小松美羽：创作的过程是完全不一样的，观众看到的是不一样的，但是创作的思维是一样的，要表现的事物也是一样的。小松美羽在东寺中作画

⽣态哲学家加⾥·斯奈德提醒我们——未经修饰的⾃然对于⼈们起到的唤醒作⽤，⾸先是从身体意识的变化开始的。什么是真正的自然，什么是美好的乡村生活？我们在身体和潜意识里向一种多元和多样性靠拢，期待丰盛和交融，让自然之声彼此回应。青山村如同一个“未来乡村实验室”，从丰富的人文和自然资源出发，积累了生态环境保护和工艺设计文化的实践积淀。而持续的变化或许可以让艺术的想象力先行一步，引起回响。静谧美好的自然里，“未来乡村”涌动着丰沛的生命力。丰富多样的艺术项目融合生长，犹如生命力旺盛的植物，破土而出的声响，让自然成为舞台。「在青山·

Wright）的每一件作品中窥见“福禄贝尔幼儿园”的影子，比如：由方块构成的联合教堂、充满秩序之美的罗比之家、富有层次张力的流水别墅、模块化砖石砌成的恩尼斯住宅，等等。1.

qiqi恐怕是你很难想象的一类服装设计师。在她设计的服装里，带着一股浓厚的“童年气息”。鲜艳的色彩、独特的面料、天马行空的剪裁设计，能够瞬间把人拉回20世纪末的童年记忆漩涡里。

在过去的一百多年里，捷克生产的木质玩具风靡全球，成为了几代人一起共享的传家乐趣。最受欢迎的当属传统木偶。起初，这些精美的提线木偶曾作为戏剧演员的代替品，如今，它们已经成为捷克传统文化的象征。两位年轻的女设计师Monika

2020年左右关于“元宇宙”的议论大爆发，2022年人工智能也大规模投入了行业使用，并以一种新奇玩具的形式被吸纳进大众生活。关于“元宇宙”的乌托邦式幻想尚未成真，人工智能使得虚拟人可以快速拥有丰富的面部表情和肢体动作，使得应用可以给人们迅速提供意料之外的信息。虽然其依然受制于人的输入，但是技术的更加成熟和真正的沉浸式虚拟交互，可能就会发生在未来数年中理论和实践的某一次顿悟。技术或成为讨论的主体，还是表现观念的工具？可能是一个交替轮回的过程。等到下一个突然到来的技术实现，大众的文化观念进程是否能驾驭呢？对文化、观念及其与技术融合方式的探索，也许同样甚至更加紧迫。「北京当代·艺术博览会——重聚」在延期一年后终于将在4月28日开幕，艺博会发起者鲍栋在此前采访中说：“这次博览会主题定为‘重聚’，它的意义不是说经过物理隔离后的相聚，而是中国当代艺术或艺术系统心态上的重聚。”此次艺博会展中展——「数置」板块，便聚焦于数字媒介的发展趋势和最新尝试。在这篇文章中，我们将对话黑弓BLACKBOW和尼欧数字艺术Neal

水墨挺危险的，在当代创作里可能是最难用的元素。使用它，要求艺术家行进在速度感中。跟丙烯和油彩不同，水墨无法进行细腻修改，它快速流淌，甫一起草就需要创作者下笔的方向、速度不仅快、准确，还要懂得利用水墨晕染进行变化，享受如何掌控韵律及动感。《归巢》

爱玩的人之间天生就有一种吸引力，就像LINDBERG和VISION。诞生于1986年的LINDBERG，以钛金属镜架和极简设计闻名世界。但LINDBERG可不只有高科技，创新一直是LINDBERG的DNA中不可或缺的一部分，他们相信以玩乐激发灵感，才能解放个性，探寻想象力的边界。于是我们一拍即合，要玩就玩点不一样的！VISION邀请了“摄影很牛画画更牛的脑洞小天才”三市井和自称为“十只流浪猫的男妈妈”的摄影师曾子夜，以LINDBERG为灵感，以“科技、玩乐”为关键词进行共创，形式不限，主题不限，随意发挥，尽情搞事儿。这次创作就在愉快的气氛中以不可捉摸的形式开始了👀LINDBERG

」为主题，通过材料研发、文献著作、多媒体装置作品等方式呈现出12年来践行的可持续时尚艺术发展脉络与成果，打造出一场敬畏自然、城市共生、连接未来的全维度、可持续性时尚特展及公共艺术事件。「我在乎

最近，ChatGPT几乎刷屏了国内外各大社交媒体。ChatGPT能够回答问题、撰写文章、总结提炼、生成代码，几乎无所不能的它很快就引发了人们对于AI科技的争论。越来越多的人开始思考ChatGPT强大的互动性还能为我们做些什么。这波由ChatGPT引发的AI争论之所以如此火热，很大一部分原因是因为它再次掀起了人们对于人工智能发展迭代的讨论。人工智能不仅涉及日常生活，更是延伸到了艺术领域，大家也不禁开始重新审视科技与艺术之间的关系。计算机创作的数字绘画Sine

科技引导的设计变革往往在不经意间就已快速完成。以VR、3D打印、数字孪生为代表的技术已经深刻地融入社会生活的方方面面，而以CHATGPT和MID-JOURNEY为代表的人工智能的出现，代表着科技从感知、理解世界到生成、创造世界的跃迁。如果AI时代的来临是科技进化的必然结果，那么，“设计”将如何回应？刚落下帷幕的第三届设计之春·中国家博会“当代设计展”（以下简称「设计之春」），以“更绿色更友好”为主题，全面升级了“LIVEin

