Klára Hosnedlová ｜建筑形式的解构与身体叙事的演绎
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Untitled (From the series ‘To Infinity’), 2023, stainless frame, cotton thread and epoxy, 4 ×1 m. Courtesy: the artist, Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin, and White Cube, London; Photograph: Zdeněk Porcal - Studio Flusser
“To Infinit”是Klára Hosnedlová在Kestner Gesellschaft的个展，在这个展览中Hosnedlová将建筑打造成一个完全沉浸式的环境。展览的两层空间分别容纳了她的不同雕塑作品，在上层的画廊空间中，白色环氧树脂形状酷似曲线，拉长的气球，藏匿着神秘的实体——暗喻新生的生命形式（所有作品均为Untitled (From the Series To Infinity)，2023年。
Exhibition view, To Infinity, Kestner Gesellschaft, Hanover, 2023
Exhibition and performance view, To Infinity, Kestner Gesellschaft, Hanover, 2023
Exhibition and performance view, To Infinity, Kestner Gesellschaft, Hanover, 2023
下层展览空间内有一组外观类似石笋的雕塑，由亚麻和渐变的棕色织物混合物组成，不禁让人联想到保加利亚传统假面舞会中使用到的Kukeri服装。下层作品庞大的体积和浓烈的气味与上层空间看似光滑的具有现代感的氛围形成鲜明的对比，在古老和未来的环境中，时间本身成为了核心的议题。
To Infinity, 2023, exhibition view. Courtesy: the artist, Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin, and White Cube, London; Photograph: Zdeněk Porcal - Studio Flusser
To Infinity, 2023, exhibition view. Costumes: Anna Heim; Performers: Ruth Ikondo, Denis Emmenegger and Matilde Simões. Courtesy: the artist, Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin, and White Cube, London; Photograph: Zdeněk Porcal - Studio Flusser
每件悬挂的雕塑都嵌入了超现实主义的刺绣，这些细长的，装在铝架上的纺织品像是束腰的服饰。一些身体的局部细节让观众思考这些碎片的归属。这些刺绣其实和展览空间举行的表演的记录照片具有相似的细节，照片中表演者穿着流苏和钩编的70年代风格的服装和雕塑互动。然而表演者并未提供明确的叙事，他们探索着空间的可能性。
Untitled (From the series To Infinity), 2023, stainless steel frame, cotton thread, linen tow, combed tow, linen yarn, natural dye colors, 350 x 230 x 35cm
To Infinity, 2023, exhibition view. Costumes: Anna Heim; Performers: Ruth Ikondo, Denis Emmenegger and Matilde Simões. Courtesy: the artist, Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin, and White Cube, London; Photograph: Zdeněk Porcal - Studio Flusser
在The Split Wall: Domestic Voyeurism’ (1992)中，Beatriz Colomina将奥地利建筑师Adolf Loos设计的室内描述为“舞台布景”或“戏剧性建筑”。通过用百叶窗遮挡窗户或将窗户朝向其他室内空间而不是朝外，Loos创造了一些空间，在这些空间中，居民既是场景中的演员，也是观众。同样地，Hosnedlová的沉浸式装置将每个元素重新塑造为她设计的戏剧中的一个角色，这个戏剧讲述了人类文化的起源故事，以及即将发生的转变。
Exhibition and performance view, GROWTH, Kunsthalle Basel, 2024
Exhibition and performance view, GROWTH, Kunsthalle Basel, 2024
Exhibition and performance view, GROWTH, Kunsthalle Basel, 2024
在“Nest”(2020年)个展于柏林Kraupa-Tuskany Zeidler画廊开幕前，Hosnedlová将两位女性表演者引入展览空间。她让表演者们穿上奇异的复古未来主义服装——由Katharina Dubbick设计的黑色硅胶背心，并让她们像“Nest”的参观者一般，穿越一种场景，等待着被激活。展览中的元素包含了一个巧妙倾斜的金属桌子（宛如水槽）；一个渐变色彩的灯具；以及复杂的棉线刺绣，类似写实主义的绘画。这些纺织品被嵌在深灰色的框架之中，放置于有槽的水磨石板上，暗示着野兽派建筑的风格。一扇对角线倾斜的几何门仿佛借用自一部科幻电影，通往一个大弧形的隔板，其背面嵌有一个切片形状的沙发。从这个位置，观众可以专注于一个安静的、呈蓝色调的刺绣，其描绘了一个年轻男子抱着一只庇护所里的猫的场景。
View of “Klára Hosnedlová: Nest,” 2020–21, Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin. Foreground, from left: untitled, 2020; untitled, 2020. Wall: untitled, 2020. All from the series “Nest,” 2019–21. Photo: def image.
