2-3月伦敦展览｜从个人到集体记忆的审视到对灵性议题的探索
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从Douglas Gordon关于个人和集体记忆的影像体验，Barbara Kruger关于消费主义的批判，到Monica Sjöö对于灵性议题的描绘.....本期Artisle精选了伦敦近期8个不容错过的展览，快和大家一起沉浸在艺术世界中吧！
01*
Douglas Gordon: All I need is a little bit of everything
Gagosian Grosvenor Hill, London
门票：Free
展览时间：2024/02/01—2024/03/15
展览地点：20 Grosvenor Hill, W1K 3QD
在Gordon的电影、装置、照片、表演和文本中，他思考了道德和伦理问题，并对精神和身体状态等问题进行了探索。同时，他也通过借鉴文学、电影和流行文化的历史，来审视个人和集体记忆。
Gordon的新作品2023EastWestGirlsBoys着眼于Soho的色情娱乐业。作为他早期作品的延展，if when why what (2018–22)是CIRCA公共艺术计划的一部分，于2022年12月在Piccadilly Lights广告屏幕上显示，它以特写镜头展示了Gordon的眼睛。霓虹灯标志和从当地酒吧、俱乐部、咖啡馆和商店（cupid、螺柱、脱衣舞、不停）中产生的相关词语反映在其中，唤起他对该地区的回忆和想法。
进入画廊，参观者将被乙烯基、石墨、霓虹灯和音频渲染的文本作品所包围，包括It doesn’t matter who I am。I just want to talk to you. (1992)和Take me (I’m yours) (2008)。它们的短语被翻译成多种语言，包括中文、日语、波兰语和西班牙语，以及来自艺术家家乡苏格兰的苏格兰盖尔语。文本是Gordon作品的重要组成部分，从1989年开始，Pretty much every word written, spoken, heard, overheard from 1989... (1989–) 出现在世界各地的著名机构中，包括泰特英国、伦敦和所罗门R和古根海姆博物馆。
02*
Barbara Kruger: Thinking of You. I Mean Me. I Mean You.
Serpentine South Gallery
门票：Free
展览时间：2024/02/01—2024/03/17
展览地点：Serpentine South Gallery，Kensington Gardens,London W2 3XA
美国艺术家Barbara Kruge（b.1945年，美国新泽西州纽瓦克）以她富有影响力的图像和文字作品而闻名。 Kruge从早期担任杂志平面设计师的职业生涯中，开发了一种标志性的视觉语言，经常借鉴广告和其他媒体的技术和美学。自20世纪70年代以来，她的艺术作品不断探索权力、性别、阶级、消费主义和资本的复杂机制。
Thinking of You. I Mean Me. 是Kruge二十多年来在伦敦的首次机构个人展览。展览包含装置，移动图像作品和多个音景作品。该展览是Untitled (No Comment) （2020）的英国首映式。这件身临其境的三通道视频装置探索了在线创建和消费内容的当代模式。在作品中，Kruge结合了文本、音频剪辑和一连串图像和memes——从模糊的自拍到猫的动画照片。
展览还展示了Kruge20世纪80年代几件最具标志性的作品的最新视频重新配置，包括Untitled (I shop therefore I am) (1987) and Untitled (Your body is a battleground) (1989)。
03*
Monica Sjöö
Alison Jacques, London
门票：Free
展览时间：2024/02/01—2024/03/09
展览地点：22 Cork Street, W1S 3LZ
Alison Jacques正在举办已故先驱艺术家、活动家和作家Monica Sjöö的个展（生于1938年，瑞典韦斯特诺尔兰-卒于2005年，英国布里斯托尔）。
Monica Sjöö是Goddess movement的联合创始人，这次展览追溯了她对性别和环境正义的追寻。这位艺术家自称是“激进的无政府主义/生态女权主义者、作家和参与地球灵性的思想家”，并作为活动家，共同创立了布里斯托尔的妇女解放组织。Sjöö抗议越南战争和位于Greenham Common的美国导弹基地。Sjöö也是一位多产的作家，她最著名的书《The Great Cosmic Mother》与Barbara Mor一起撰写，于1987年出版。作为一名艺术家和作家，Monica Sjöö对女权主义、和平行动主义、女神崇拜和生态学的关注是坚定不移的。在她的作品中，她将她的个人象征学与原型、前父权社会和自然力量的引用相结合。她是一位自学成才的艺术家，坚信创造力是通往过去智慧和未来可能性的通道。