九位享誉全球的艺术家对世界进行建构和重塑的视角，超越了既定范式下的思维模式，通过虚拟增强、混合等方式，弥合了现实与虚构的景观边界与构建法则。蔡国强（2020年），《梦游紫禁城》作品静帧。图片由蔡国强工作室提供雅各布·库茨克·斯廷森，2021年，《临界地带》作品静帧。图片由艺术家提供。798CUBE春季新展“我想看⻅‘你的看⻅’”于2023年3⽉24⽇正式开幕，展览为艺术项⽬“iCUBE

马灵丽：数字是我对于这块布发出的“攻击”次数，也就是褶皱的数量，这是一个只有我面对的过程，因为作品最后在展出时画面是平的，那一部分在空间上被隐掉了。所以，在名字中把这个过程和行为带了进来。

DD+孩提时代，我们有能力体验周遭的世界，然而，随着年龄的增长，我们对这个世界逐渐习以为常。长大，就是沉醉在感官经验中。当我们打破认知的成规，掀开一角生活的面纱，世界的奇妙将被窥见

面对当下高速前进的社会，大多数人会沿着惯性向前冲，然而对于“Z世代”而言，他们会在人生面临太多选择时勇敢按下“暂停键”，重新审视自己，思考未来，也为下一次的起航积蓄力量。本期VISION与四位年轻的朋友对谈，在GAP

连贯地观看陈琦的作品，会感受到一种独特的生命力始终在旺盛地生长。这种生命力的来源，在于陈琦始终保有拒绝平庸的勇气，而对平庸的抵抗在艺术上来说，就是拒绝对自己的复制。从版画本体出发，陈琦对印痕、复数、纸性、刀性等基本元素的新尝试，指向的是对流逝和永恒、图像和符号、正确和谬误等多重二元对立关系的辩证思考。这次我们希望深入探寻陈琦在“灵感-过程-停止”这一创作路径上的多个环节，挖掘陈琦隐藏在媒介之下的多样面孔。艺术家肖像《初本》等作品是围绕“水”来表现的创作，这些作品时间跨度非常长，表现形态也极其丰富。陈琦的“水”系列创作明显有别于传统山水画对“水”的展现和表达。在陈琦的创作中，“水”不再简单处于与山、树等其他元素组合的位置，而是完完全全成为整个画面的主角。《初本》

2023年的世界还是那个世界，但我们看待世界的方式、与世界相处的方式是否已经发生了变化？生活像一场持续不断的「游戏」，每一个人都是其中的「玩家」。我们以自己的经验与方式闯过每一道未知的关卡，或快、或慢，或稳健、或惊险；「游戏」中的「玩家」可以独立奋战，又可以相互扶持；这是一场不需要知道结果的「游戏」，因为这场「游戏」不分输赢，敢于迎面挑战、享受每一道关卡的「玩家」即是强者。“乐观”就是这场「游戏」中的“秘密武器”。回顾刚刚经历的各种人生挑战，何尝不是“积极”、“勇敢“、“互助”、“诙谐”、“幽默”拯救了我们似乎很脆弱的灵魂？“乐观”是当代青年人最需要的一种素质，但如果我们从未经历挑战，就没有机会真正获得这种素质。本期杂志以「游戏」为场景，以「玩家」为视角，在四大内容版块采用不同的叙述方式展开对生活态度的积极探讨，呈现不同「玩家」的「游戏」经验与故事。希望通过这样的内容构建方式引发阅读者对生活态度的更多思考。《青年视觉

“可持续时尚”被探讨至今，还能如何进一步拓展它的维度？什么样的服装是真正独一无二的?是否可以通过某种方式，让时尚设计与绘画、音乐、摄影等各种艺术形式交流、融合，从而焕发出新的生命力?不是时装设计师，也可以参与“可持续时尚”吗？......带着对这些问题的思考，VISION

看到声音、电子与视觉这个词组的第一反应是什么？是电子音乐，流行文化？是节奏，是低音炮？是带上耳麦，还是舞动身体？甘健从早年的音乐创作，到现在声音、视觉、装置结合的呈现形式，一直试图越来越直接、全面地触碰、侵入观者的感官。这也是为什么甘健的作品需要你身处现场，因为它是一场原始的共振，物理上与精神上的同频共振。最终，声音与视觉结合，震动与光影结合，平面与立体结合，材料与形式结合——“空间整体是最终目的。”甘健说。空间是被“创造”出来的材料，甘健说：“以空间作为创作的核心，和我的电子音乐创作有关，因为听觉是一种空间的构造，它会在脑海里自行‘延伸’。”他大量地使用了电子生成的声音——有关频率、震动、合成和电流本身的声音作为材料。这样选择是因为这种声音的生成方式和形式本身就是一个符号，它代表了工业的声音、现代的形态。它是符合我们当下外部世界样貌的声音，是对现代化环境的一种回应。只有这个时代创造的声音，才能反映这个时代的状况。在声音领域里创作的观念，一直延伸到了甘健的视觉创作中。他使用了很多现代化的符号，比如黑色、几何化、极简甚至冷漠的城市元素、建筑形象：“我后期想把影像作为纯粹的光源，只用单纯的光和投影去推动空间的变化。想用这种方式创作一个作品，努力把空间突显出来。”在作品《绝对的他者》中，空无一物的空间里，一束光打在角落，随之出现的是一个巨大的黑色立方形投影。光束移动，暗影或缓慢、或迅速地扩大、紧缩，形成一种极大的压迫感。与传统艺术相比，甘健认为，视觉艺术有效果的关键就在于这种表达方式在知觉上具有更强的侵略性。《绝对的他者》投影之下，是理性之外、被隐藏起来的、无意识的主体。即使人没有办法描述，但它却对光明之下的主体，起到了一种如基石般、大地般的作用。在对话中，甘健多次提到了现代化。甘健要表现的并不是现代化本身，而是现代化这个主体投影下那些不可见、非实体却可感知的东西。“可以想象的是，城市化、工业化背后的演变，比显而易见的表面更加激烈。一些看似永久的符号变得非常短暂。”——它们在我们当下的环境中成为了不堪时间考验的事物，

