BLANKgallery正在展出群展“甜蜜点 Sweet Spot” 聚集全球9位新锐女性艺术家。旨在倡导女性艺术家在承继与前行的道路上向世界诉说她们的独特观点：灵性的、接纳的、博爱的、直觉的，同时直观地展示关于身为一位女性的另一层面：从磨炼中得到的成长，从阴影中汲取的自我激励；最重要的是，将更深层次的思考应用于服务世界。对于亲密保持开放是女性天生的礼物，艺术是一种主动和勇敢地表达脆弱的方式。与艺术品相遇，让人拥有属于艺术家的亲密时刻，分享女性的精神力。
劳伦·厄德里奇 Loren Erdrich
“在任何当代文化中，都有对强硬的线条和秩序性的渴望，以及对确定性的追求。我的作品是关于流动性，并不是单一文化，或者说是counter culture的说法。”
L：这三件作品更多的是关于画中的人物如何占据画布内的空间。其中的人物发生在一个我能感觉到但看不见的世界里，但它们仍然是生活在这个世界上的一些强大的生物。比如As a tree这张作品，画中的人物，身影，好像舒展开，隐藏到环境中，我当时想要描述的这个身影仿佛如同某种树神所样。我通过绘画将这些人影复活，剩下的故事就由观者去幻想和谱写。
Z：你的创作方式大多是直觉引领的，这一创作方式在任何方面有没有改变或成长？ L：在我的绘画实践过程中，这种直觉是两方面。某天我可以忽然进入真正开始画画的状态，创作完之后， 我会突然忘记了我会画画或者我喜欢前一刻的那样作画方式。一种是我和材料的某种互动关系中而来的。相比传统在画布上堆积颜料，我更想突出我所用的染料，通过操纵染料的流动性来探索我和材料之间的一种关系。染料和画布最终变成一体。这是一种互动的，直觉引领的创作。 L：我认为在任何当代文化中，都有对强硬的线条和秩序性的渴望，以及对确定性的追求。我的作品是关于flowing，并不是单一文化，或者说是counter culture。另一部分也是关于如何去尝试和play，并对于即将到来的保有期待。
劳伦·厄德里奇工作室现场，Courtesy of the Artist
L：某些方面帮助了我的事业。除了不可避免的那部分，它为我带来了集中注意力绘画的时间。另一方面某种程度来说疫情让大家认可通过网络来“看”艺术，我的作品也从社交媒体上获得了很多认可。人们会从社交媒体上找到我，包括举办个展，与Marc Jacobs进行了合作。这些事情发生在疫情期间。 L：继续画画，并为之奋斗。必须主动为自己倡导，因为无论如何，是否每天按时到达studio并且持续的创造，取决于艺术家本人。
劳伦·厄德里奇（Loren Erdrich）生于1978年，是一位在纽约生活和工作的画家。2022年度主要个展包括：The Armory Show，代表Shrine画廊，纽约，美国；“Campire For Ghosts”, Shrine画廊, 纽约，美国；主要群展包括：“You Me Me You”, Nicodim Gallery，洛杉矶，美国；“Somebody, Nobody, Anybody”, Marquee Projects，Bellport，纽约，美国； “Pop-Up”, Shin Gallery of New York, 圣巴巴拉，美国。
刘璐 Liu Lu
“很多事物中长久和缓慢的部分被隐没，似乎事物丧失了一些模棱两可的可能，我的作品更多是想去讲述这种状态下的一种模糊带点浪漫化的感觉上的边界。”
Z：对你来说虚拟而日常的存在是什么？想通过绘画探讨怎样的时代议题？ L：我有一系列作品叫《目光相错》，就是围绕这种虚拟而日常的存在展开的，比如打视频电话，这似乎营造了一种虚拟对视的错觉，但我们和手机另一端的对方交流隔着屏幕，因为摄像头的光学因素，我们面对着屏幕的双方始终无法做到真正四目相对的眼神交流，这对大家来说都是习以为常的事，但的的确确是虚拟影响着我们现实生活的小bug。绘画给了我一个抽象、隐晦的角度来描述我对这个时代的感受，大数据的洞察性，科技、视觉等所追求的信息上的精度，它们促进了很多短暂和浅表的东西，我们更多的是欣然接受并且逐渐习惯，很多事物中长久和缓慢的部分被隐没，似乎事物丧失了一些模棱两可的可能，我的作品更多是想去讲述这种状态下的一种模糊带点浪漫化的感觉上的边界。 L：我的作品中可以看到对于空间的折叠感的一种表达，或是图像无限处理放大后图像的耗损，都是我所感兴趣的范围和处理图像的方式。一直以来对摄影也很感兴趣, 这一组的灵感有一部分来自于胶片质感的一种状态。以抽象呈现我所看到的某个当下具体的事物。影子在作品中是一种叠加的信息，也是我对于可能性的一种象征和探索。 刘璐作品于群展：“甜蜜点”展览现场，BLANKgallery