这次展览跨越了Sjöö从1976年到2003年30多年的实践，展示了她在画布和纸上的画作。Sjöö在展览中的作品——包括Women Becoming（1976年）、《Child of the Mother-tree》（1984年）和《Maltarxien Temple》（2003年）——表明了她关注的话题领域：女权主义和唯心论。《Cornwall, Ancient Land of the Goddess》 (1993)描绘了一个在绿色田野中居住着石头和神秘人物的景观，用大海的颜色来调和，暗指因根深蒂固的信仰而洒下的鲜血。在《Sun Goddess at Stonehenge》（1992年）中，著名的巨型石头被描绘在一个漂浮的面具下，面具通往发光的迷宫般的子宫，庇护着胚胎。
Sjöö在20多岁时搬到了英国，主要住在布里斯托尔，在那里她毕生致力于“创作讲述女性生活、我们的历史和神圣的绘画”。展览中的一些作品提到了Sjöö的岁月，她曾前往马耳他、瑞典、威尔士的古代遗址和新石器时代中心，也前往英格兰、爱尔兰、苏格兰和布列塔尼的圣地朝圣，“与灵魂交流，与其他女性联系......参与地球奥秘”。她将女性描绘成坚强和赋予生命的源泉。当Sjöö在第一个孩子出生后患有产后抑郁症时，她一边听着神圣的希伯来音乐，一边画有远见的粉彩，恢复了自己。她的许多绘画和素描也是对悲伤的回忆。
对于2005年去世的Sjöö来说，享年66岁，她沉浸在象征意义和赋予生命的属性中。通过深入挖掘与自然世界的文化交流的历史，她相信她可以将长期压抑的能量释放回以太，从而开始人类治愈的必要过程。Sjöö的意象拒绝抽象，她的意象演变为普遍和个人的符号，并通过融合神话和自传的故事。
04*
Bitch Magic
Alma Pearl, London
门票：Free
展览时间：2024/01/26—2024/03/02
展览地点：Unit T, Reliance Wharf, 2-10 Hertford Road, N1 5ET
Alma Pearl推出了由画廊创始人Celeste Baracchi策划的展览Bitch Magic。展览汇集了跨代女性和非二元艺术家群体，她们的作品通过与民间传说、魔法或深奥的主题提供了激进的女权主义视角。展览中的作品涵盖了各种媒体——声音装置、表演、绘画、素描、摄影和雕塑。
Bitch Magic探索了“女性”和魔法之间的联系，展览试图为女权主义话语带来新颖和更具包容性的方向。“女性”远非局限于该术语起源的性别差异的二元结构，而是成为一种概念工具，受制于意义的变化，这体现在对形式和语言的非固定方法中。Bitch Magic中的作品提供了“女性”可能为女权主义和同性恋理论服务的位置。
魔法也悲惨地与历史镇压的形式关联在一起，特别是针对妇女和那些不认同白人和父权制异性恋的压迫。在《Caliban and the Witch》（2004年）中，Silvia Federici 广泛地谈到了15世纪资本主义、性别和巫术武器化之间的相关性。展览中的作品触及了这些历史时刻，同时也对它们产生的创伤产生了治愈反应。
Tai Shani的《The Passion I》，2023年，一部基于Carl Dreyer史诗般美丽的无声电影《The Passion of Joan of Arc》的布景建筑的作品，参考了法院的建筑。推翻阶级和性别的限制，圣女贞德上升到她那个时代权力结构的最高等级，成为法国最著名的神秘主义者和英雄之一。然而，她付出了高昂的代价。圣女贞德被烧死在火刑柱上，因穿得像个男人而被指控犯有异端邪、巫术和违反神圣法则。几个世纪后，她被正式封为圣人。神秘主义者的形象站在这里象征着“女性”，处于无限和重生的状态。
Rebecca Parkin的美人鱼和杂交生物是恶魔女性的色情比喻，同时也暗示了与流动性和水相关的符号。在《This Sex Which Is Not One》（1985年）和《Marine Lover》（1991年）中，Irigaray特别谈到了流体的隐喻及其与女性的联系。在美杜莎中，Parkin从海洋隐喻和神话中汲取了与贪婪的母性力量相关的女性怪物——头发遮住了她可怕的嘴巴，象征性地暗示了“Vagina Dentata”的存在，这是一个关于有牙齿的女性生殖器的民间神话。
05*
Bloomberg New Contemporaries
Camden Art Centre, London
门票：Free
展览时间：2024/01/19—2024/04/14
展览地点：Arkwright Road, NW3 6DG
Camden Art Centre本次举办的展览邀请了55位新兴艺术家，包含了国际知名艺术家：Helen Cammock、Sunil Gupta和Heather Phillipson。此展览为这些新兴艺术家提供了展示的机会，展览的主题涵盖：关怀、亲属关系、集体、气候正义、世界建设、地理边界和身份政治。艺术家们通过服装、纺织品、表演、移动图像和绘画作品表达自己的理念。