因为微信公众号平台更改了推送机制，所以在微信订阅框里的文章不会完全按照「发布时间」来排序，而变为以「点赞和互动的数量」来建立优先秩序。这就意味着你平时订阅的公众号所发布的内容可能会被折叠，也会令VISION和你之间的信息沟通增加不确定性。如果你希望及时收到每期VISION推送的精彩内容，那么，一定要按照下面的流程来「标星」VISION了！点开「VISION青年视觉」公众号的主页然后点击右上角「设为星标」看完文章后，记得点亮文末的「点赞」和「在看」不然我们仍然可能会处于失联状态完成以上两步，你和VISION的缘分就已经十分牢靠了！《青年视觉

建筑师刘阳在近些年的设计中，持续关注日常生活中能够打动人心的东西。他擅长运用设计来描述人的情绪，“好玩儿”、“有趣”是设计过程中他十分在意的“点”。2012年，刘阳成立了自己的建筑事务所——“大料建筑”。独立执业十年后，“大料建筑”为小喜民宿设计，三个院子于2022年底竣工。这一次，建筑师刘阳亲自撰文，向大众介绍他如何用游戏设计院落。借由这个契机，《青年视觉VISION》与刘阳对话，探讨设计与“大料建筑”。视频

关于「Z世代」，相信大家都已不再陌生。随着经济、社会的发展，「Z世代」的成长引领着多维度的新潮流。在多元化、多层次生活方式的今天，人们追求个性化，不再拘泥于固有的观念。这样的思维方式在美妆领域体现得更为鲜明。「Z世代」的美妆语言愈发成为当下流行趋势的主流。今天，VISION聚焦当下「Z世代」的美妆语言，和朋友们聊聊究竟什么才是属于「Z世代」的美妆风格。VISION你们对「Z世代」有所了解么？能谈一下对这个群体的看法么？朱婧汐从定义上来说，是指1995年到千禧年左右出生的这一代，感觉这一代人在大的环境和文化教育背景的影响下，更加追求自我以及个性的表达。唐毅我了解的「Z世代」就是计算机开始普遍流行，数字化开始实现的一个信息时代。「Z世代」青年也是伴随互联网成长的一代。左舰懿我自己本身就是「Z世代」，我觉得「Z世代」和任何一辈的年轻人一样，也有迷茫困惑。但是在互联网快速发展下成长起来的「Z世代」是更加多元包容的，有很多不同的性格样貌，可以非常勇敢专注地去做想做的事情，没有那么多顾虑。亦达因为我自己大致就算GEN-Z，我觉得这个群体简而言之就是非常多元。过去的20年，无论是中国还是国际文化背景里，很少有某一种审美、某一个时尚潮流趋势是让所有人都信服的，每个人都在庞大的信息群里找自己喜欢的，做自己感兴趣的，因此更开放和好玩。37当然，我算是「Z世代」青年的一分子。这一代人大多棱角分明，关心这个世界也关注自己，对新鲜事物和科技产物很感兴趣，包容性强。我觉得「Z世代」群体大多不喜欢被定义，不满足于被打上标签，没有停止过表达自己，内心迷茫又敞亮，是一群理性又感性的人组成的世代。VISION如果用一个词来概括「Z世代」美妆风格，会是什么？朱婧汐唐毅左舰懿VISION你们平时有接触或者尝试过「Z世代」妆容么？朱婧汐其实很难用一种妆容来归类「Z世代」，因为这个群体本来就有很多元的属性。就比如我，我觉得我是兼具「东方赛博」和「朴素自然」两种反差风格。朱婧汐37我会偶尔尝试这样的妆容。成长的过程中，在愈发了解自己的五官长相、喜好风格以后，我开始在美妆基础上，通过美甲或配饰的搭配去尝试这样的风格。因为我觉得一个整体的造型搭配，比局限在面部的妆容更具像。就像我图中的黑色星星妆、自己做的手工串珠帽和羽毛海胆戒指。37左舰懿有。我觉得「Z世代」妆容其实不用有一个鲜明的标签或者以一个印象中特定的样子去界定，只要表现出来是自己喜欢的样子，有自己的性格，它就是「Z世代」妆容。可以把它形容为每个人的图腾或者符号，有时候通过妆容就可以找到和自己兴趣相仿的朋友。左舰懿左舰懿亦达作为一个多领域创作者，朱婧汐一直以独具风格的创作去表达自己的态度。在她的身上，我们看到了「东方赛博」与「朴素自然」两种风格的矛盾统一。如果说「赛博朋克」是强调科技与生活的对立加强，那么，「东方赛博」就是在这样的疏离感中增加了令人亲切的东方元素。像朱婧汐这样不被定义、未曾设限的风格，带有太多令人着迷的问题。VISION你们印象中的朱婧汐是什么样的？37我印象中的她，就是一个「自我」的人，她很敢于表达什么是自己喜欢的妆造风格，敢于尝试外界对艺人固化印象以外的东西，我很喜欢也很羡慕这一点。左舰懿印象中的她是不取悦别人只取悦自己的女明星，很有风格个性。唐毅我觉得她是一个挺酷的女孩，强烈的风格能够令人一眼记住。亦达看到朱婧汐参加《乘风破浪的姐姐》时印象很深刻，她的妆容和整体风格很有未来感，充满创造力，出乎所料。VISION如果让你为朱婧汐创作一款属于「Z世代」的妆容，会是什么样的。唐毅37我最近刚好在听她的《Bardo》这首歌，于是给她画了一个以这首歌为灵感的妆容设计。“点一把火烧掉面具”，这首歌给我一种颓靡又重生的感觉，好喜欢。我从专辑封面取色，装饰她的发色和眼下，截取封面做一对耳环配饰，又加入钻石和彩色串珠——这种矛盾与和谐是我所感受到的，希望她喜欢。37「自我表达」、「审美多元」、「不受束缚」...

