施布特-玛格户外雕塑系列（三）：托马斯·舍比茨，卡里·厄普森，安德烈娅·齐特尔

在接下来的数周中，我们将持续分享画廊展览、艺术家创作、工作室探访等一系列精彩内容。在户外雕塑系列文章中，我们将带你足不出户，欣赏由施布特-玛格画廊艺术家们创作的精彩户外雕塑作品。

托马斯·舍比茨

Thomas Scheibitz

托马斯·舍比茨（Thomas Scheibitz）

《笑脸》（Smiley），2009年
钢，玻璃，涂漆金属网

172 × 160 × 40 cm

弗里兹雕塑公园展览现场，伦敦，2012年

托马斯·舍比茨（Thomas Scheibitz）1968年出生于德国拉德贝格，现工作、生活于柏林。二十余年来，托马斯·舍比茨一直活跃于当代绘画和雕塑的前沿。其作品充满活力，并巧妙地对范围广泛的视觉参考进行剖析、分析和重组，以形成令人惊叹的、多层次的空间。

托马斯·舍比茨（Thomas Scheibitz）

《笑脸》（Smiley），2009年
钢，玻璃，涂漆金属网

172 × 160 × 40 cm

弗里兹雕塑公园展览现场，伦敦，2012年

舍比茨在作品中不断与过去的艺术传统进行对话，远到数个世纪以前的大师杰作，近至巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）等现代艺术大师的创作。通过对线条、颜色、色调和阴影的熟练运用，舍比茨为其画布中的意象注入了一种标志性的品质。

托马斯·舍比茨（Thomas Scheibitz）

《西尔维娅·斯通》（Sylvia Stone）, 2007年

钢，玻璃，金属网
325 × 209 × 103 cm

科隆雕塑公园展览现场

托马斯·舍比茨（Thomas Scheibitz）

《西尔维娅·斯通》（Sylvia Stone）, 2007年

钢，玻璃，金属网
325 × 209 × 103 cm

科隆雕塑公园展览现场

他的创作取材于大量的个人图片档案，包括照片、打印、杂志剪报、建筑图示、广告、漫画和戏剧电影布景——他将选择出来的图像发展为他自己的徘徊于抽象和具象之间的图像志，并鼓励观众就其作品中流通的形状和人物形象生成自己的阐释。

卡里·厄普森：《我妈妈喝百事可乐》

Kaari Upson: MMDP (My Mother Drinks Pepsi)

卡里·厄普森（Kaari Upson）

《我妈妈喝百事可乐之二》（My Mom Drinks Pepsi II），2015年
铝，不锈钢，粉末涂层钢

130 × 164 × 13 cm

施布特-玛格画廊展览现场，柏林，2016年

卡里·厄普森（Kaari Upson）1972年出生于加利福尼亚州圣贝纳迪诺，现工作、生活于洛杉矶。卡里·厄普森的艺术实践植根于语言交感的问题，并挖掘自我与他者之间的空间。通过对家庭环境的调查，厄普森展示出一个熟悉的物体或空间所能容纳、流露与驱逐的丰富情感材料。在她的作品中，美国家庭中那些私密而平凡的物件变得有形、多样而非同寻常。

卡里·厄普森（Kaari Upson）

《我妈妈喝百事可乐之二》（My Mom Drinks Pepsi II），2015年
铝，不锈钢，粉末涂层钢

130 × 164 × 13 cm

2016年，厄普森开始了她的“MMDP（我妈妈喝百事可乐）”（MMDP (My Mother Drinks Pepsi)）系列。她将百事可乐罐作为基本的雕塑元素，堆叠成立柱、金字塔，以及四处散落的铅灰色铝铸罐头。“MMDP”深入探讨了厄普森与其母亲的关系——后者是一名百事可乐的狂热爱好者，以此探索母亲和女儿之间复杂而矛盾的关系，以及美国消费主义中的资本力度。

卡里·厄普森（Kaari Upson）

《我妈妈喝百事可乐之二》（My Mom Drinks Pepsi II），2015年
铝，不锈钢，粉末涂层钢

130 × 164 × 13 cm

施布特-玛格画廊展览现场，柏林，2016年

艺术家通过实验性的铸造工艺打造出每一个罐头：她在百事可乐罐头中注满液态铝，使铝融铸成罐头的形状，并将高温金属流和罐子融合为一个固态物体。罐头的颜色在这一过程中被烧毁，只留下标签的阴影。在该系列的户外作品中，一件形如坟墓的雕塑从地面浮现，作品亦降至一个真实、“自然”的世界。

安德烈娅·齐特尔

Andrea Zittel

安德烈娅·齐特尔（Andrea Zittel）

《个人情节》（Personal Plots），2019年
混凝土块，石膏，颜料，沙砾

1610.4 × 1099.8 × 45.7 cm

安德烈娅·齐特尔（Andrea Zittel）1965年出生于加利福尼亚州埃斯孔迪多，现工作、生活于加利福尼亚莫哈维沙漠约书亚树国家公园附近。自上世纪90年代初以来，安德烈娅·齐特尔常以自己为实验对象，利用日常生活的舞台来发展和测试生活结构与情境的原型，并以此了解整个世界。齐特尔的实验有时是极端的：或连续几个月穿同一套衣服，或探索居住空间的局限，或在没有时计的情况下生活。然而，一个中心目标在这些经历中得以保留；即是，阐释人类如何将意义赋予他们所选择的结构或生活方式，以及我们对结构的选择是多么主观和武断。

安德烈娅·齐特尔（Andrea Zittel）

《A-Z西平面展亭》（Planar Pavilions at A-Z West），2017年
永久装置，加利福尼亚莫哈维沙漠约书亚树国家公园附近

安德烈娅·齐特尔（Andrea Zittel）

《平面野外创作2号和3号》（Flat Field Works #2 and #3），2015年
Middelheim博物馆展览现场，比利时安特卫普

齐特尔的艺术实践包括居住单元、家具、衣服、生活用具甚至食物，它们探索了根植于我们的日常习惯、模式、需求和价值观中的最基本假设。由此，她的艺术作品——尤其是其块状雕塑结构——跨越了艺术和建筑之间的界限，并反映出我们周围的现实如何由面板拼凑起来。这些面板既存在于现实的真实领域，亦存在于心理场域。水平面板自然地成为行动和行为的平台，创造出生活发生的场所，如地板、桌子、长椅、空地和街道。垂直面板则是信息和意识形态的载体，比如墙壁、屏幕、绘画、广告牌，它们赋予眼睛以特权。或刚或柔，这些面板为我们提供庇护，或将空间划分为具有目的或意义的特定区域。

安德烈娅·齐特尔（Andrea Zittel）

《A-Z荒岛之六》（A-Z Deserted Island VI），1997年
玻璃钢，木材，塑料，乙烯基塑料椅，乙烯基标志91.4 × 228.6 × 228.6 cm 

Domaine du Muy雕塑公园展览现场，法国勒米伊，2015-2018年

于1997年为德国明斯特雕塑项目展而创作，齐特尔的《A-Z荒岛》（A-Z Deserted Islands）成为一组漂浮的玻璃钢“小岛”的一部分，每个“小岛”都配有一把椅子。在艺术家最初的计划中，《A-Z荒岛》会作为一个组合呈现，以传递对独处和隐私的需要，同时也表达个人与社区紧密联系的愿望。

· 相关阅读 ·

▼ 点击“阅读原文”，了解更多画廊和艺术家相关资讯