来到这座城市，然后发挥极大的文化和创意影响力，至今依然留在我们的脑海和心中。”Sasha以 Versace 的经典设计为灵感，创作独一无二的家具精品，并与它们代表的独特服饰同场展出。
她参考1994年的春夏造型，以色彩夺目的滑浪板制成睡床，并铺上装饰艺术风格床单。令人印象难忘的 1992 年秋冬「Miss S&M」系列连身裙，则变奏成加上皮革绑带细节的秋千，并饰以镀金的 Medusa 装饰。
Sasha Bikoff 被《纽约邮报》誉为“曼哈顿富有千禧一代的装饰家” ，她的设计必将为游客带来不一样的家居装饰灵感。独一无二的家具作品的色彩充满了大胆，明亮和轻快在高贵的霓虹灯下展示，复古怀旧的氛围就会散发而出。
“旅行的意义”
艺术家：Andrew Kudless
美国设计师安德鲁·库德利斯（Andrew Kudless）的浪潮架（Swell Wave Shelf）加入了路易威登（Louis Vuitton）的Objets Nomades这个设计迈阿密的著名马stable。
该装置由橡木和皮革制成，是对自然世界的强大力量和微妙平衡的优雅沉思，通过起伏不平，光滑打磨的木板灵敏地唤起，并通过皮带完美固定。
按照传统，这位旧金山设计师的作品被其他前几年的限量版作品包围，包括India Mahdavi，Patricia Urquiola，RawEdges，Nendo和Campana Brothers的作品。每件作品既优雅又实用，忠实于品牌创始人创立的“旅行艺术”精神。
“平衡设计对环境的影响”
艺术家：Harry Nuriev
Crosby Studios由来自俄罗斯的建筑师Harry Nuriev创立，在近几年来开始在设计界崭露头角，而创始人Harry Nuriev更是被评为Instagram最受喜爱的设计师。他的作品有个很鲜明的特点，就是敢于大胆地使用单色。
此次展览他与Balenciaga联手打造的Balenciaga沙发。旨在唤起人们熟悉的La-Z-Boy风格。此系列沙发的设计，致使许多破损或者无法出售的服装以及Balenciaga服装库存的剪裁物，在透明聚乙烯材质的包裹下重新焕发生命力。并且具有启示意义，设计师意在点燃大家对于平衡设计对环境的影响等问题，并致力于实施使废物循环再利用并为环保做出贡献的计划循环经济。
值得一提的是这不是nuriev第一次与之合作。在去年，他就曾创建了办公室——一个雕刻装置，配有经典的转椅，笨重的空调和复印机，均标有balenciaga徽标。
“ 对我而言，色彩就像人一样。当我坠入爱河时，我会努力使这种关系发挥作用。粉红色是一种极大的激情。” 除了粉色之外，代表俄罗斯的明亮的皇家蓝和铜管金色都是他最常用的色彩。
非洲，“鸟巢”住宅
艺术家：Porky Hefer
Porky Hefer是一位曾经在广告行业做了16年的广告人，虽然做广告可以满足他释放创意和脑洞的欲望，但他依然感觉备受限制，所以在2007年的时候毅然离开广告公司，并自己创立了一家创意工作室 Porky Hefer Design。
Porky 对非洲本土手工艺十分着迷，而且受到了非洲艺术和文化的极大启发，他希望作品能够被赋予原始、质朴以及充满奇趣冒险精神的特质，让使用它们的人在精神上都能够被带入到一个自由和被解放的新境界。
Porky Hefer还曾经对鸟巢错综复杂的建造过程展开了研究，通过学习这种技术而设计的一系列适合人居的大尺度鸟巢。这所位于纳米比亚僻静的非洲别墅是设计师的第一个建筑，并被宣布为2019年Wallpaper大奖最佳私人住宅的得主。
今年的Design Miami上扩大了他的吊椅系列，增加了一系列皮革座椅，每个座椅代表一种不同的分子化合物。每一种都包括三种圆形形式，这些圆形形式覆盖在颜色级别上以表示不同的原子，白色表示氢，红色表示氧，绿色表示氯。Hefer用钢框架制作表格，然后与开普敦皮革公司Wolf＆Maiden合作。
“一加仑美元”
艺术家：Virgil Abloh
Virgil Abloh曾被《时代周刊》评为“2018年全球最具影响力100人”。身兼数职的他不仅是美国界的网红、高街潮牌OFF-White的创始人、LV首位黑人男装设计总监、还是著名音乐制作人、DJ以及Kanye West的长期创意总监。
“一加仑美元”是 virgil abloh 创作的雕塑，展示了艺术家对广告对印象派影响的研究和研究的窗口，该作品是综合媒体的综合灯塔。
该框架让人联想到一个汽油标志，该标志传递了有关各种类型汽油及其各自价格的信息，同时也是广告赞助商的商品。该系列作品在全球范围内的出现特别针对迈阿密设计区，该地区的最终定位意味着将商业概念和必需品重新包装为品牌，同时强调通过地理位置的重要性。
巴西现代实体主义
艺术家: Ernesto Neto
有着巴西当代艺术界的领军人物之称的Ernesto Neto，其作品常以弹性极高的尼龙材质制作的大型软体抽象装置而著名。这些软体装置通常会被固定在天花板上，被拉扯下垂形成各种大小不一的形状。他的灵感部分来自于巴西现代实体主义(neo-concretism)。
Neto的艺术是一种体验，它们时而和人的身体发生关系，时而类似人体器官。他自己描述他的作品是一种从内部对身体景观的一种探索和表现。对于neto的作品最重要的是参观者应该动起来亲自去和作品产生互动，通过身体接触，气味等去感受。
“不锈钢锅盖高跟鞋”
艺术家: Joana Vasconcelos
葡萄牙艺术家乔安娜·瓦斯科塞洛斯（Joana Vasconcelos）以在不锈钢锅和锅盖上制作高跟鞋，并用棉塞制成枝形吊灯而闻名，她将同样的多彩创意带入了法国家具品牌罗奇堡（Roche Bobois）。本次她为自己的六个标志性作品注入新的生命，之后将其拍卖，并将收益捐赠给支持艺术的乔安娜•瓦斯科塞洛斯基金。
该系列由两把Ava椅子，Lady G和Nuage扶手椅，Sismic和Cute Cut茶几以及麻将沙发组成，都被生动的色调充斥着或装饰有精美的钩针编。
看了这么多，
你心中最爱的艺术家到底是谁呢？
2020年，即将到来的Basel时刻：
Art Basel Hk March 19–21, 2020
Art Basel June 18-21, 2020
监制 | Celine CHO
撰文 | Luna SUN 排版 | 天一
本文图片源自Design Miami, crosbystudio,以及网络
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