没有什么比一间隐秘的书店，更适合对抗对城市的审美疲劳。建筑师刘涛和蔡春燕将一座旅社和书屋重叠交错的空间隐匿于山村古宅之中，在紧凑的建筑内部构建出一个重峦叠嶂的意境。置身青龙坞乡村胶囊旅社书店的某一个瞬间，仿佛可以窥见光阴的痕迹。夜幕下的青龙坞乡村胶囊旅社书店

上海的刘女士最近遇到了一些困扰。她在搬家打包时发现了一大包尘封已久的衣服：妈妈帮她保存的婴儿装、幼儿园时第一次登台演出的舞蹈服、从奶奶的衣柜里“顺走”的毛衣、第一次约会时穿的破T恤、手工课上缝了一半就放弃了的奥特曼刺绣手帕……这一柜子的大宝贝们曾给她带来了无限的快乐，但也带来了数不清的烦恼。有个理论说，一件衣服如果你一年都没穿过，那就应该尽快处理掉。但对于热爱囤积老物件的刘女士来说，扔掉太过心痛，留着却也实在没有什么作用。只能把它们放在箱子里，跟着她一次又一次地搬家，让本就不富裕的卧室空间雪上加霜。当刘女士在键盘前按下发送键，向万能的网友们发出求助信息，收到的是三句加了惊叹号的回复：“不要扔掉！不要扔掉！不要扔掉！”👇👇👇“有旧衣，找肥羊”肥羊是谁？他是独立设计师品牌TIPSY

陈陈陈，1987年生人，中国美术学院读总体艺术、首都师范大学读哲学；组建乐队“香料”；曾任“木⻢剧场”“微在”创意总监；2020年成立个人工作室(CCCP)并任多家科技、音乐机构艺术顾问；2022年创立了虚拟世界公司OXYZ3(轴厂)。陈陈陈的创作源自几个大主题的世界观，他把这些世界观都梳理成了思维导图，并且有一个TO

Grünberg：我对戏剧的这些边界区域非常感兴趣——同时也很高兴这些边界不能被精确地定义。尽管我说过，表演者的现场存在是戏剧的基本条件，但我仍然把

20世纪60年代末，受结构主义思潮的影响，“叙事学”（narratology）作为一门学科正式在法国诞生。而后，西方城市相继由公众发起关于城市空间的探讨，引发了跨界学科的共鸣。此后，地理学、建筑学、城市规划学等学科，在此基础上产生了相关理论与设计实践。——“叙事”的诞生建筑，总是从一个麻烦或一个问题开始。为了回答这些问题，建筑师创造出建筑概念或思想，然后将这些概念或思想转化为物质空间，予以实现。当我们了解到建筑的本质是一种从“概念”到实体的过程，那么，“概念”便不再仅是“建筑之下的概念”，而指称从任何领域——电影、文学、艺术、经济、社会、哲学，等等——中获得的概念。所以，建筑师伯纳德·屈米说，“建筑首先是一种思考方式，就本质而言，建筑是概念或思想的实体化。”而在“实体化”的过程中，当建筑师真正运用跨界概念去转译空间时，建筑的叙事性便浮出水面。或许，在建筑领域，“叙事”从来不是一种主流的设计手法，但当我们回顾雷姆·库哈斯和彼得·艾森曼时期的AA学院，看到建筑叙事打破传统建筑学边界后所产生的广泛而持久的影响，我们便可以体会：一栋建筑的落成，不仅可以作为作品，还可以成为一个供人们重新组织工作生产关系、重塑城市资本逻辑的事件。PILLS建筑工作室创始人及主理人。第九届深港城市\建筑双城双年展（深圳）总策展人。中央美术学院建筑学院副教授、建筑系副系主任。王子耕是一位建筑师。他早年的学习和工作经历并不算复杂。在重庆读完建筑学，王子耕选择回到北京工作，

“江湖”是中国人的魔法世界，是寄托自己侠义情怀的理想之地。在武侠小说里，“江湖”是英雄豪杰的世界，上演着无数荡气回肠的英雄故事。在当代，“江湖”变成了一个更为抽象的概念，它寓意着志同道合的人所共享的空间，也代表着一种不受拘束、自由自在的生活状态。VISION与极客创造社合作，打造了一个有趣的、没有规则的时尚新江湖。在这里，没有论资排辈的江湖排名，也没有指点江山的武林盟主。这是一个属于当代年轻人的“江湖”，一切规则由“Z世代”青年们自己定义。在“Z世代”的奇思妙想中，一根竹竿可以是神兵利刃，一个棋盘也可以是江河湖海。你可以选择成为武当派弟子，也可以选择竞选菠萝派掌门；可以左脚踩右脚飞上天和太阳肩并肩，也可以为自己画上翅膀和杨过的神雕就地结拜。时尚江湖的兵器谱里不是倚天剑、屠龙刀，而是生活中经常使用的吸尘器、电熨斗……武林大会中也没有刀光剑影，而是彩色的花朵、儿时的玩具……每个人都是自己生活中的侠客，修炼着属于自己的武功秘籍。每个人都可以一起游戏、乐在其中。天下武功，唯“怪”不破；有趣第一，比赛第二。二十一世纪时尚武林大会，开启！摄影：Zhangzhen@jumbophotographe视频：Tim、Alex造型：Ivy

晋人尚韵、唐人尚法、宋人尚意……不同时代的东方审美，有独特的价值取向。《唐朝名画录》中，将对绘画的品鉴分为“能”、“妙”、“神”、“逸”四品，“逸品”超越了形的因素，也不受法的限制，自由地抒发主体情怀，是极高的美学境界。从“能”到“逸”的发展，是由客观转向主观，由形物转向精神的升华，是主客合一、物形与精神的合一。中国人对书画的鉴赏如此，对器物的鉴赏亦是如此。