Z：其实对于你的作品我会有一种陌生感，不是会立刻可以从我的自然感觉里去找到一种链接的作品，但这或许是你希望表达对于图像的一种理解或者想达到的结果？ L：谢谢你用陌生感来形容，当下大家接受着同样的信息，从屏幕中来，创作也依托于图像，那么对于图像的态度就决定了如何去把控作品，陌生也意味着在处理方式上有了更多的区别。但可能陌生感因人而异，我希望我的画从图像开始，也从图像中剥离，就像我们把每个日常拍成照片，它们能关联到某种当时的情境，所以作品中很多抽象的元素承载了我对于这个世界很多即刻、瞬间的感受，如果在画中找到了类似于“记忆点”的东西，也许就会产生共鸣。
刘璐，1991年生于浙江台州，2017年毕业于中国美术学院油画系并获得硕士学位，现工作生活于杭州。主要参展经历包括：“甜蜜点”，BLANKgallery，上海（2023）；“庐隐集”，仚東堂，郑州（2022）；“一片盛大的记忆”，久事艺术空间，上海（2022）；“K”，丁·戈雅生意，杭州（2022）；西郊问路，石美术馆，郑州（2022）；“新西湖·湖中岛”，上海当代艺术馆，上海（2021）；“略大于宇宙”，言午画廊，上海（2021）
周妍 Zhou Yan
“选择线索的过程中会经历一种诱惑，去表现图像没有问题，但有些画不一定非要由我来画。”
Z：Kill the flame这一系列对你而言有什么特殊的意义？ Y：“Kill the flame”这个系列是通过对自我直觉的观察，去直视当下的存在，在不断涌现的直觉中作出判断，尝试通过创作找到和自我连接最紧密的那条线索。之前创作里比较自我的东西慢慢发生了变化。比如凭直觉生成的一些图像，里面有属于我的，也有带有杂质的，表现图像没有问题，但现在我觉得有些画不一定有我来画，也许其他人来画会更好。希望避免陈词滥调，选择对我而言链接更紧密的线索。 Z：作品富有你独特的想象力，但这种想象力并非一种肆意的表现，反而会又一种自律约束的感觉？ Y：作品中不喜欢边界模糊的图像出现而是希望有确切的轮廓。或者说，希望呈现一种很稳定，安定的结构之中的这种意识。也如同前面所言，对我重要的不是说再现我的某种直觉，而是通过进行一系列的个人选择，选择出属于我同时又陌生的图像。这样的自我形状更加真实。 Y：真实的就是混乱的，我们本身又是处在混乱中的漩涡，不断涌现和吞噬自己的感受再去制造混乱。会存在一种思维的困境同时又不是困境。也希望我在觉察其中的某个瞬间通过创作和混乱/真实本身产生一种确切的关联。
周妍，1991年生于河北，2021年油画系研究生毕业于日本京都市立艺术大学。 主要参展经历包括：“甜蜜点”，BLANKgallery，上海，中国（2023）；“周妍个展 Zhou Yan exhibition”，galerie16，京都，日本（2021）；群展“烟士披里纯”，林大艺术中心，北京（2022）；第三届Futurelab艺术与设计创新未来教育博览会，上海（2021）；三菱商事ARTGATEPROGRAM 2020年奖学金学生作品展，东京，日本（2021）；京都市立艺术大学作品展，优秀奖（2021）；京都银行第19回“美术研究支援制度”作品收藏（2019）
克莱利亚·福尔诺 Clédia Fourniau
“观众可以扮演一个真正的角色，通过体验这种如同演员的经历，并通过反射塑造自己的形象。让身体进入绘画的身体。”
C：这两件作品提出了一系列关于我的创作过程、协议、创造性的行为、迭代的想法以及身体在亲密和戏剧空间中的存在的问题。 Z：作为观者，绘画中的感官体验让我找到了作品与我之间的联系。这些体验是什么？在你看来，作品是如何随着时间的推移而演变的？ C：对我来说，观众可以扮演一个真正的角色，通过体验这种如同演员的经历，并通过反射塑造自己的形象。让身体进入绘画的身体。我的创作也设计对于不同面料，有时是服装面料的探索比如展出的这一张千鸟格。之前曾有过很激烈的一段感触，关于我自己于外界空间和内在空间的一些个人经历，随之都会以涂层和材料的接触呈现出来。 C：是的，我通常根据尺寸和颜色的命名法来命名我的画。有时我会根据绘画的历史给它们起一个特定的名字。