Exhibition view, Nest, Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin, 2020
Exhibition view, Nest, Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin, 2020
Exhibition view, Nest, Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin, 2020
Untitled (from the series Nest), 2020
这些元素的灵感主要来自于捷克的Ještěd Tower，这是一座高科技、双曲面的东方现代主义典范，于1960年代中期在山顶上建成，既作为建筑承载了酒店、餐厅等功能，在某种程度上也是意识形态的暗指。Ještěd Tower所代表的隐含着男性的建筑线条（塔楼、坚硬的材料等）仍然存在，照片和展览提醒我们——即使由这些庞大建筑象征的监视越来越消失在数字虚空中（展览名称“Nest”既指安全空间，也指Google的智能家居技术）。同时，Hosnedlová创造了一个时间上的模糊点，故事情节和最初附着在这些结构和设计上的位置逐步消失。
Untitled (from the series Nest), 2020, terrazzo, natural stone, PVC, stainless steel, glass, reishi mushrooms, 65 x 200 x 90 cm
Untitled (from the series Nest), 2020, cotton thread, terrazzo frame, terrazzo panelling, mould melted glass, 201 x 484 x 24 cm
Untitled (from the series Nest), 2020, epoxy, stainless steel, cotton thread, 230 x 80 x 5 cm
在“Nest”展前，Hosnedlová在画廊内孵化了一些蚕蛹，一部分源于自给自足的幻想——她希望能够为自己生产出缝纫所需的丝线，这一举动也催生了随后的展览“Sakura Silk Moth”，于2021年在巴塞尔艺术博览会Parcours展出。
Untitled (from the series Sakura Silk Moth), 2021
Untitled (from the series Sakura Silk Moth), 2021
在这个展览中，基于“Nest”表演的照片的垂直刺绣被固定在六个大型半透明的白色环氧树脂雕塑上，Hosnedlová的雕塑像是延长的保护外壳，也似乎暗示着可能倒塌的塔楼。散落在这些柱子中间的是一些管状的玻璃器皿，周围散落着有机物和破碎的木炭。表演者小心翼翼的对蚕茧进行照料。
Installation view, Sakura Silk Moth, Art Basel Parcours, Basel, 2021
Installation view, Sakura Silk Moth, Art Basel Parcours, Basel, 2021
Installation view, Sakura Silk Moth, Art Basel Parcours, Basel, 2021
在2022年里昂双年展的“Sound of Hatching”则分成两部分场地呈现，一处位于工厂，还有一处则位于一间考古博物馆。在工厂里，柱子的元素重新出现——伴随着新的刺绣和管道——而Hosnedlová收集的灰烬覆盖着地板，仿佛蚕茧壳的碎片在传播。
Exhibition view, From the series “Sound of Hatching,” 2022.
Untitled (detail), 2022, epoxy, stainless steel, cotton thread, 13′ 1 1⁄2″ × 1′ 11 5⁄8″ × 1′ 7 3⁄4″. From the series “Sound of Hatching,” 2022.
在另一个空间内，Hosnedlová充分的利用了场地的科幻性氛围和建筑形态，许多玻璃管道蔓延其中，等待着被唤醒。
View of “Klára Hosnedlová: Sound of Hatching,” 2022, Lugdunum Museum, Lyon. From the Biennale de Lyon. Photo: Aurélien Mole.
Hosnedlová对于空间的思考、隐私和被观看的权限一直有着深刻的思考，在2018年于布拉格国家剧院中庭展出的“Ponytail Parlour”中，她聚焦于辫子发型的刺绣——她的母亲是一名发型师，所以很早的时候她就接触到了很多关于女性和头发相关的故事。Hosnedlová在展览中展示了摆放整齐、颜色协调的戏服。她让表演者在空间里悠闲的躺着，并轻抚她们所挑选的衣物。在这里，Hosnedlová展现了她关于女性所属位置和可能性外貌的重新构想。
Exhibition view, Ponytail Parlour, Prague National Theatre, Prague, 2018
Exhibition view, Ponytail Parlour, Prague National Theatre, Prague, 2018
Ladies’ Tears (detail), 2019, cotton thread, terrazzo frame, embroidery: 16 3⁄4 × 12 1⁄4″. From the series “Seated Woman,” 2018–19.
在这些作品中，Hosnedlová不断尝试一种即兴、脆弱、试验性的可能性，我们可以在她的作品中直观的感受到结构在形式上被解构的方式，规则反复的被打破，定义也逐步变得模糊。看似像绘画的作品其实并非如此，它们常附着在更大的物体之上；独立的雕塑同时也是一段场景的一部分，或许可以被再组合和诠释。静态的物体和鲜活的材料混合，不断的催生出新的形式。在不同的表演和叙事中，Hosnedlová让观众成为参与观察的一部分，时间性和模糊性在此生发。
Performance view, GROWTH, Kunsthalle Basel, 2024