我们相信，每个人都有自己独特的“城市记忆”，它或许是故乡，或许是我们曾到访的地方，抑或是某个莫名就让人魂牵梦绕的“目的地”。总有一个特别的地方，存放我们的回忆、当下和期待。——奥尔罕·帕慕克城市化是现代文明最明显的趋势之一。数据显示，自2007年之后，历史上首次有超过一半的人口居住在城市。多数人的未来将以城市为主要舞台。在世界变化与发展中，城市与人具有了前所未有的相关性。尽管我们身在城市之中，但仍不能完全理解城市。因而，我们需要像深港城市\建筑双城双年展（UABB，以下简称“深双”）这样的交流方式，来向大众更加开放地呈现城市的各个面象。“深双”自2005年创办以来，已经走过17个年头。十余年的深耕细作，“深双”已经成为全球长期关注城市或城市化的双年展。2022年末，我们迎来了第九届“深双”。VISION特别邀请担任过第七届“深双”总策展人之一的孟岩，与本届总策展人之一的王子耕，一起对话“深双与城市”，从他们作为参与者、见证者和推动者的视角，来观照我们日常生活、聚居的家园。

一只猛虎正假寐，梦中楼宇亭台间，事物忽隐忽现。飞荡游窜间忽而梦醒，恍惚看见自己卧在席上，尾巴短得像个小雪球，伸出绵绵的前爪抓挠一下耳朵，才发觉自己是只白白兔儿。无奈眼皮还是沉沉，又回梦里做老虎去了......黄毅民，1950年生人，旅美艺术家。在一个纽约的清晨和同一时刻的北京夜晚，笔者与黄毅民通了一个半小时电话。本来准备了一串问题，但是沉浸在黄老师的讲述里，竟忘了是在进行一场问答，而像是到她话中的场景游历去了。“梦幻物语”系列《红绣鞋

2019年，成都当代影像馆设立了“金熊猫摄影艺术奖”，以思想性、学术性、艺术性为基础，以推动中国摄影发展为目的，表彰在中国具有广泛影响力、学术思想、独立精神、艺术创见的优秀摄影艺术家。2022年，第二届“金熊猫摄影艺术奖”启动。与首届相比，本届初选及推荐评委不拘泥于摄影领域，包括艺术批评家、策展人、高校教师、美术馆馆长、社会学学者、影像艺术研究者等。本届评选出的获奖者也不是传统意义上的摄影创作者，他们的作品从内容、形式到工作方法，都充分显示出艺术家的思考及实践精神，拓展了影像艺术更多的可能性。经过评选，蔡东东、陈维、陶辉、杨福东（按姓氏拼音排序）获得第二届“金熊猫摄影艺术奖——杰出摄影艺术家”奖项，并在成都当代影像馆展出。其中：蔡东东展出作品《照片游戏》，陈维展出作品《新城》，陶辉展出作品《全息建筑》《类似装扮》《屏幕作为显示体》《跳动的原子》和《德黑兰的黄昏》，杨福东展出作品《无限的山峰》。“金熊猫摄影艺术奖”的展览现场像是一个空间蒙太奇，分为四个不同的独立单元，每个单元都有着自己的性格，展示出四位艺术家的影像创作。我们与“金熊猫摄影艺术奖”的策展人王庆松进行了对话，探讨了关于“金熊猫摄影艺术奖”的布展、评选以及他对中国当代影像的思考。作为创作者的王庆松，对摄影艺术有着相当成熟的观点与清醒的认知；作为策展人，他充分尊重每一位艺术家的想法，把自我退居其次，让影像自己来说话。他强调“金熊猫摄影艺术奖”的布展过程最重要的是公平性，不掺杂任何个人的喜好倾向，把思考的空间完全交给评审与观众。一个优秀的展览中不可能只有一个声音，展览是一种对话，除了赞美与认同，质疑与反对的声音也是展览的必要组成部分。摄影艺术要通过影像真诚地去表达自己对世界、对自我的观察，让不同的观点相互冲击与交流。有质疑才有反思，才能不断突破个人的局限，把个人的审美情趣融入到流动的、真实的、不断变化着的历史浪潮中去。摄影艺术发展至今，早已不能被局限为一种单一的媒介实践，不可以把影像创作孤立于真实世界之外，必须在一个更广泛的语境中去思考它。在创立成都当代影像馆之初，创始人钟维兴与艺术总监王庆松就决定必须按照国际一流美术馆的学术标准，打造一个有自己价值观的当代影像馆，踏踏实实地做一些具有专业性、学术性的展览。在中国摄影界，太多有才华、有观点的艺术家没有受到应有的关注，首先要让人们看到他们，看到真正好的作品，让摄影艺术走出小圈子，在更大范围内流动起来，摄影的春天才会真正到来。“金熊猫摄影艺术奖”的创立也是这种价值观的延续，关注30～60岁的中国籍影像艺术创作者，鼓励他们持续创作，在复杂的中国当代影像文化语境下，不断实验和探索。正如王庆松所说：“我们希望这个奖是有意义的。‘金熊猫摄影艺术奖’不是比赛，它是一种责任，是对影像发展的一种责任。”

冬季气温骤降，不仅改变了我们的生活习惯，更改变了我们穿着的服饰风格。日常的穿搭从追求清爽变为追求保暖，各种保暖单品蜂拥而至，占领了衣橱。当我们在谈论冬季穿搭时，我们谈论的是什么？是视觉上令人感到暖意的配色，是各种“冬日限定”的配饰，还是毛茸茸的针织毛衣？随着年龄的增长，穿毛裤也不再是一件羞于启齿的事情，相反，成为追逐潮流的一种时尚态度，各种针织服饰也再一次成为了时尚的宠儿。关于毛衣的记忆，你还停留在童年妈妈亲手钩针的五彩斑斓大毛衣吗？转眼间，这些曾经被“嗤之以鼻”的时尚绝缘体现在却成为了弄潮儿们的必备时髦单品。出生于1999年的Ella