Z：这个群展的一个目的是提倡和赋能女性艺术家，你能谈谈你对新锐女性艺术家身份的一些想法吗？您想与我们分享任何挑战/事情吗？ C：提拔新锐女艺术家非常重要。个人而言，作为一名年轻的母亲，将一切结合起来并设法呈现在我的画作同时兼顾我的家人是一个真正的日常挑战。 C：我的期望是继续平静地工作，在我的画和我自己的事情上有新的发现和探索。
克莱利亚·福尔诺（Clédia Fourniau）1992年出生于巴黎，2021年研究生毕业于Beaux-Arts de Paris。目前生活和工作于法国巴黎。主要参展经历包括：“甜蜜点”，BLANKgallery，上海，中国（2023）； “Sorme Sermo”，Sisley，巴黎（2022） “核石”，魏斯捐赠基金，巴黎（2022） “深沙床”，Paris-B画廊，巴黎（2022） “Qfwfq”, Beaux-Arts, 巴黎（2022） “双子座”，保乐力加基金会，巴黎（2022） “事物的中间”，Poush，Aubervillier（2022） “乍一看”，G-P. & N. Vallois画廊，巴黎（2022年） “平行视点”，Les Moulins，Boissy-le-Châtel（2022）
罗莎琳·郝德 Rosalind Howdle
“我相信抽象和具象不是绘画的范畴，而是绘画的品质 —— 一种并存的力量。"
（Z-Zoey，R-罗莎琳·郝德）
Z：Hi Rosie, 最近如何？
R：我很好，谢谢。我一直在享受英国的初春，并在工作室里努力工作。
Z：最近的作品灵感来自哪里? 主题如何随着时间的推移而演变?
R：我的绘画需求与我与自然世界的关系息息相关。我知道这听起来有点古早，但是美是一直以来打动和激励我的东西。这也是推动我走向世界的动力，and really look。我的意思是深入观察，一种程度强烈的观察。人当看到美丽的事物时瞳孔会放大，眼睛会尝试吸收比只是眼前事物更多的东西。我寻找这种感觉，然后尝试在绘画中重现它。
罗莎琳·郝德近作于工作室，Courtesy of the Artist
Z：“这不是进入抽象的旅程，而是摆脱分类的旅程，并且因此跳出已知的等级制度。“ （This is not a journey into abstraction, but a journey out of categorization, and thus possibly out of learned hierarchies.） 这句话来自于你的个人陈述 。你能谈谈在当前的当代领域你如何看待自己的作品？
R：抽象和具象之间的关系是我觉得无穷无尽的有趣的东西。像今天的许多艺术家一样，我觉得自己既不是“具象画家”也不是“抽象画家”我对我们划分绘画的这条断层线提出异议。我相信抽象和具象不是绘画的范畴，而是绘画的品质——并存的力量。有时我更愿意把我正在做的事情看作是一种“去范畴化”的行为，因为“抽象”这个词感觉太固定了，在艺术史上与细节的修剪、简化或减少联系在一起。我觉得我正在使我的主题进一步复杂化，使它经历绘画的想象力和生成过程。
Z：作为新锐女性艺术家，拥有这种身份你有着怎样的经历？有哪些对当前本地和全球艺术市场的看法？
R：我感到艺术界和更广泛的社会正在发生变化。人们对女性的经历有了新的认识和兴趣，我很想看看艺术世界如何随着新一代女性艺术家的出现而发生变化。这种转变让我更容易从女性视角探索不同的方面，而不会被束之高阁。我相信好的绘画会自我验证——无论你的性别认同如何。2023年可以期待我的个展。
罗莎琳·郝德（Rosalind Howdle）1997年出生于英国伦敦，2022年毕业于英国伦敦大学坎伯维尔艺术学院绘画系。目前生活和工作于英国伦敦。
主要参展经历包括：“甜蜜点”，BLANKgallery，上海，中国（2023）；“浴缸里的任何地方”，哈尼区，Broadway Market Mews，伦敦，英国（2022）；“等量的一切”，在The Baths画廊空间，伦敦，英国（2022）；“什么正在成为我们：RCA绘画2022毕业展”，Rupture XIBIT，伦敦，英国（2022）；“皇家艺术学院毕业生展”，伦敦，英国（2022）；“夏日狂欢--群展”，Lupo画廊，米兰，意大利（2022）
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