BOBOSNAP ISSUE.15｜Bauhaus Ballet 包豪斯芭蕾
对于任何一本杂志来说，“改版”都预示着一个“新时代”的到来。本次，BOBOSNAP 邀请到新锐时尚摄影师 Szilveszter Makó 进行封面的创作，试图利用东西合璧的方式去探索更多可能性。这位来自匈牙利的摄影师，对于文艺复兴的艺术风格倾注了炙热的感情，他善于利用自然光以及中等质量的老式相机去捕捉影像，并以一种非常直接的方式去记录时尚圈中的“多样性对话”。于 Makó 而言，封面的真正奇妙之处就在于它所蕴含的情感，就像视觉效果本身一样，丰富多样、坚定不移。从背景到选角，从造型到故事，每一个环节都是独一无二的。
“一口述说千古戏，双手对舞百万兵”，皮影戏作为古老的民间艺术，曾被列入首批国家级非物质文化遗产名录中。此次拍摄，我们尝试利用皮影戏融合包豪斯芭蕾风格，以此来拓展封面社论的戏谑性。以皮影戏道具来呼应流畅的西方廓形，看似是蜻蜓点水的辅助，实则是为了重拾那些被遗落的中国智慧与精神内涵，以及再现东方美学风华流转的人文情怀与温度。在中式戏剧的启发下，Makó 在构建拍摄概念的时候联想到了西方舞台上影响颇深的 Bauhaus Ballett（包豪斯芭蕾）。他表示，“这作为整个现代主义艺术运动中的代表，恰如其分地为诸多创作者们提供了一种思考维度，以此去加深他们对于超现实主义的迷恋。” 加之，曾在柏林生活过的 Makó 已经在耳濡目染间被包豪斯文化深深影响，他认为由德国建筑师 Walter Gropius（国立包豪斯艺术学校的创始人）提倡的“艺术流派强调整体艺术（Gesamtkunstwerk）”概念，即“美与功能、艺术与设计的不同侧面应当全面整合起来，去实现一个共同目标”，与东西合璧的观点不谋而合。
奥地利建筑师 Aldof Loos 曾说道：“无装饰是精神力量的象征。”虽然他的哲学思想早于包豪斯，但却支撑着包豪斯的整个核心理论。今年是包豪斯学校建校的第 104 年，它于当下的现实意义丝毫不亚于建校之初，都是以共同理念来支撑着一种艺术集体心态。尽管这所德国艺术学校只存活了 14 年，但它在全球的影响力却非同一般——我们日常使用的家具、穿着的衣服、居住的空间，甚至用来打字的字体，以及看待世界的方式都已经被包豪斯精神所影响。
形式与色彩的派对
曾经，国立包豪斯艺术学校的办学理念是为了模糊艺术媒介之间的界限。1922 年，包豪斯剧院教授 Oskar Schlemmer 接管了包豪斯的舞台部门，并将风格塑造成了魏玛时期的舞台。其中，Schlemmer 以人体为一种艺术媒介，在这场名为“三人芭蕾（Das Triadisches Ballett）”的演出中尝试了芭蕾舞、空间舞、手势舞以及棍棒舞，将盛装蒙面舞者发展成为一种综合了舞蹈、化妆舞会和音乐的“艺术形象”，并通过几何组合的服装给予观众们奇特而幽默的意象。同年，匈牙利画家 László Moholy-Nagy 也被任命到包豪斯，更是心血来潮地为“包豪斯剧院”撰写了一篇研究舞台建筑的文章《剧院、马戏团、变奏曲》（Theatre, Circus, Variété）。在文章中，他阐述了自己对于 Schlemmer 所说的“抽象动感和发光现象”的兴趣。
追溯“三人芭蕾”的由来，还要基于“三位一体”的原则，以及一系列剧目的划分：第一幕在柠檬黄的舞台上进行，是一出滑稽滑稽剧。第二部分的主题在粉红色的舞台上，具有节日或仪式的气氛。最后，第三部分在全黑的背景下以神秘/梦幻的方式展开。三位舞者，两男一女，表演了十二支形式交替的舞蹈。
试问，如果舞者可以无拘无束地表演芭蕾舞，那么当他们把自己放在一个盒子里时会发生什么情况呢？在抽象派艺术家 Adolf Hözel 的影响下，Schlemmer 更倾向于“立体主义”，所以在编排舞蹈之前，索性将设计服装的方法锁定在这个问题上。由于材料重量、造型和所戴面具的原因，好似“雕塑”的服装有意限制了表演者的行动自由。在舞台上，他们是行走的建筑结构，以滑稽、笨拙、抽象的方式移动。可事实上，Schlemmer 是在围绕服装本身进行表演，纯粹以大胆的造型和功能性为技术，利用了那个时代的新技术，即“玻璃和金属制成的科学仪器、外科手术中使用的人造器官、梦幻般的军装和潜水服”，来表现包豪斯传奇化装舞会上所能发生的一切。
时尚演绎出的可能性
日后，“三人芭蕾”以一种近乎民间的方式流传下来，并通过口头和图像的方式得以保存，更为时尚界多次从中汲取灵感留下了解释的余地。导演 Fritz Lang 在 1927 年拍摄的《Metropolis》（大都会）中，戏服设计的灵感就来源于此；1974 年，David Bowie 身穿由日本设计师 Kansai Yamamoto 设计的“Ziggy Stardust”连体服，更是“撞衫”包豪斯舞台上的戏服；André Courrèges 打造的“前沿”流线型轮廓也来自于此，带有浓厚的未来主义建筑风格；而 Hussein Chalayan 以其艺术与技术的融合而闻名，他戏剧性的时装设计总是融合了对于几何图形的探索。