Streler）在舞台上覆盖了大面积的布，不断用鼓风机在底下吹动制造风暴中的海浪；英国导演迪克兰·唐纳伦（Declan

1，自首次公开亮相以来，一直被错误地倒置呈现。馆方称，艺术家生前的画室照片中，作品黄蓝黒线条密布排列的方向朝上。这个消息无疑是一记重磅炸弹，作为名画级别存在的New

「大器」一词，是汉语中蕴含深厚文化属性的专有名词。“大”——重要的、珍贵的、有才华的；“器”——有用之物、有才之士。「大器」是千百年来这片东方沃土孕育出的独特审美品位，也是世世代代艺人匠师们孜孜追求的造物精神。时值2022年末，《青年视觉

一根纱线就是一颗种子，把它放在用想象力构筑的未来空间中，会生长出什么？艺术家徐燕辉便是从这一根纱线出发，探索着针织艺术的各种可能性。2021年，《青年视觉VISION》曾报道过徐燕辉的作品“一根纱线编织的万物花园”，一年过后，她手中的纱线又延展出了一片奇妙、瑰丽的“未来之地”。徐燕辉将自然万物细微的脉动、宇宙空间的幽深光影、时间的流逝、四季的更迭都融入到创作之中，使针织艺术呈现出变幻无穷的美。“我为这种不确定性深深着迷。我可以通过色彩、针织手法及不同的纱线，来实现自己头脑中幻想的画面。”《一根纱线编织的未来之地》视频纱线之于徐燕辉，就像颜料和画笔之于画家。一针一线，编织色彩斑澜、可温柔、可壮阔的针织艺术作品，延伸出她想象中的世界图景。徐燕辉把纱线当作画笔一样去运用，让不同编织技法呈现出的织物肌理变成绘画的笔触，自由地表达出她内心的诸多情绪。“这是一件奇妙的事，我时常觉得自己和针织这门工艺相互吸引，它引领我来到了梦想的发源地。”谈及创作，徐燕辉充满着兴奋与热忱。小朋友在玩游戏的时候不会觉得疲惫，她创作时也是一样。上海盛夏将近40度的高温，徐燕辉拿着钳子为铁丝塑形，为装置搭骨架。因为脑海中已经有了想象中的图景，在制作的时候可以完全沉浸其中，甚至接近于冥想的状态——用意念来引导双手，用直觉来编织材质。当你做真正喜欢的事情时，时间的概念就消失了，只剩下此时此刻。“我是一个真正的幕后工作者，”徐燕辉说，“我享受作品背后的所有创作过程。”《金属森林》，纱线、金属，大型装置，2022《金属森林》，纱线、金属，大型装置，2022《极昼》，纱线、金属，大型装置，2022思考，一如呼吸，成为徐燕辉这些年停不下来的功课。她把想象力具化成山水树木、自然生灵，外观宇宙，内观自身，以纱线作画笔，将思考转化为一件件介于真实与幻想之间的艺术作品。徐燕辉尊重自然固有的气质，不推翻、评判事物本质，不刻意标新立异，这让她的作品可以自然而然地与万物共生。结束在工作室的拍摄，摄影师把这些作品带到了上海郊区的森林中。在忽明忽灭的阳光与树影之间，在安静得仿佛原始世界的茂密树丛里，徐燕辉的作品一下子就鲜活了起来，好像它们原本就是从大自然中生长出来的，像是大地上的一颗颗宝石，在落日的余晖中发出光来。那是一种朴素、真实的美，不需要文字阐述与理论支持，天然地就可以引起人们的共鸣。《迷幻花园》，纱线、金属，大型装置，2022徐燕辉最新个展“一根纱线编织的未来之地“，以春、夏、秋、冬四个季节的不同场景为坐标，用针织编织的创作手法表达未来世界沉浸式的四季更迭。在她构建“未来之地”的过程中，使用了纱线、树脂、金属等综合媒介，从线条、平面到立体，完成了作品与空间的进一步对话，也赋予了纱线超越自身的更多可能性。“我们创作的视线，始终徘徊在微观世界和浩渺宇宙之间，向上无限大，向下无限小。时间刻度下的自然万物没有边界，它没有起点，也没有终点。以纱线的万千肌理变化为创作载体，用一根纱线手工地去编织无限想象力的未来之地。”每一幅作品都不是完成的目标，而是进一步探索的阶梯。正如徐燕辉所说：“一切才刚刚开始，一根纱线所承载的使命，长远而广阔。”《迷幻花园》，纱线、金属，大型装置，2022《微观世界》，纱线、树脂，2022VISION：这次展览的主题是“一根纱线编织的未来之地”，你心中的未来之地是什么样的？徐燕辉：我对未来一直充满敬畏和向往，当生活充满不确定性的时候，就会向往一片让人能暂时获得平静的未来之地。它是客观存在的，同时又是超现实的。我可能没有办法到达，但它一直在我脑海里，是一种非常迫切的渴望。做这个创作是在疫情期间，虽然我没有办法出行，但整个人的状态比平时更聚焦、更投入。生活中我们会有各种各样的情绪，起起伏伏且不稳定，但都很真实。真实的东西是有张力的，可以刺激创作的欲望。创作的过程其实也是疗愈自己的过程，通过每一天在做的事情，可以让自己沉淀下来，会让你思考很多：生活对你来说真正意义是什么？生活中最重要的东西是什么？人和宇宙有什么关联？地球上如果没有人类活动，会变成什么样？每一个作品，我都在幻想，并且用手绘的方式把脑海里想表达的形象画出来，再通过编织将手绘的场景实现。“未来之地”就是我想象地球没有了人类活动痕迹之后的样貌。时间依然存在，四季还在更迭，地球上的植物、动物依然还是存在的。“未来之地”是基于我对这个真实世界的感受，是来源于现实并且高于现实的。“超现实”这个词是我今年的关键词，我特别希望能创造一些脱离现实的东西或者一个虚拟空间，一个存在于想象中的场景。《微观世界》局部，纱线、树脂，2022VISION：你如何定义自己现在的身份？徐燕辉：首先，我是一个独立创作人、针织艺术创作者。其次，我很热衷于当一个朴素的教书匠。VISION：作为东华大学的老师，教学经历对你的创作产生了怎样的影响？徐燕辉：我很享受“教师”这个职业身份。我带的学生都是新生代的、未来的设计师，他们会给我带来他们这个年龄段特有的看世界的角度，这是非常有意思的。每个人都有自己的世界观跟宇宙观，每个年龄段的人都不一样。我永远都是一个有好奇心的人，教师这个工作可以让我看到年轻人眼中的小宇宙。他们会从自己的角度去提出一些很哲学的话题，触动我，进而让我思考。这个项目是基于东华大学和康赛妮集团针织创意中心的一个课题。在前期的课程中，我就带着学生一起来参与进来，引导他们去展开想象，展开讨论。学生对我的影响是渗透性的，有可能他们平常说的一句话，即使与这个展览的课题无关，也会对我有所启发。在创作过程中，我是主创，带头完成大部分的内容，也会让学生们一起做，一起分享和讨论新鲜的想法，最后由我来做整体的美学上的输出把控。有些学生原先对这个材料并不很了解，通过在创意营的学习和研究，对针织艺术产生了浓厚的兴趣，甚至影响了他们后期升学、就业的方向。我还挺欣慰的，这是一种美好的双向奔赴。《云》，纱线、竹，100x100cm，2021《极夜》，纱线、木材，200x130cm，2021VISION：关于针织技术，你都进行了哪些探索？有什么有意思的发现吗？徐燕辉：针织工艺是个非常神奇的无限空间，我尝试了传统机织工艺的混合多元运用之后，发现了手工创意编织的手法，你可以把针织工艺当作画笔一样去表达主题和意境，可以有无限的延展可能。这种创作的手法，有情绪、色彩、节奏、臆想，可以独立构成一个新的“宇宙”。VISION：从“万物花园”到“未来之地”，你的创作一直是围绕着“纱线”来进行的，这种材料为什么这么吸引你呢？徐燕辉：我原来是时装设计师，在创作过程中会接触到大量的材料，纱线是最吸引我的。纱线本身就是一个宇宙，它非常的丰富，有无限的可能性。我希望用纱线这种材料来表达自己对世界的看法，对时间、生命的思考，这是我穷尽下半生都做不完的事情。包括“一根纱线编织的”系列，肯定还会延续下去，我希望把它做成一个常年的课题。第一年是“万物花园”，第二年是“未来之地”，第三年可能会做一个与海洋有关的主题。我所有的设计灵感都来源于对自然的敬畏之心。《迷幻花园》，纱线、金属，大型装置，2022VISION：你非常尊重原材料，不会浪费一根纱线，甚至会将使用过的纱线回收再利用。可以讲讲你作品的材料来源吗？徐燕辉：众所周知，时尚行业是一种环境不友好的产业，在生产过程中永远会有材料被废弃。我想把这些没有太大商用价值的材料收集起来，将它们重新解构，去做再设计、再创造。我一般先手绘出作品的主题概念，然后对工作室里收集的库存材料做整合，再基于这些回收的材料进行二次创作；也会根据作品的色彩、材料的特性，再去寻找合适的材料。通过回收材料进行创作，可以做到零排放，它们是真正的奢侈品，因为不可替代。一根纱线编织的未来之地FUTURELAND展览以春、夏、秋、冬的四季循环为主题，展示了微观世界与浩渺宇宙未来的场景。艺术家以超现实主义手法描绘变异生物的疯狂生长,

