▲ 格兰·里根（Glenn Ligon），《噪声 #6》（Static #6），2023，油画棒 煤灰 石膏底料，170.2 x 129.5 厘米 / 67 x 51 英寸 © 格兰·里根，摄影：Ronald Amstutz
格兰·里根
Glenn Ligon
艺术家对谈格兰·里根对话塞尔玛·戈登
Glenn Ligon and Thelma Golden3月25日 下午4–5时
开幕酒会3月25日 下午5–7时
3月25日至5月11日
豪瑟沃斯香港新址中环皇后大道中8号首层
美国观念艺术家格兰·里根（Glenn Ligon）以其基于文本的绘画作品闻名。为此次大中华区的首场个展，艺术家创作了一系列新作，包括了其「陌生人」（Stranger）系列绘画的延续、题为「噪声」（Static）的全新抽象系列，以及一组在和纸上创作的无题绘画作品。
这些作品均以作家詹姆斯·鲍德温（James Baldwin）的经典散文《村子里的陌生人》（Stranger in the Village，1953）选段为文本进行创作，体现了艺术家对文本的大胆使用及其对文化与身份政治的探究。
▲ 格兰·里根（Glenn Ligon），《陌生人 #99》（Stranger #99），2023，油画棒 石膏 铅笔 画布，289.6 x 223.5 厘米 © 格兰·里根，摄影：Ronald Amstutz
由豪瑟沃斯艺术出版（Hauser & Wirth Publishers）发行、詹姆斯·霍夫（James Hoff）编辑的刊物《格兰·里根：区分尿液与雨水；写作与访谈》（Glenn Ligon: Distinguishing Piss from Rain; Writings and Interviews）也将于2024年6月25日面世。艺术家的个展「格兰·里根：一塌糊涂」（Glenn Ligon: All Over The Place）将于2024年9月20日至2025年3月2日在剑桥大学主博物馆——菲茨威廉博物馆（Fitzwilliam Museum）举办。除了展出绘画、雕塑与版画作品之外，艺术家还将在博物馆内策划一系列场域特定的艺术介入活动，以期揭开展览历史的层层面纱。▲ 格兰·里根（Glenn Ligon），《陌生人 #98》（Stranger #98），2023，油画棒 蚀刻油墨 煤粉 丙烯 铅笔 帆布，289.6 x 223.5 厘米 © 格兰·里根，摄影：Ronald Amstutz《陌生人 #98》（Stranger #96，2023）是里根「陌生人」系列中的新作；该系列创作始于1997年，是里根持续最长时间的系列，其中使用了詹姆斯·鲍德温1953年的散文《村子里的陌生人》中的选段。在上述文本中，鲍德温回忆了自己访问瑞士洛伊克巴德某个小山村时的经历——在他之前，那里的村民从未见过黑人。他将这些经历与种族主义、殖民主义和白人至上主义的全球结构联系起来，并借此分析了这些问题在美国和欧洲所呈现出的状况。在「陌生人」系列作品中，里根利用油画棒将文字模印到画布之上，创造出了一种由句子构成的浮雕。随着模板在画布上的移动，油画棒的残留与之前文字的污渍在画布上留下了印记，也使其中某些文字变得模糊不清。艺术家在作品表面添加煤粉（一种黑色的、像砾石一样的煤炭开采废料），使得作品中的文字被进一步抽象化。借助作品可被识别的不同程度，里根通过语言带出黑人经历中超能见与不可见的不同状态，探讨了语言在精确表达种族、公民身份与主体性问题时的无力。正如里根所言，“这篇文章不仅涉及种族关系，它也讨论了在任何地方作为一名陌生人的意义。” [1]▲ 格兰·里根（Glenn Ligon），《噪声 #8》（Static #8），2023，油画棒 煤粉 粉笔 帆布，170.2 x 129.5 厘米 © 格兰·里根，摄影：Ronald Amstutz最新的「噪声」系列作品则见证了里根在这一技法上的进一步发展，同时走向更加抽象。与「陌生人」系列类似，里根同样使用了鲍德温的文字，不同的是，在「噪声」系列中，他在白色石膏底上使用白色的油画棒进行模印，然后再用黑色油画棒在凸起的地方进行涂抹。在对层叠的字母进行上色的过程中，艺术家创造出了不同程度的抽象效果，并强调了它们难以辨认的特性。这些单色作品最终形成了对「噪声」的某种视觉表达，仿如收音机或电视的传输信号不稳定及其导致的噪音或噪点现象。该系列对我们在这个「后真相」世界中，语言是否可以作为描述我们所处文化时刻的一种方式提出质疑。▲ 格兰·里根（Glenn Ligon），《无题 #41》（Untitled #41），2023，碳粉 石墨 和纸，45.7 x 30.5 厘米 © 格兰·里根，摄影：Ronald Amstutz同样，在他的纸本无题作品中，里根通过使用传统的拓印技法，挑战着抽象的极限。他将和纸置于一幅「陌生人」系列作品带有肌理的表面之上，再用碳与石墨进行摩擦，将模糊的文字从画布转译到纸张上。这些自然涌现的形式建立在“即兴抽象”的理念之上，这也是艺术家创作实践的核心，而作品则借此探讨了意外与意图、意识与潜意识之间的张力。这三个系列共同为里根所说的那些“可以言说与无法言说、或是难以言说的事物，亦或是那些尽管意欲澄清或解释但仍然晦涩的事物……”[2] 提供了某种反思。[1] 格兰·里根，转引自杰森·莫兰，《格兰·里根》（Glenn Ligon），载《访谈杂志》（Interview Magazine）2009年6月8日，无页码[2] 《格兰·里根：工作室》（Glenn Ligon: In the Studio），2021年纽约布鲁克林 © 格兰·里根/豪瑟沃斯▲ 格兰·里根（Glenn Ligon）© 格兰·里根，摄影：Paul Mpagi Sepuya格兰·里根（生于1960年）是一位生活、工作于纽约的艺术家。纵观里根的职业生涯，他通过自己的作品，深入考察了美国的历史、文学和社会，并对现代绘画和观念艺术的传统进行了批判性的建构。他于1982年获得卫斯理大学（Wesleyan University）学士学位，后于1985年参加了“惠特尼博物馆独立研究项目”（Whitney Museum Independent Study Program）。2011年，惠特尼美国艺术博物馆举办了他的职业生涯中期回顾展「格兰·里根：美国」，该展览由斯科特·罗斯科普夫（Scott Rothkopf）策划，并在美国进行了巡回展出。
里根重要的个展包括：「后黑色」（Post-Noir），尼姆当代艺术中心（2022年）；「格兰·里根：呼唤与回应」（Glenn Ligon: Call and Response），伦敦卡姆登艺术中心（2014年）；以及「格兰·里根——一些变化」（Glenn Ligon – Some Changes），多伦多发电厂当代艺术中心（2005年，后进行了国际巡展）。▲ 格兰·里根（Glenn Ligon）在工作室 © 格兰·里根里根的策划项目包括：「悲伤与不满」（Grief and Grievance），纽约新博物馆（2021年）；「蓝黑」（Blue Black），圣路易斯普利策艺术基金会（2017年）；以及「格兰·里根：相遇与碰撞」（Glenn Ligon: Encounters and Collisions），诺丁汉当代艺术中心和利物浦泰特美术馆（2015年）。里根的作品也曾参与了许多重要的国际展览，包括威尼斯双年展（2015年，1997年）、柏林双年展（2014年）、伊斯坦布尔双年展（2019年，2011年）和第十一届卡塞尔文献展（2002年）等。