视听福利 | 十几年了，安东尼·葛姆雷将在伦敦迎来重磅个展
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从英国的海岸线到曼哈顿的屋顶，安东尼·葛姆雷的雕塑始终都有着极高的辨识度。
那些默默无声的人形雕塑总是成群结队地出现，却又保持着冷冰冰的距离。
对我来说，身体与其说是一个物体，不如说是一个地方：身体“在”空间里，身体“作为”空间。
——安东尼·葛姆雷
安东尼·葛姆雷，图片来自网络
1950年生于伦敦的安东尼•葛姆雷(Antony Gormley)是当代英国著名的雕塑艺术家。完成在剑桥大学三一学院的学业后，曾在印度行历三年，之后回到伦敦，先后进入金斯密斯学院的中心艺术学校和斯莱德美术学校深造。
9月21日，一场大体量的葛姆雷个展将在伦敦皇家艺术学院揭幕，主场馆的13个展厅将全部被其多种形式的作品占据，不仅包括他根据皇家艺术学院的展览空间新创作的作品，还有从绘画到雕塑再到具有实验性质的场域装置。
Antony Gormley, Lost Horizon I, 2008，图片来自皇家艺术学院官网
应该说，这是最近十几年来规模最盛大的一场葛姆雷作品展。
展览将探索葛姆雷多年来对有机、工业和其他元素材料的广泛使用，比如铁、钢、手工打制的铅、海水和粘土等。他在20世纪70年代和80年代创作的罕见的早期作品也会同时展出，正是这个阶段的作品成为葛姆雷使用身体作为创作工具的灵感契机，此外还有他的写生和素描等作品出现。
跟其他以静态雕塑为主的展览不同的是，这次展览还会有一系列互动装置，有些甚至是葛姆雷为皇家美术学院的空间特别设计的，参观者们可以放慢脚步，在互动中了解自己的身体。比如，“Clearing VII”这件作品，是弯弯曲曲盘绕数公里的金属构造成的一个“身临其境的绘画空间”，参观者们在里面找到自己的出路。
Lost Horizon I, 2008 (detail). Cast iron, each element 189 x 53 x 29 cm. Installation view, White Cube, Mason’s Yard, London, England. Courtesy of the Artist and PinchukArtCentre (Kiev, Ukraine) Copyright: the Artist. Photo: Stephen White
作品“Lost Horizon I”(PinchukArtCentre, Kiev, Ukraine)是葛姆雷在2008年创作的，由 24个真人大小的铸铁人物构成，设定在墙壁、地板和天花板的不同方向上，以此挑战我们的感知方式。
Matrix II, 2014. 6 mm mild steel reinforcing mesh, 550 x 750 x 1500 cm. Installation view, Galerie Thaddaeus Ropac, Pantin, France Copyright: the Artist. Photo: Charles Duprat
2019年最新创作的“Matrix III”将会占据最大的那个展厅：一大团纵横交错的矩形深色钢网在头顶悬挂，每一个都包裹着一个相当于欧洲人家里卧室那么大的空间。
对葛姆雷来说，它就像是“环境的幽灵，我们都选择接受它作为我们的主要栖息地”。同时它又是与感知继续进行批判性对话的作品，“将它构建成一个光学迷宫，这其中有着不可调和的前景、中景和背景”。
Antony Gormley, CLEARING I，2004，图片来自皇家艺术学院官网
同样创作于2019年的作品“Host”，葛姆雷用大量的海水、陶土将其中一个展厅铺满，足足有23厘米深，希望通过这种形式“召唤”这里的出现的生命，因为它不仅提供了一种与元素物质的对抗，还会有一种随着秋日日光时间的减少而变化的体验。
其实这是葛姆雷在1997年就已经产生构思想法的作品，之前曾经展出过三次，这次在皇家艺术学院展出的“Host”也是这个作品首次在英国亮相。
2016年在常青画廊北京空间的葛姆雷个展《屯蒙》中就曾经展出过类似作品
作品“屯蒙”，2016年常青画廊北京空间展览现场
当时展出的作品“屯蒙”将北京昌平红土置于天津港海水之下，在画廊最大空间内形成一个根据实地空间而制作的巨型装置作品。在两种材料50:50的完美比例下，构建了一个水与土和谐而又共生的独立环境。作品完全以自然光线作为灯光来源，从而在极大限度上复原着生命未曾出现之前的那片不被人所知的洪荒世界。
Antony Gormley, BODY and FRUIT, 1991/93，图片来自皇家艺术学院官网
在皇家艺术学院的中央展厅的中心位置，将会呈现葛姆雷早期的两件“膨胀”作品——“Body”和“Fruit”都是1991年到1993年创作完成的。
这些令人印象深刻的空心块扩展了人类身体的形状，创造出具有炸弹和水果特征的物体。每件重达几吨的作品将悬浮在离地面几厘米的地方。
Double Moment, 1987. Black pigment, linseed oil and charcoal on paper, 38 x 28 cm Copyright：the Artist
除了具有个人标签式意义的雕塑作品，这次展出的大量纸上作品也非常有看头，因为很多作品用的都是非同寻常的材料，比如原油、泥土或者血液。
其中有一件创作于1981年的早期画作此前很少展出，名为“Mould”，现存于私人藏家手中。
对葛姆雷而言，绘画还是创作的内核，是与他的雕塑并行的创作活动，通过不同的方法探索相同的问题。
Antony Gormley, Flesh，1990，图片来自皇家艺术学院官网
2016年3月，正值葛姆雷在常青画廊举办个展期间，中央美术学院美术馆“国际艺术家系列谈”项目曾邀请葛姆雷进行讲座，围绕“制造空间”主题来阐述其艺术的脉络。讲座回顾了葛姆雷40多年来的作品，探讨这些知名作品背后的创作理念和动机。他的雕塑、装置和公共艺术探讨了人体与空间之间的关系，尝试将艺术空间看作是孵化变化的场域，其中产生了新的行为、思想以及感觉。
想要更加深入地了解安东尼·葛姆雷，可以扫描下方二维码，在线观看这场讲座的全记录。
观看：《安东尼·葛姆雷：制造空间——我的雕塑艺术》