摄影：陈颢支撑这个伞形屋顶的钢柱位于建筑平面的正中，而伞形屋面的结构通过悬挑，使荷载通过主梁汇聚于这唯一的钢柱，将重力汇集于房子的形心，有种一柱擎天的意味。中心柱草图

Form”中的数字手段便是对此的反讽——“一种可以使我们从生态启示的角度向我们以外的世界张望的意识。”Centric,

“虚虚实实，如梦似幻，你发现作品、从作品发现世界的同时，也在发现自我。真我假我，是我非我，在千千万万个我之中追寻「无我」，让一个又一个「我」重生，让一个又一个「我」消失。”——陈世英谈及珠宝艺术，有一个不能被错过的名字——陈世英（Wallace

作为拥有独立意志的人类，我们可以选择想要的生活、愿意从事的工作，如果足够幸运，也可以去到地球上任何我们想去的地方。但与此同时，身为人类的我们也不可避免地受到一种局限，一种在物质世界无法超越的极限，那就是：我们无法改变自己存在的形态。亿万年的进化决定了我们的身体构造，基因决定了我们的身高容貌，物理规律决定了我们行动的方式……存在便是如此，没有任何和“造物主”讨论的余地。此时，虚拟世界就成了让人获得“新生”的地方。在这个新的宇宙里，我们可以塑造完全不一样的自己。不是这个随机获得的初始躯体，而是依据我们的性格、心智诞生出的全新存在形态。当一切限制都被打破，我们可以化为飞鸟、精灵、机械战士，可以瞬移、隐身、穿梭于时空之间。现实中的我们有血有肉、真实可感，但在意识层面，虚拟世界中的形象也有另一种真实。VISION：你现实中的身份是什么？和大家介绍一下自己吧。杨婉：我是一个每天奔波劳碌的仙女，独立制片人、公关，也是

entry”系列，使创作成为一个媒介、一个桥梁、一个开关、一种重启，让现实在确定与不确定之间穿梭，探索真实世界在虚拟空间的延伸，根据所接触到的环境而改变、演进，承载当下。《MOses'

