3-4月美国展览｜从灵性疗愈到后生态遐思
💜
从MOMA正在展出的Shana Moulton半自传影像结合场域特定的装置作品，Hauser & Wirth呈现的关于自然和人类关系的重新想象和联结，到Gagosian展出的Frank Gehry的全新雕塑和纸上作品......本期Artisle精选了美国近期7个不容错过的展览，快和大家一起沉浸在艺术世界中吧！
01*
Shana Moulton
Meta/Physical Therapy
MoMA
门票：15美金起
展览时间：2024/02/17—2024/04/21
展览地点：11 West 53 Street, Manhattan
这次展览将首次展出艺术家Shana Moulton的一件全新作品，通过表演、视频和雕塑，Moulton记录了她半自传式的替身Cynthia的经历。Moulton将Kravis Studio转变为一个棱镜般的环境，这个装置采用了她标志性的灵性意象、医疗技术、流行文化，并在其中融入了廉价杂货店的元素。
作为Moulton的Whispering Pines系列的延伸，该项目延续了她对疼痛和愈合美学以及健康产品营销的探索与批判。装置作品将伴随一系列与作曲家Nick Hallett合作创作的表演，呈现Cynthia的内在世界。
02*
The Flesh of the Earth. Curated by Enuma Okoro
Hauser & Wirth 22nd Street, New York
门票：Free
展览时间：2024/02/01—2024/04/06
展览地点：542 & 548 West 22nd Street, NY 10011
Hauser & Wirth New York推出了“The Flesh of the Earth”，这是一个由尼日利亚裔美国作家和评论家Enuma Okoro策划的跨学科展览。透过艺术家Olafur Eliasson、Adama Delphine Fawundu、Jenny Holzer、Rashid Johnson、Haley Mellin、Cassi Namoda、Lorna Simpson、Kiki Smith、Pamela Phatsimo Sunstrum和Billie Zangewa的作品，Okoro希望鼓励我们所有人思考如何将自己从以人类为中心的叙事中分离出来，重新想象与地球更亲密的关系，并重新联结我们与所有创造物中涌动的生命力能量的联系。‘The Flesh of the Earth’让我们与自然隔离，从而促进我们与其的再联系。
展览还包括著名作家Ama Codjoe的诗歌，她用她的文本描绘了凄美的视觉，阐明了感性和富有想象力的自我反思，激发我们与超人类重新组建亲密的关系——并再次强调身体是实现这一目标的主要载体。
Codje在展览的许多作品中，创造性地、微妙地重复着自然世界不同物体之间的相互关系。Olafur Eliasson的雕塑作品‘Now, here, nowhere’ (2023)沿着从冰岛发现的漂流木排列了彩色玻璃的分层面板。金色、红橙色和蓝绿色的圆圈和省略号，以及自然风化的木材，都唤起了对时间和时间性的重新思考，包括水体如何包裹和在其他天然有机物上移动。然而，在与太阳和月亮的相似性方面，这件作品的元素似乎有助于让观众思考昼夜节律的影响，以及太阳和月球周期对人类和非人类动物行为和生理学的影响。
在Fawundu的照片中，她拍摄了自己穿着一件亮蓝色连衣裙，头发上戴着袊子，在青翠的环境中。该场景将艺术家的身体定位为人类和非人类世界之间的桥梁，在活跃的自然空间和历史的物质结构之间穿梭着一条连接的交流链。
水是生命、死亡和复兴的有力象征，在 ‘The Flesh of the Earth’ 中Cassi Namoda描绘了抽象的海景景象，并引用了肯尼亚出生的哲学家John Mbiti的非洲哲学和宗教神学教义。在Namoda的‘Maternal Possession in Lago Regorria’ (2023) 里，她唤起了基督教的洗礼仪式，其中精神被认为会侵入身体并刺激新生命——然而，重生的精神体验是许多传统所共有的。匿名、无名的人物在屈服于强大、原始的海洋时，似乎很脆弱。Namoda的画作同时提醒我们，我们起源于自然的水源，我们依赖于水而生存。
03*
No One Thing. David Smith, Late Sculptures
Hauser & Wirth 22nd Street, New York
门票：Free
展览时间：2024/02/01—2024/04/13
展览地点：542 & 548 West 22nd Street, NY 10011
David Smith(1906-1965）是20世纪最有影响力和最具创新性的艺术家之一，也是与抽象表现主义运动最密切相关的雕塑家。在他生命的最后五年里，他创作出非常多实验性的作品，他将开放空间融入到他雕塑的平面和动态张力之间——这也极大的影响了未来几代艺术家。本次展览呈现David Smith晚年创作的最重要的七件雕塑作品，是对于艺术家的贡献的致敬。
David Smith强调绘画在他实践中的重要性，对他而言每个平面表面在形式和颜色上都拥有着自己的属性。No One Thing中的七个彩色雕塑是他拒绝用单一的方式来制作的典范。这些雕塑在色彩，结构上显示着艺术家与物质性、形式和表面性的持续对话。
‘Primo Piano II’ (1962) 长13英寸，由大型钢板制作而成，展示了Smith对于焊接雕塑技术上的突破——这是他在第二次世界大战期间建造坦克时学习的技能带来的创新。Smith曾在意大利Voltri创作了三件雕塑，组成了他的Primo Piano系列，这些作品有两个垂直的元素，这些元素将中央水平梁抬高，在中央水平梁上，不同形状和金属的动态相互作用在巨大的跨度上展开。这些动态形式以轻盈姿态向上漂浮，与所用材料的重量相悖，展现了Smith的构图能力和对钢和青铜的熟练处理。