其中Savanna Achampong、Bunmi Agusto和Jame St Findlay通过幻想和梦想反思他们的生活经历。同时，现实、虚构和记忆在Jennifer Jones、Matthew Burdis和Elena Njoabuzia Onwochei-Garcia的作品中模糊和重塑，而身份则通过家庭、浪漫和非人类关系来探索，Korallia Stergides、Charan Singh和Ranny Macdonald以各种方法探索系统能力主义。异教仪式和神圣符号的使用是通过Iga Koncka、Osman Yousefzada和Sarah Cleary的作品所呈现。地理、边界、环保主义、自然环境、种族化压迫和社会政治结构的复杂矩阵与许多艺术家的作品交织在一起，包括Hester Yang、Harmeet Rahal和Samuel Zhang，这些作品借鉴了档案材料以及第一手研究和经验。Helen Clarke Joseph Ijoyemi和Haneen Hadiy的作品质疑了农业和采掘主义，批判了我们对土地和地球资源的依赖和滥用。
06*
The Box: Richard Stankiewicz, Man of Parts
Pippy Houldsworth Gallery, London
门票：Free
展览时间：2024/01/26—2024/03/09
展览地点：6 Heddon Street, W1B 4BT
Pippy Houldsworth画廊在其微型项目空间The Box展示了已故美国艺术家Richard Stankiewicz（1922-2018）的雕塑。Man of Parts（c. 1950-59）由Richard Stankiewicz用特殊的生锈金属建造，可以被视为对现代性的虚构探索。
Richard Stankiewicz曾在1941年美国加入第二次世界大战时加入了海军。在战争期间，Stankiewicz驻扎在阿留申群岛和夏威夷，他花了空闲时间将动物骨骼和其他发现的材料制作成他的第一批雕塑。他在第二次世界大战期间的经历似乎标志着他对技术创新及其与人类生活的关系的矛盾态度。《The Box, Man of Parts》中展示的作品的标题，体现了雕塑的砖块结构。雕塑是一个由废弃的金属碎片形成的人物，暗示了现代心理的支离破碎，也许还有战争的创伤。
1947年后，这位艺术家前往纽约市，在汉斯·霍夫曼的美术学院学习，后来前往欧洲，在那里他在Ossip Zadkine的指导下学习雕塑，并在Fernand Léger的巴黎工作室学习绘画。1952年，回到纽约后，Stankiewicz与Allan Krapow和Hans Hofmann的其他同学（包括Jan Müller, Jean Follet和Wolf Kahn）共同创立了Hansa Gallery。正是在这一时期，他开始使用焊接废金属，为散落在纽约街道上的碎屑赋予了新的生命。在这些作品中，Stankiewicz似乎正在通过社会和个人可能从工业化和连续世界大战的破坏中重建自己的方式。
07*
Matilda Sutton: Bristling
Pipeline, London
门票：Free
展览时间：2024/01/11—2024/02/14
展览地点：35 Eastcastle St, W1W 8DW
Matilda Sutton通过绘画、素描、纺织品和雕塑将叙事编织在一起。她的个展《Bristling》汇集了她的全新的作品——探索来身体和自我的界限。Sutton作品中的图像植根于原型、文化叙事、个人经验和化身，以人性和动物性之间的存在为特色。这些故事和复杂的亲密关系的图像，试图表达个性和联系、依赖和独立之间的紧张关系。
Sutton的绘画和素描似乎在问询我们如何想象我们的完整性，她的“人-生物”被画在纸上，试图溶解绝对的视觉方式。Sutton称之为“Poppets”的雕塑由石膏、回收包装、烤串、风干粘土、布和油漆制成。它们看起来像锥形的图画人物，在弯曲的腿上蹿跄，有彩绘或雕刻的面孔，这些面孔是独一无二的。每个人都有一套特殊的服装，将厚羊毛西装与纯粹的薄纱和粗糙的亚麻布形成鲜明对比，他们穿着斗篷和帽子、罩衫和裙子。对Sutton来说，“Poppets”使我们能够感受到自己的形状。
对二元系统和概念二元论的质疑是Sutton实践的核心，在这里，故事既可以是内容，也可以是方法。Sutton以符号为工具，开始了一种寻找的方式，描绘了穿越黑暗和雾蒙蒙的地方的旅程。
08*
Shuvinai Ashoona: When I Draw
The Perimeter, London
门票：Free
展览时间：2024/01/25—2024/04/26
展览地点：20 Brownlow Mews, WC1N 2LE
The Perimeter展示了Shuvinai Ashoona的个展。Shuvinai Ashoona通过梦幻般的主题和讲故事的模式，绘制了涉及加拿大北极地区生活、土地和社区的复杂性的绘画。展览中的作品将北极日常生活的场景与因纽特有神论和萨满教相关的意象交织在一起。这是自2022年第59届威尼斯双年展上因在《梦之乳》中的六幅画而获得评审团特别提名以来，Ashoona的作品首次在欧洲展出。
Shuvinai Ashoona（生于1961年）是第三代因纽特艺术家，在加拿大北部北极地区努纳武特的Kingait（原多塞特角）生活和工作。Ashoona经常通过超现实主义视角看待Kinggait的日常生活，这个展览深入研究了Ashoona的世界，讲述了北极景观和社区的愿景。
信息源于官方网站