阴阳相生、虚实相间、有无相合、形神相依，是东方美学的根源所在。在《青年视觉VISION》秋刊，我们邀请了赵梁和唐诗逸两位舞者，用肢体来诠释一个亦真亦幻的东方故事。流动的身体中蕴含着不可思议的能量，赵梁和唐诗逸以山海为灵感即兴舞蹈，如水中扩散开的墨迹，化作世间万般意象，是岩石，是海浪，是骤然飞起的鸟，是聚散无常的流云，是轻盈的蒸腾而上的空气，是深埋地下绵延千里的暗流，是花开时若有似无的香气，也是虚实相生、无边无际的宇宙。舞者：赵梁、唐诗逸创意总监&导演：刘方

相较于款式设计繁多的女装，男装设计仍具有很大上升空间。如果要追溯男性服饰的发展，18世纪末的“男性时尚大扬弃”无疑是一个转折点，男性服装从追求华丽开始转向以实用性和暗色调为主，简约、守序的服装风格开始流行起来。中国男装一向以实用性为主，但毋庸置疑的是，男装设计已经转向风格开拓与设计创新，在兼具实用性的同时变得更加时尚。随着北京时装周的落幕，令更多人了解到中国本土设计师对于男装创新的无限可能。这次，我们聚焦致力于发展男装本土品牌的设计师们，探讨关于“中国男装”的过去与未来，以全新视角探索男装的更多可能性。本科毕业于意大利马兰戈尼学院米兰校区服装设计专业，后就读于伦敦时装学院男装专业。曾多次与德国版《GQ》、芬兰版《Numero》等全球先锋时尚刊物合作。VISION:

在《青年视觉VISION》秋刊「虚·实」中，我们于《隈研吾的故事：半生建筑缘》一文中详细介绍了日本建筑师隈研吾的人生故事，他遭遇过一个又一个低谷，却逆势向上走出了属于自己的建筑之路。当大众在看隈研吾的建筑时，我们看的究竟是什么？《青年视觉VISION》对话隈研吾时，我们聊了什么？当隈研吾给年轻建筑师建议时，他说了什么？隈研吾在V&A邓迪博物馆

复调音乐是一种多声部音乐，把两个或两个以上在艺术上有同等意义且各自独立的曲调前后叠置，和谐地结合在一起。对于有着多重身份的刘恋来说，作为Mr.Miss的主唱、奥美创意总监、北大考古系毕业生、B站UP主……她的人生仿佛也是一部复调音乐，各声部互相补充，互相对话，演奏出丰富、灿烂的乐章。这次，我们为刘恋的复调人生增加了一条新的旋律线，就是虚拟世界中的她，去实现在现实世界中无法完成的愿望，探索未知的更多可能性。《乐队的夏天》让Mr.Miss走入了大众的视野，《乘风破浪》第三季让刘恋迅速成为话题的中心，越来越多的人认识她、喜欢她，但刘恋好像并没有准备要当一个八面玲珑的“女明星”。她足够聪明，聪明到可以洞察事物表象之下的本质；她也足够清醒，清醒到可以了解自己真正想要的是什么。刘恋有着稳定自洽的自我内核，从而不讨好、不拧巴、不伪装。刘恋拥有很多不同的身份，这些身份看似互不相关，却相辅相成。如果说做音乐、做艺术是一种漂浮于云端的、形而上的精神体验，那么做广告则帮助她扎根于现实世界的土壤，让她更加了解真实的世界与真实的人性，从另一种层面滋养她的创作。浪漫与理性从来不是敌人，它们并存于刘恋的身上，理性使她不会过于沉溺于生活，不会迷失于这个充满着各种诱惑的世界；浪漫的天性使她始终保持对世界的好奇心，保持着感知力与创造力。这次拍摄，让我们认识了一个可爱、真实、迷人的刘恋，她愿意与我们一起尝试不同的风格，会在描述虚拟世界中的自己时笑得眼睛弯弯，也会在拍摄过程中认真提出自己的想法和建议。刘恋说她的虚拟形象是一只小熊猫，我们为这种软萌、慵懒、人畜无害的小动物加上了机械手臂，让虚拟世界中的她可以在无忧无虑享受生活的同时也更具有保护自己的力量。在现实的世界，刘恋已经拥有了这种力量，用才华，用智慧，还有清醒面对自我与世界的真诚。策划：RAVEN艺人统筹：李明伦摄影师：陆韵生RINGSON摄影助理：MOODY

《石镜》，1997年，不锈钢、大理石“直觉”毋庸置疑是艺术家灵感的来源，在保持敏锐中扩展艺术的边界。进入当代的语境，“直觉”被湮没于观念、逻辑、结构等强力的词语，但它仍旧可以成为某种意义上的起点。那么，我们不禁要问：直觉之后呢？

Moment瞬隙秘境”，以艺术为表达，以技术为媒介，以体验为核心，全方位体现出品牌破圈的创新实力与深厚的内核底蕴。隧道秘展内部将时空理论、光影艺术、沉浸式视听空间完美融合，对全新奥迪SQ5

近年来，关于“可持续时尚”的观点之风刮得愈发强烈。随着讨论声与热度的高涨，也有一部分人对于“时尚”这件事产生了疑问：这可持续究竟是概念上的“虚张声势”还是践行于土壤中的可行之花？本期，《青年视觉VISION》将与年轻的中国设计师群体一同探讨关于他们所理解的“可持续时尚”，以及在尝试或践行这一理念时所产生的思考。2013年，「yümin

如果可以将世界平均的划分为两部分，“虚与实”似乎是最为合理的划分⽅式之⼀。作为客观存在，“虚与实”的接壤处并非一条清晰的静态界线，