与Primo Piano系列一样，Smith的Zig系列也将雕塑提升为多层结构。然而，《Primo Piano II》主要在水平空间上发挥作用，七座Zig雕塑——是他职业生涯中最引人注目的雕塑之一。以美索不达米亚的锯梯命名的“Zig I”（1961年）将古代、阶梯式寺庙的几何、纪念性和庄严性转化为现代、俏皮和看似即兴的建筑，展示了艺术家的抽象转换能力。
04*
The Art of Assemblage
Michael Rosenfeld Gallery, New York
门票：Free
展览时间：2024/01/27—2024/03/23
展览地点：100 11th Avenue, NY 10011
画廊正在呈现The Art of Assemblage群展，这是为了向现代艺术博物馆在1961年举办的由William C. Seitz策划的具有开创性的同名展览致敬而策划的。艺术家包括Mary Bauermeister, Lee Bontecou, Bruce Conner, Joseph Cornell, Arthur Dove, Melvin Edwards, Claire Falkenstein, Ilse Getz, Nancy Grossman, Edward Kienholz, Yayoi Kusama, Conrad Marca-Relli, Louise Nevelson, Alfonso Ossorio, Betye Saar, Lucas Samaras, Richard Stankiewicz, Lenore Tawney, Laurence Vail, and Vaclav Vytlacil。
展览中的一些作品构成了战后先锋艺术倡导的“junk art”美学的典型例子，例如：Bruce Conner的Buffalo Bag (1959) 和Edward Kienholz的America My Hometown (1963) 。这些作品将废料组合成雕塑，暗喻帝国衰落的主题。Lee Bontecou的挂墙雕塑，由焊接和涂漆的钢、烟灰和天鹅绒构成；通过铁窗透视她标志性的带锯齿的“牙齿”，Untitled则反映了冷战时代的普遍焦虑和绝望的情绪。此外，Nancy Grossman的My Terrible Stomach (1964/2015)也采用了抽象的解剖参考，这是她在1964年在克拉斯纳画廊的展览中原创的。尽管本次展览的焦点是20世纪中期的几十年，但来自20世纪70年代和80年代的一小部分作品让人窥见了这一媒介的演变。
05*
Frank Gehry: Ruminations
Gagosian 976 Madison Avenue, New York
门票：Free
展览时间：2024/02/08—2024/04/06
展览地点：976 Madison Avenue, NY 10075
展览呈现Frank Gehry的全新雕塑和纸上作品，他以开创性的建筑设计闻名，对于原始和自然形式的迷恋使他将这些元素运用在后现代主义的建筑设计纸上。他还创作大量的雕塑和家具作品，从Easy Edges（1969-73）和Experimental Edges（1979-82）——由瓦楞纸板制成的椅子和桌子——到为Knoll设计的弯木家具（1989-92）。Fish Lamp系列是由1983年Formica Corporation的委托创作演变而来，使用了他们的ColorCore塑料层压板。Gehry受到该材料鳞片外观的启发，设计了附着在模制线电枢上的ColorCore碎片为特色的piscine形式作品。
本次展览的雕塑中，铜色的鱼状雕塑悬挂在画廊第一个空间内的天花板上，这件雕塑上叶子状的鳞片灵感源于Gehry和他的孙女一起徒步旅行。在“鳄鱼灯“（2023）中，Gehry呈现了他对动物的迷恋，这种迷恋也体现在“Bear with Us”（2014）中，这是一个真人大小的不锈钢雕塑，现在位于新奥尔良艺术博物馆的雕塑花园里。在这些作品中，Gehry用有机的形态设计与他的建筑设计的草图和研究产生共鸣。
06*
Sarah Grilo: The New York Years, 1962-70
Galerie Lelong & Co., New York
门票：Free
展览时间：2024/02/08—2024/03/30
展览地点：528 West 26th Street, NY 10001
Galerie Lelong & Co.正在举办艺术家Sarah Grilo的作品，由Karen Grimson策展。Sarah Grilo在古根海姆获得奖学金后于1962年抵达纽约，这时候正值激烈的政治动荡时期，为艺术家提供了创作的灵感。 Grilo的作品蕴含着冲突和破坏性，受到女性杂志和美国插图出版物的影响，她在画作中吸收了大量的语言、拼贴和文本元素。她通过将拼贴，文本和抽象绘画结合，创造出耐人寻味的作品。
该展览将包括一些自Grilo1967年在纽约拜伦画廊举办个展以来，五十多年来没有公开展出的画作。这部作品中最具戏剧性的作品之一Our heroes (1966)是由文本结合灰色和红色图形、网格状的构图画作。Grilo将从杂志中提取的段落与语录相结合，展示了她独特的拼贴式绘画方法。Win, it’s great for your ego (c. 1965-66) 同样暗含战争的气氛，数字和箭头的添加将繁华的纽约市街道的标志带入了Grilo的想象空间。
对于Grilo来说，在纽约的岁月让她实现了现代到当代抽象的创作过渡。随着话语和语言的出现，Grilo对政治和大众媒体的参与让她成为对战后美国绘画的重要领军人物。
图片和信息源于画廊/美术馆官方网站