Alexander McQueen 逝世前的最后一场时装秀是 2010 春夏系列“柏拉图的亚特兰蒂斯（Plato’s Atlantis）”。这场时装秀在时尚史上的意义不仅在于技术应用方面的开创性，而在于美学上的激进。秀场上，模特并不是在展示服装，而是被眩晕的“犰狳鞋”扭曲了轮廓，甚至化身为头部变异为爬行动物鳞片的怪物——为了彻底实现 McQueen 的构想，她们牺牲了全部人类特征。前有 Schlemmer 善于使用压抑人类元素的服装造型（舞者身着三维完美几何形状的服装，戴着金属面具，眼睛是黑色的，手臂是球形的红色和蓝色原色球体），以实现更高的创作理念；后有 McQueen 秀场上让一众癫狂的模特在机械匀速的乐曲中迈着节拍器般的步伐，以此来创造一个缓慢行进的太空怪兽部落。你不得不承认，这种前后呼应是带有一种必然性的。
当然，这股风也刮到了东方，比如 Comme des Garçons——在 1981 年的首个系列中，川久保玲以“被毁”作品来呼应光影之美，与匈牙利画家 László Moholy-Nagy 创作的金属雕塑作品有着异曲同工之妙。而通过 1997 春夏的“肿块与凹凸（lumps and bumps）”系列，也让大众逐渐意识到女性大可以摒弃雕塑身材和性感曲线，转身投入到不受限制的“叛逆之美”中。有趣的是，这一季曾与独立舞蹈家 Merce Cunningham 跨界合作，舞者在带有驼峰的服装映衬下，动作被不断强调和夸大，让观众见识到艺术家与模特、编舞家与舞者与眼睛和耳朵之间，在某个不确定的时刻发生了邂逅。
叛逆之下的继续反思
放眼 2024 春夏系列，这份“戏剧化”依旧为核心，并通过几何结构影响着设计。在 Loewe 男女装系列中，“雕塑形式”恰如其分地呼应曼妙的人体工学和立体剪裁，大胆的色彩冲击融合了高雅和低俗文化的参考，裤子腰线拉到胸前，扭曲人体刑天比例，一个个用巨大别针固定的矩形上衣以人类对于服装的原始诉求呈现。这一季中，大胆的肩部线条和戏剧性的轮廓随处可见，在 80 年代 Power Suit 和结构性大衣上再次兴起。通常，肩部是方形的，这矛盾地修饰了人体轮廓，将腰部收紧。总体来说，Prada、Givenchy、Jil Sander 和 Balenciaga 等品牌通过各种尝试，让体积感在服装中占据了一席之地，其目的既是为了保护服装，也是为了强调服装的魅力。
可见，当下设计充满着多样性。可若穿梭回过去，这种探索并不总是受到时尚界的欢迎，也不容易被消化。虽然一些媒体（尤其是艺术媒体、时尚杂志和报纸记者）对某些实验系列大加赞赏，但他们中的大部分却没有无条件地接受。
尽管以往没有在媒体上取得褒奖，但很多系列本身却成为收藏家的设计史珍品，甚至在一些拍卖行上会被人高价收购。如今，该系列已成为不少出色现代设计师令人生畏的宣言见证。在这个充斥着身材焦虑以及虚拟超模的图像世界里，对于身体以及我们看待身材的方式研究从未像现在这样贴切。
出品人Presented By：Sibo Lun
创意&摄影Creative Director & Photographer :
Szilveszter Makó
艺术总监Art Director : Emis Lee
制片Executive Producer : Siyan Chen
造型Fashion Stylist : Lisa Jarvis (The Only Agency)
模特Model : Angelo Zhang
化妆 Makeup: Sofia Foiera
发型 Hair Stylist: Yuri Napolitano
置景Set Designer: Edith Di Monda
撰文Writet：Makoto Li
视频&剪辑Video&Edit : Zhipeng Zhang
摄影助理 Photo Assistant: Gianluca Malavolta
造型助理 Stylist Assistant:
Sofia Sole Piras 、Dominik Radomski 、
Carlotta Savioli 、Laura Tonelli
制片助理 Production Assistant:
Summer Mei、Natalia Kachesova 、
Sandu Garancinschi
影棚Studio：Cross Studio Milano